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La vida de Brigitte Bardot se podría sintetizar en dos portadas de la revista “Elle”. En enero de 1952 el magacín la presentó con un abrigo verde, todo el cuerpo cubierto, y con cabellera marrón. Tenía 17 años y los aparentaba. En cambio, la portada de junio de 1960 cuenta una historia distinta. Bardot, iluminada para marcar sus atributos, casi dibujándolos, ya es rubia. Esos ocho años convirtieron a la modelo y actriz en potencia en un ícono de erotismo que resonó en todo el mundo. Ella falleció el último domingo a los 91 años de edad en su casa al sur de Francia. Le sobreviven su cuarto esposo y un hijo del que estuvo distanciada. “Mi cuerpo nunca fue mío; perteneció antes a los demás que a mí”, dijo la actriz en su libro de memorias, “Iniciales B.B” (1996). Casada a los 18 años con el cineasta Roger Vadim, él escribió sus primeros papeles, construyéndola como sujeto de deseo hasta que los intentos dieron fruto con la película “Y Dios creó a la mujer” (1956). Le siguieron otros éxitos, como “El desprecio” (1963), “Viva María” (1965), “Si Don Juan fuese mujer” (1973), etc. La actriz misma menciona que con la fama “todo se desbocó” en su vida; no es un recuerdo nostálgico, podría hacer referencia al acecho permanente de la prensa, que documentó al detalle sus relaciones con maridos y amantes. Las reacciones al fallecimiento no tardaron. “Una existencia francesa, un resplandor universal. Nos conmovió. Lloramos a una leyenda del siglo” (Emmanuel Macron, presidente de Francia); “no fue solo una de las mujeres más bellas del mundo: fue la mujer más bella del mundo y, de hecho, todavía lo es” (Pierre Arditi, actor); “le encantaba reír, amaba la vida, amaba compartir esos momentos de felicidad” (Chico Bouchikhi, músico). Bardot junto con el actor Antoine Bourseiller y el cineasta Jean-Luc Godard, en la filmación de «Masculino, femenino», en 1965. / AFP Vida intensa Bardot hizo lo que quiso en todo momento, sean películas o música, con cinco álbumes de estudio y varios singles. Al dejar el cine, en su mejor momento según ella misma, encontró otro objetivo de vida: defender a los animales de la explotación, sea el ganado, para que tenga mejores condiciones de vida; las focas, cazadas indiscriminadamente; o los elefantes, utilizados en circos. Su más reciente donación para estas causas fue de 350.000 euros en 2018. La organización ambientalista PETA la ha llamado “el ángel de los animales”. Bardot actuó solamente por 21 años, épocas en las que vivió con depresión; tuvo por lo menos cuatro intentos de suicidio. En su momento se habló mucho sobre su maternidad no deseada, un hijo que tuvo con el actor Jacques Charrier; en los años 90 ella ahondó más en este tema, al punto de que exesposo e hijo la denunciaron y cobraron una indemnización. A lo largo de su vida Bardot terminaría pagando varios miles de euros en multa a consecuencia de sus palabras; cinco veces fue condenada por el delito de incitar al odio racial, particularmente contra los inmigrantes musulmanes en Francia. De acuerdo al diario francés Le Monde, Bardot fue por tres décadas la única celebridad francesa en defender abiertamente a la extrema derecha, algo que se veía desde su matrimonio con Bernard d’Ormale, su viudo, asesor de la candidata ultraconservadora Marie Le Pen. Su vida también tuvo un legado académico. La filósofa Simone de Beauvoir la hizo figura central de su ensayo “Brigitte Bardot y el Síndrome de Lolita” (1959), donde describe la imagen que proyecta en el cine como la fantasía masculina de una mujer incapaz de decidir y que no pide nada; todo lo da. “Ella no piensa, no juzga, no elige; ella es”, indicó el texto. Y sigue siendo. Source link

Novela, cuento, poesía y no ficción ofrecieron este año un panorama diverso y estimulante. Autores consagrados y nuevas voces dialogaron con la historia, el presente y el lenguaje, dejando libros que marcaron debates, renovaron miradas y confirmaron la vitalidad de la literatura peruana en 2025. MIRA: El manuscrito de una amistad Este es el balance de las publicaciones del 2025 de José Carlos Yrigoyen: Novela Dos libros sobresalieron en este rubro. “Preludio a los delirios de un joven pianista sin cabeza”, ambiciosa y audaz ficción de Stuart Flores, quien se erige como la más consolidada de las voces jóvenes en nuestra narrativa de largo aliento. Es una convulsa distopía, poblada de personajes complejos y atormentados, donde emerge uno de los temas que más obsesionan a Flores: la libertad de la vocación literaria y las escaramuzas del Poder que desea castrarla e instrumentalizarla. Al mismo nivel está “Tierra de canes”, la magnífica novela histórica de Carlos Enrique Freyre, protagonizada por los perros que los conquistadores españoles utilizaron para vencer en combate a los taínos y caribes en las Antillas, auténticas maquinarias del exterminio encargadas de sembrar el terror en los pueblos sojuzgados. Notable resultó, asimismo, “Los restos de la piel”, de Jhemy Tineo Mulatillo, de aliento animalesco y sensual, escatológico y lírico, angustiante e incitador, amalgama que halla armonía en una trama que sabe ceder paso a una hipnótica danza con el lenguaje que deja al lector zarandeado y agradecido. Mención especial merece “Un animal que se deja caer”, de Melanie Pérez-Arias, extraña y melancólica historia contada con humor cálido, conocimiento del prójimo y dotada imaginería sentimental. (Difusión) Jeremías Gamboa es un narrador que suele polarizar a los lectores: su última novela, la colosal “El principio del mundo”, no lo ha librado de esa condición. Aquí creemos que en esas mil páginas hay largos trechos donde demuestra un virtuosismo y una sensibilidad poco comunes, así comos tramos en los que tiende a una hagiográfica autorreferencialidad que resiente el interés por lo que se cuenta. “Coreografía para trenzas solas”, de Teresa Ruiz Rosas es también un libro de extenso recorrido, pero al mismo tiempo una aventura riesgosa y exigente que se formula como fresco sobre la campaña por la independencia, animado por un confluir de lenguas y de destinos que demanda alta pericia técnica. Los riesgos se sortean a veces y otras no, lo que deriva en una novela escarpada e irregular. Repercutieron este 2025 “Criaturas virales” de Dany Salvatierra, cataclísmica ofrenda de un narrador que va encontrando un decir intransferible; “Chocano o la vida nómade”, atendible arremetida de Mario Pera en la ficción y “Fascinación”, entretenida fábula a cargo de Diego Molina Rey de Castro sobre la juventud y el deseo destructivo que su tentación encierra. Hay que agregar a esta nómina “Mamita” de Gustavo Rodríguez, “Clara en el reino Moche” de Luis Nieto Degregori, “Denle de comer al olvido” de Alejandro Susti, “Cantan al hablar” por Zoila Vega, “El informe, pequeña novela burocrática” de Ezio Neyra, “El ancho mundo” del veterano Eduardo González Viaña, “Última salida de Palomino” de Diego Lazarte, “Obras completas de A” de César Torres Aguirre, la dinámica “La heroína silenciosa” de Hugo Coya, y “Días de Zorba” de Alicia del Águila. Cuento Un fructífero año en este apartado. “Viendo tu vida derrumbarse desde una distancia segura” de Gianni Biffi se convirtió en la sensación del 2025. Acumuló una muy positiva recepción crítica y dos ediciones en pocos meses: respuesta insólita para un libro de humor pop radical que rivaliza con los preceptos de la ideología literaria tradicional. Katya Adaui, una de nuestras cuentistas mayores, volvió con “Un nombre para tu isla”, conjunto de relatos que puede resignificarse como una cartografía del desasosiego. “E-mails con Roberto Bolaño” fue una gran sorpresa por parte de J.J. Maldonado, quien retorna dejando atrás los lastres del realismo sucio para afianzarse como un narrador seguro en sus indagaciones metaliterarias. Lo de Pedro Llosa con “Los gatos mueren con los ojos abiertos” es, en cambio, confirmación de las virtudes de un autor entendido en los lazos más débiles que enhebran las relaciones humanas. (Difusión) “Huaraca”, segundo libro de Luis Francisco Palomino, comprobó su vocación por dibujar la tensa psicología de quienes perviven en el extrarradio, de soltar sus voces y criaturas por los cerros y urbanizaciones de los paisajes suburbanos. Juan Carlos Cortázar también trasunta esos predios en “Lo que nos hace tan fuertes”, narraciones con fondo sociológico que logran penetrar en ciertas esencias de una marginalidad estridente y trágica. Más orientado hacia el humor y la desinhibición cómplice, “Un lugar en la familia de las cosas”. nos hizo descubrir a la divertida Claudia Paredes Guinand. Por su lado, “No podemos explicar por qué lloramos” de Giovanna Pollarolo “Cuentos de ángeles, unicornios y amarus” de Edgardo Rivera Martínez y “Huellas nada más”, de Roberto Reyes Tarazona brillaron en este género con la enjundia que se les conoce. (Difusión) Vale la pena mencionar la antología de Alexis Iparraguirre “Nada humano sobrevive aquí”, reunión de breves ficciones locales inspiradas en la teratología de Lovecraft, “Sangre para los dioses” de Daniel Salvo, uno de nuestros mayores expertos en ciencia ficción vernacular, “El hallazgo” por Jorge Ramos Cabezas, la frescura de “Tan simple, tan puro” de Alessandra Pinasco y la transgresora propuesta de Yasser Zola, que parece brotada de una serie B de tintes eróticos: “Cuerpos ajenos”. Poesía Jorge Nájar es un poeta ascético, lejano del ruido de las escenas literarias, forjador paciente de una de las obras más regulares y esmeradas de la generación del 70. “Jazz profundo y otros delirios” constituye una muestra de ese trabajo de orfebre, esta vez enfocado en la construcción de un infierno donde el poeta asume una identidad sufriente y comprometida, intrínsecamente vallejiana. “Una canción que no termina de salir de mi boca” es la continuación de esa lúcida interpelación a la realidad y al lenguaje que la sostiene desplegada por la talentosa Roxana Crisólogo desde su distante “Abajo, sobre el cielo”. Otro importante poeta de los noventa,

Hubo un momento, no hace mucho, en el que el bailarín peruano Patricio Quiñones creyó que su historia con el baile estaba llegando al final. Pensó que el tiempo —implacable— ya le estaba marcando la salida. Pensó en retirarse. En parar y buscar otra vida. Pero la música, esa que nunca lo soltó, volvió a llamarlo. Este 2025 lo encontró en la otra orilla: aviones en lugar de despedidas, giras en lugar de silencios. Dos de ellas junto a Daddy Yankee y Manuel Turizo, confirmando que el baile no se mide por la edad, sino por la persistencia y el talento. A los 27 años, cuando atravesaba una de las mejores etapas de su carrera en el Perú y estaba en el centro de la atención mediática tras su romance con Milett Figueroa, Patricio migró a Estados Unidos para buscar nuevas oportunidades y apostar por su camino como bailarín. LEE MÁS: Patricio Quiñones recibe elogios de sus fans tras llegar a Perú como parte del staff de Daddy Yankee “Yo quería bailar. En el Perú se puede vivir del baile, pero no siempre como bailarín; la industria no te sostiene tanto tiempo. La oportunidad llegó con los Juegos Panamericanos, cuando bailé en el show de Luis Fonsi. El coreógrafo me invitó luego a un show en Puerto Rico y fue ahí donde realmente se dio el salto: viajé a Estados Unidos por ese trabajo, ya con la idea clara de quedarme, porque llevaba tiempo yendo y viniendo, tomando clases y averiguando cómo poder ser legal allá”, cuenta Quiñones. En el país de Donald Trump, el camino estuvo lejos de ser sencillo para el artista peruano de 32 años. El reconocimiento que hoy alcanza llegó acompañado de lesiones, pausas forzadas, inestabilidad económica y momentos límites, especialmente durante la pandemia. “Creo mucho en la fe. Estuve a punto de decir ‘me regreso’, y justo apareció una oportunidad, y la tomé. Me pasó estar meses lesionado sin poder moverme, perdí mucho trabajo, tuve una operación y estuve un mes en cama, todo en el mismo año. En Miami no puedes parar: alquiler, seguro, carro… si no trabajas, se te va todo. En la pandemia lloraba con mi mamá por teléfono y ella me decía ‘ven, acá te apoyamos’, pero yo le decía ‘no me voy a regresar, mi sueño está acá’”, recuerda. El otro escenario Girar con grandes figuras de la música internacional no es sinónimo de comodidad ni de glamour. Ser bailarín en ese circuito — cuenta Patricio —, implica resistencia física y disciplina mental. “Las giras son maratones: noches que terminan pasada la medianoche, desmontajes interminables, viajes de ocho horas para volver a subir al escenario el mismo día. No se duerme bien, no comes bien, te lesionas, pero igual tienes que trabajar”, resume. LEE MÁS: Patricio Quiñones fue bailarín de Paulina Rubio durante su presentación en Premios Lo Nuestro La recompensa llega cuando se encienden las luces. “Puedes estar cansado o sin ganas, pero cuando empieza el show se va todo”, asegura. La adrenalina borra el agotamiento y convierte el cansancio en impulso. Esa energía, advierte, también puede desorientar: “Es muy adictiva. Por eso hay que tener una cabeza fuerte, saber que hay un personaje en el escenario y otro afuera. Si no, te puedes volver loco”. A ese desgaste se suman los prejuicios. Patricio tuvo que romper estigmas que todavía persiguen a los bailarines: la idea de que no es una carrera “seria”, que no da para vivir o que la orientación sexual define el oficio. “Como si ser bailarín fuera sinónimo de ser homosexual. Yo no lo soy, pero conozco muchos que sí, y además de la presión social, tienen que enfrentarse a gente que les dice que eso está mal”, señala. Y, aun así, hay momentos que justifican todo, como el que vivió en el 2022, en Lima, la noche en que Daddy Yankee se presentó en Perú y formó parte del staff de bailarines. “Fue la experiencia más grande de mi vida, tanto en lo profesional como en lo emocional. Cuando, por indicación de Daddy Yankee, saqué la bandera peruana en pleno concierto, el estadio quedó en silencio y luego empezaron a corear mi nombre. Mis padres estaban ahí, mirándome con orgullo. De niño soñaba con ser futbolista, con meter el gol de la victoria; ese día sentí algo muy parecido”, reconoce. Capítulo cerrado El romance con Milett Figueroa forma parte de su historia, pero no de sus cuentas pendientes. Patricio lo recuerda como una etapa de aprendizaje, sin rencor ni nostalgia. “Fue hace siete años y, de alguna manera, me preparó para todo lo que vino después. Estar al lado de una figura tan conocida me dio exposición. Fue una relación de jóvenes, de la que aprendí mucho y que no recuerdo con ningún rencor. Sé que para algunos seguiré siendo ‘el que estuvo con ella’, pero no me molesta, porque también sé que otros ya me reconocen por mi trabajo”, advierte. Hoy está solo. Hace pocos meses terminó una relación porque las agendas y los ritmos no coincidían. Y, sin embargo, no se siente en pausa. “Tengo ganas de ser una estrella”, dice sin rodeos. “Quiero brillar y ser reconocido por lo que hago arriba del escenario”, remarca. Source link

Es un lugar común empezar a hablar de un libro por su título. Pero esta vez, para entrevistar a uno de nuestros más agudos críticos sobre “De memorias y derivas: Sobre el cine peruano de ayer y de hoy”, el tópico se justifica. Porque hablamos de historiar los momentos estelares de nuestro cine y su posterior deriva, ese viaje azaroso que a menudo nos lleva a costas inciertas. En su más reciente volumen, Ricardo Bedoya nos recuerda que el pasado del cine peruano no empezó en los años de Velasco y la ley 19327, ni mucho menos, con “¡Asu mare!”, como creen muchos ‘influencers’. Nos habla de fracasos, pero también de renacimientos. Una tenaz intermitencia. MIRA: El manuscrito de una amistad En su historia el cine registra, advierte Bedoya, tres muertes claras. Una en el año 30, otra a fines de los cuarentas, y la última, en la Navidad de 1992. A saber: cuando el sistema propagandístico del presidente Leguía se vino abajo por el golpe de Estado y la crisis de 1929; con el estallido de la Segunda Guerra Mundia y la consiguiente escasez de película virgen que dio el golpe final a la frágil productora Amauta Films; y la reforma liberal del ministro fujimorista Carlos Boloña, que terminó con un régimen legal de veinte años que permitió la realización de más de sesenta largometrajes y 1.200 cortos. Una ley proteccionista, que suponía la exhibición obligatoria, y que resultaba incompatible con cualquier proyecto de libre mercado. “Fue terrible. El cineasta Nelson García calculó que fueron 300 las empresas cinematográficas locales cerradas en 1992. Todos los cortos desaparecieron de un día al otro. Ya ningún cine los pasaba. Dos años después, Fujimori da una ley, que purga cualquier posibilidad de subsidio. Promovió el cine no a través de subsidios ni exhibición obligatoria, sino a través de premios a la calidad. Ese es el concepto que rige hasta ahora”, señala el crítico. Portada del libro «De memorias y derivas: Sobre el cine peruano de ayer y de hoy». —Estas tres muertes generaron una distorsión en la memoria, una especie de “adanismo”, que hizo que desde los años 40, cualquier estreno se anunciara como “la primera película nacional”. ¿Por qué existe está idea de fundar el cine peruano con cada estreno? Porque nunca hubo la posibilidad de crear algo continuo. Todas esas intermitencias impiden la ligazón con el pasado y la memoria. Los cineastas de los años 70, con Federico García, Lombardi, Nora de Izcue, Tamayo, Huayhuaca o Chicho Durand por ejemplo, miraban hacia atrás y no encontraban nada. —No había una tradición previa, digamos… Ni siquiera había la posibilidad de saber qué cosa enganchaba con el público recordando éxitos previos. Las películas de Amauta Films no se podían ver, están perdidas para siempre. Nunca se construyó una filiación por culpa de esa negligencia oficial respecto no solo a lo audiovisual, sino a todo lo cultural. Así, todo lo que va apareciendo se presentan como lo primero, porque viene de etapas en que todo había desaparecido, nada se había conservado. Es por eso que muchas de las películas que en los años 70 y 80 tuvieron gran éxito popular, para los cineastas que empezaron en el 2000 no significan nada. O no las vieron o las vieron en copias infames. ¿Qué significa para un cineasta joven, o para un cineasta de regiones, una historia de películas peruanas que ni siquiera se estrenaban en sus ciudades porque no había cines? —¿Se puede entender la historia del cine peruano sin su contexto político? No se puede. Es un asunto complicado, porque si bien ha habido varias muertes, las resurrecciones siempre han estado ligadas a lo político. Uno no puede entender el cine de los años veinte sin la presencia de Leguía, quien lo construyó para su propia imagen. Y en 1940, cuando Amauta Films cierra, Prado da una norma que promueve los noticiarios nacionales, que se pueden ver en los archivos de la Biblioteca Nacional. El gobierno de Velasco buscó crear una industria basada en la sustitución de importaciones, algo absurdo si tienes en cuenta la pequeñez del mercado local. Y luego, el año 92, Fujimori da una ley que incumplió sistemáticamente. Luego aparece otra deriva, que no sé si generará una muerte, pero sin duda sí generará una transformación: el decreto de urgencia que dio el gobierno de Vizcarra y que este Congreso se bajó a la fuerza, transformándolo en otra cosa. —¿La deriva, que forma parte del hilo del relato histórico, también se ha convertido en metáfora en las historias que cuenta? Hablamos de deriva como relato histórico y como tendencia del cine internacional de autor. Pensemos en la deriva de los chicos de “Paraíso” de Héctor Gálvez, o del protagonista de “Días de Santiago”, de Josué Méndez o la deriva del muchacho de “Ciudad de M” de Felipe Degregori, o del soldado protagonista que corre al final de “La Boca del Lobo” de Lombardi. La deriva nos habla de la incertidumbre de los jóvenes, incluso de la sensación de que el mismo espectáculo del cine está en crisis, y que el cine que ellos hacen no podrá ser exhibido como antes. Por supuesto, está la deriva de no conseguir trabajo, de no conseguir casa, de no conseguir nada. Ricardo Bedoya repasa el pasado y presente del cine peruano. / LUIS CHOY —¿En tiempos en que la industria atraviesa una crisis general, cómo entra el cine peruano al segundo cuarto del siglo? Es bien complicado. Por un lado, hay un deseo de gente por dedicarse al cine. ¡Cada año se hacen centenares de cortos en el Perú! Pero el panorama es difícil. Las salas públicas están reservadas para Hollywood, que en determinadas épocas del año se abren a ciertas películas locales en determinadas salas y determinados horarios. Luego están los cines alternativos, que en el Perú son muy frágiles y que no garantizan ningún tipo de rentabilidad ni visibilidad. Por otro lado, la posibilidad de producir para las plataformas es cada

Desde siempre sintió curiosidad por la experimentación y por cosas que lo hicieran pensar. Hoy le interesa tanto la neurociencia como la música, la pintura y el arte, además del ajedrez. Mariano Sigman ha escrito un puñado de libros que buscan explicar nuestro tiempo, marcado por algoritmos, códigos y modelos de inteligencia artificial generativa, desde eso que él llama “el contorno de lo humano”. “Hay neurocientíficos que tienen un interés mucho más biológico en el cerebro, sus neuronas, su sinapsis, a mí me interesa más la emoción, entender la tristeza, la memoria, los recuerdos, la motivación, esa pulsión que nos hace hacer cada cosa”, dice, sentado en uno de los ambientes del hotel Westin, donde acaba de dar una charla sobre IA, en un evento organizado por Credicorp. MIRA: El manuscrito de una amistad – Resulta sugerente que un neurocientífico hable de inteligencia artificial, ¿cómo analiza este fenómeno que tiene fascinado al ser humano del siglo XXI? Hay fascinación, también hay miedo, hay todo lo que pasa cuando de repente llega algo nuevo sobre la mesa. Me cuentan que mi bisabuela ya era grande cuando vio al Apolo llegar a la Luna, entonces dijo: “Hasta acá llego, esto no puedo asimilarlo”, porque la volvía loca la idea de que una persona estuviera caminando en la Luna. De alguna manera con la inteligencia artificial pasa eso. Al principio es la sorpresa, la incredulidad, ¿cómo puede ser que una máquina tenga sentido el humor, que escriba más o menos bien, que haga música?, todo eso es sorprendente y frente a eso afloran todas las emociones humanas. Aparece el rechazo, el miedo genuino, pero también la adoración, un ejemplo de eso sería el típico artículo malísimo que dice: “La inteligencia artificial revela cuáles son las 10 mejores películas de la historia”, como si la IA fuera un dios que resuelve todo, cuando en realidad esa pregunta no tiene solución. No hay las 10 mejores películas de la historia. Hay las tuyas, las mías, las suyas, entonces la inteligencia artificial también ocupa ese lugar ilusorio que a veces buscamos de alguien que nos dé calma y certezas, entre tanta duda. – En “Artificial” pide entender el contorno humano, ¿qué significa esta idea? Eso tiene muchas acepciones. La primera es que las primeras personas que estudiaron la inteligencia artificial científicamente eran en su mayoría psicólogos o neurobiólogos que, justamente, para entender el pensamiento humano se preguntaban: “¿Es que acaso podemos emularlo?”. En su origen era una pregunta muy filosófica y poco práctica, pero cuando iban encontrando soluciones, se preguntaban: “¿Acaso puedo armar un programa que sea capaz de hacer eso?”… Ahora, por supuesto, han explotado tantas cosas prácticas que la inteligencia artificial no es un terreno de la ciencia ficción o de ciertos poetas del pensamiento, sino de ingenieros, de economistas, de gente del mundo corporativo, y aparece otra pregunta que es: ¿Cómo va a cambiar la IA nuestra propia inteligencia? ¿La va a atrofiar, la va a modificar? Ahí es cuando te das cuenta de que el pensamiento humano es mucho más volátil de lo que uno cree. (Foto: Eduardo Cavero/ GEC) / Eduardo Cavero Sibille – Entre esas adaptaciones que menciona, ¿cuánto está cambiando nuestra mente en más de una década de redes sociales? Cambia mucho y conviene recordar que no es la primera vez que pasa. Hace más de 2000 años, Sócrates se quejaba contra la escritura porque decía que era de perezosos que no podían recordar su propio pensamiento y tenían que ponerlo en un sustrato externo. Hoy eso pasa frecuentemente. Mucha gente dice: “es una película espectacular, pero no me acuerdo, la tengo que buscar”… Es decir, uno tiene un repertorio de ideas, pero las perdemos poco a poco cuando las depositamos en sitios. Originalmente era un papel escrito, luego fue Google y ahora uno no se acuerda nada. Y eso pasa, por ejemplo, con la capacidad de desplazarnos, una capacidad fundamental del ser humano y de todos los mamíferos y nos la hemos cargado. Piensa que antes los seres humanos cruzaban el Atlántico viendo las estrellas, triangulando con sextantes primitivísimos, y ahora no sabes ir de San Isidro al Rímac, que son los dos barrios que conozco en Lima, si no tienes un navegador. Hay estudios que muestran que la capacidad de sostener la atención está bajando peligrosísimamente y la atención es un recurso elemental del pensamiento humano porque es la capacidad de decidir a dónde quieres dirigir tu pensamiento. – Hoy nuestra capacidad de atención a las justas llega a 47 segundos… Es difícil saberlo, porque depende de cómo la mides, pero lo que es bastante claro es que disminuye y no por un pequeño margen. Hay estudios que muestran que también ya pasa eso con las inteligencias generativas. La gente que resuelve problemas utilizándolas pierde la facultad de resolver problemas por sí misma… El mundo del ajedrez es un lugar interesante para mirar. Hace mucho tiempo que las inteligencias artificiales juegan mejor que cualquier ajedrecista, pero eso no ha destruido el juego, al revés, lo ha mejorado. En el ajedrez hay una cosa como de amor por el pensamiento humano que no debemos perder. Algunos ajedrecistas juegan a un ritmo clásico y a lo mejor están 30 minutos pensando una jugada. ¿Hoy en qué otra parte conoces a una persona que se pasa 30 minutos tratando de encontrar una verdad sobre algo? La gente, en general, quiere resolver todo en 30 segundos… Para mí algo terrible en Perú es que tiene a uno de los ajedrecistas más legendarios de los últimos 50 años, se llama Julio Granda, y poquísimamente aquí gente lo conoce. Tienen a un héroe del pensamiento, a quien tendrían que reivindicar. – En ese sentido, cuánto puede ayudar también volver a la lectura. Lo que tiene la lectura es que requiere cierto esfuerzo y algo que hoy está muy en riesgo que es sostener ese esfuerzo durante un tiempo, lo que hablábamos del ajedrez. Es decir, la capacidad de persistir… Hay mucha gente

Durante años, Aldo Miyashiro y Jorge Carmona se repitieron la misma idea —“hay que volver a hacer ‘La gran sangre’”— como un mantra que siempre chocaba con agendas imposibles, proyectos cruzados y momentos que no terminaban de alinearse. Cuando por fin lograron coincidir, la pandemia volvió a postergarlo todo. Hasta que, casi sin buscarlo, uno de los personajes dio la señal. “Justo cuando empezamos a conversar otra vez sobre la posibilidad de volver, hice una publicidad y regresé a Tony Blades después de años. Y explotó en redes”, cuenta Miyashiro. La reacción del público fue inmediata y contundente. “Eso nos llevó a decidir hacerlo. ‘La gran sangre’ no se puede hacer si no está Jorge, si no estoy yo. La idea salió de los dos. Y había que sumar a Cachín, Pietro y Lucho. Y se dio”. El teaser fue escrito, producido y rodado en tiempo récord. “Fue ultra rápido”, recuerda Carmona. “Dos días después de escribir las escenas, las empezamos a producir, y rodamos prácticamente una semana después. En dos semanas hicimos todo. Se decidió y le dimos duro. Y fue loquísimo, era como si nunca hubiéramos dejado de grabar entre nosotros”. “Estábamos encapuchados para grabar la escena saliendo de la cárcel y veo a Cachín moviéndose sin parar”, recuerda Aldo. “Le digo: ‘¿qué te pasa?’ y me dice: ‘estoy muy emocionado, no puedo controlar la emoción’. Tuvimos que calmarnos para grabar. El humor, la camaradería, todo seguía ahí”. Detrás de cámaras del teaser de «La gran sangre». / Sebastian Rivera Han pasado casi veinte años desde que se estrenó la serie, pero el vínculo permanece. “Hemos hecho carreras distintas, a cada uno le ha ido bien, y ahora nos reencontramos siendo otros. Conservamos las mismas ganas y el mismo rollo, pero han pasado 20 años y cada uno ha vivido sus propios procesos. Volver a juntarnos en un proyecto que nos dio tanta felicidad fue brutal, y reencontrarnos con el cariño de la gente lo hizo todavía más especial”, reflexiona Miyashiro. Detrás de cámaras del teaser de «La gran sangre». / Sebastian Rivera Ese cariño no se evaporó con los años fuera de pantalla. Por el contrario, se volvió más fuerte y más nostálgico. La gente no solo los recordó, los extrañó. Y en ese vacío, “La gran sangre” fue creciendo como un recuerdo compartido que se transmitió de generación en generación. “Son antihéroes que puedes ver en la calle. Son del barrio, compran en el kiosco, en el mercado. Esa cercanía genera identificación. Son como tu alter ego, lo que tú también quisieras ser. Hay chibolos de 10 años que saben quiénes son Tony, Dragón y Mandril. Los padres les enseñan la serie y se genera una unión bien linda entre generaciones”, dice Carmona. Para Aldo, la clave está en que nunca fueron perfectos: “Son falibles. No son dechados de virtud. Tienen problemas y miedos”. La película, que retoma casi 20 años después la historia de Tony Blades, Mandril y El Dragón, se estrenará en el 2026 (Foto: Difusión) Más allá de la ficción Esa conexión con el público dejó momentos difíciles de borrar. Aldo recuerda una presentación en MegaPlaza, cuando anunciaban la segunda temporada. “A Jorge se le ocurrió que no fuéramos como Aldo, Pietro y Cachín, sino como Mandril, Tony Blades y Cobra. Yo no quería, pero me convencieron (ríe). Afuera, más de 15 mil personas nos esperaban con carteles. Parecíamos Servando y Florentino”, dice entre risas. Hubo también episodios insólitos relacionados a expresidentes peruanos que confirmaron hasta dónde había llegado el fenómeno. “Alejandro Toledo quería aparecer en la serie, saludándonos o de alguna otra forma. No aceptamos. Y en el gobierno de Alan García, nos invitaron formalmente a marchar en la Parada militar junto a las Fuerzas armadas. Pudo ser una foto histórica, pero también peligrosa. Preferimos decir que no porque ‘La gran sangre’ siempre fue independiente, justicieros del pueblo, no de un poder político”, asevera Aldo. La nueva película no esquiva el paso del tiempo: lo asume y lo convierte en una herramienta narrativa clave, permitiendo mostrar a los personajes en su versión más vulnerable, humana y real. “La gente nos dice que el Dragón ya no podrá levantar la pierna”, comenta el director. “Y claro, el tiempo pasa y estamos conscientes de ello. La historia se trata así, tal cual. No ocultamos nada. Somos más viejos, pero tenemos las mismas ganas, los mismos hue… e intenciones de solucionar las cosas que se solucionaban, pero adaptándolas a la realidad”. Después de la caída Esa realidad pesa sobre los personajes. Salen de prisión tras veinte años de condena injusta, cargando rabia y pérdidas. “Veinte años es toda una vida. Dejaron familia, amigos, no tienen nada. Y eso cambia la forma en la que resuelven los casos. El Dragón, que era sereno, probablemente ya no lo sea. Tony está amargado, molesto con la vida. Mandril dejó a un hijo afuera. Son otras emociones”, cuenta Miyashiro. Carmona lo resume como una búsqueda consciente: “Queremos personajes multidimensionales. Que cambien, que tengan otro propósito, otro móvil. Son seres humanos, como todos”. Vínculo intacto El pacto de sangre —ese símbolo que marcó a toda una generación— también vuelve resignificado. “Conmovió tanto que algunos chicos se hicieron cortes para decir que se habían hecho el pacto de sangre. Tuve que ir a varios colegios a decirles que no lo hagan. Pero más allá de eso, el pacto era unión, cercanía, respeto”, detalla Miyashiro. Este regreso al cine también dialoga con una historia pendiente. «La gran sangre» ya tuvo una primera película, estrenada el 2 de agosto del 2007, en pleno auge de la serie. Sin embargo, el resultado no fue el esperado. “Trece días después del estreno ocurrió el terremoto de Pisco”, recuerda el realizador. “La gente dejó de ir a lugares públicos por temor a las réplicas. Las salas de cine estaban vacías. El resultado no fue el que esperábamos”. Casi dos décadas después, esta nueva película aparece también como una revancha: una oportunidad de cerrar ese capítulo

Curioso viaje el de San Nicolás. Un santo que nace en Turquía, que originalmente se le rinde culto en Europa, y que termina siendo reinventado como ícono de las fiestas navideñas en la nevada ciudad de Nueva York. Para el escritor español Javier Peña, creador del podcast literario “Grandes Infelices”, más allá de su origen histórico, el bondadoso San Nicolás resulta un personaje tan literario como el avaro Ebenezer Scrooge, inventado por Charles Dickens en su “Un cuento de Navidad” (1843). MIRA: El manuscrito de una amistad Fue Washington Irving quien en 1809 escribió “La historia de Nueva York” (cuyo título completo es “Una historia de Nueva York desde el principio del mundo hasta el fin de la dinastía holandesa”), crónica exagerada que parodiaba el discurso académico, fusionaba leyendas con hechos históricos y celebraba con ironía el papel de las primeras autoridades holandesas en la que fuera la antigua Nueva Ámsterdam. Irving publicó el libro bajo el seudónimo de Diedrich Knickerbocker, un anciano y excéntrico historiador holandés que había desaparecido dejando el manuscrito en su hotel sin pagar la cuenta. Todo ello fue parte de una brillante campaña de márketing ideada por el mismo Irving, la cual tuvo tal repercusión que hoy a los neoyorquinos se les conoce como “knickerbockers” y, por lo mismo, a su equipo de baloncesto se le llama los New York Knicks. Washington Irving. (Foto: Wikimedia Commons) Al principio de la historia, Oloffe Van Kortlandt, un adinerado colono holandés, tiene un sueño en el que San Nicolás desciende de las copas de los árboles en una carreta voladora, enciende una pipa cuyo humo arremolinado toma la forma de una ciudad con torres y se frota el dedo junto a la nariz antes de ascender al cielo. El relato de Irving partía de la tradición holandesa de San Nicolás, donde cada 5 de diciembre los niños dejaban sus zapatos con la esperanza de que ‘Sinterklaas’ los juzgara con ternura y les dejara dulces en lugar de carbón. Al ser estadounidense, el escritor era mucho más cercano a la cultura popular de su país que al santo turco enterrado en Bari. Por ello, no lo retrató como el típico bienhechor que hoy conocemos; su figura se parece más bien a la que recoge Tim Burton en la adaptación de otra de sus historias, “La leyenda del jinete sin cabeza”: un personaje un tanto tétrico, a pesar del tono satírico. En el relato de Irving, el santo patrón holandés devino en Santa Claus. Más tarde, otros autores neoyorquinos como Clement Clarke Moore (con su poema “A Visit from St. Nicholas”) se basaron en el personaje de Irving para construir la imagen definitiva de Santa Claus, con su trineo tirado por renos, el traje rojo, la barba blanca y la nariz color cereza. Décadas más tarde llegarían Dickens y Hans Christian Andersen para terminar el paisaje navideño actual. Escritor español Javier Peña. (Foto: Hugo Pérez) / HUGO PEREZ “No creo que Washington Irving hubiera llegado a adivinar la influencia de su personaje”, advierte Javier Peña. “Lo cierto es que su San Nicolás tomó vida literaria, y luego el mercado empezó a sacarlo del libro hasta convertirlo en un ícono cultural independiente. Sucede lo mismo con Drácula o Frankenstein: la gente habla de Papá Noel sin haber leído sus libros de origen”, afirma. Al escritor español le resulta fascinante un dato poco conocido: Irving, Dickens y Andersen se conocían en persona. Algo difícil que suceda a mitad del siglo XIX, cuando no existían vuelos ‘low cost’. Bien leídas, las historias de estos tres autores tienen mucho de complementarias. ¿Cuánto influyó “Una historia de Nueva York” en “Un cuento de Navidad”, “La niña de los fósforos” o “El muñeco de nieve”? Es difícil precisarlo, pero como asegura el divulgador español, está claro que todos ellos tuvieron el propósito de reinventar la Navidad. Source link

Bad Bunny y J Balvin sorprendieron al público la noche del domingo 21 de diciembre al reconciliarse públicamente durante un concierto realizado en Ciudad de México. El reencuentro ocurrió en el Estadio GNP, donde el cantante puertorriqueño ofrecía uno de los últimos shows de su gira Debí tirar más fotos, cuando el artista colombiano apareció de manera inesperada sobre el escenario. LEE: “Avatar: Fuego y cenizas” debuta en los cines dominando la taquilla mundial La presencia de J Balvin provocó la ovación inmediata de más de 60 mil personas que asistieron al espectáculo. Vestido con una chaqueta con los colores de la bandera mexicana y la imagen de la Virgen de Guadalupe en la espalda, el colombiano tomó la palabra para dirigirse a Bad Bunny y al público. “Y ahora hermano, somos dos hombres que estamos dando la cara representando al latino a donde vayamos, y te deseo lo mejor, que Dios te bendiga”, expresó. Bad Bunny respondió agradeciendo el gesto y reafirmando el respeto entre ambos. “Sabes que el sentimiento es mutuo, que te respeto mucho, que te quiero mucho y que igual, si en algún momento falté en algo, yo ya me disculpé hace mucho tiempo”, señaló el intérprete de Mónaco y Tití me preguntó. Tras el intercambio de palabras, ambos artistas interpretaron en conjunto algunos de los temas más conocidos de su etapa de colaboración, entre ellos La canción, Qué pretendes, Si tu novio te deja sola e I Like It, esta última grabada junto a Cardi B. El momento fue uno de los más celebrados de la noche. Bad Bunny explicó que el reencuentro no fue improvisado y que ya existía una conversación previa entre ambos. “La gente no sabe, pero nosotros tuvimos una conversación hace varias semanas, pero estábamos esperando el momento perfecto para compartir tarima y qué bueno que fue aquí en México. ¡Colombia, México, Puerto Rico!”, comentó ante el público. Por su parte, J Balvin destacó el crecimiento artístico de su colega y el proceso personal que ambos atravesaron en los últimos años. “Siempre supimos que iba a ser una de las estrellas más grandes de la música. El pasado es pasado, hemos madurado, tanto tú como yo”, afirmó el cantante colombiano, de 40 años. Horas después del concierto, J Balvin utilizó su cuenta oficial de Instagram para compartir imágenes y videos del reencuentro, acompañados de un mensaje reflexivo. “Hermano. El tiempo acomoda lo que el ego desordena. Hoy no escribo desde el ruido, escribo desde la calma”, escribió. “Celebro que estemos bien, que la paz también se haga tendencia”, añadió. Este reencuentro marca la primera presentación conjunta de Bad Bunny y J Balvin desde su último concierto en el estadio Hiram Bithorn, en Puerto Rico, en 2021. Ambos artistas habían mantenido distancia tras el éxito del álbum Oasis (2019), que lideró por ocho semanas los rankings de Billboard en las categorías Top Latin Albums y Top Latin Rhythm Albums. MÁS: Nacimiento para imprimir en PDF: recorta y arma este diseño exclusivo de “El Dominical” Aunque nunca se confirmó un conflicto público, el distanciamiento estuvo relacionado con diferencias creativas y enfoques musicales distintos. Mientras Bad Bunny orientó su carrera hacia proyectos más personales y vinculados a Puerto Rico, J Balvin continuó desarrollando colaboraciones dentro del pop urbano internacional. La aparición conjunta en México reabre la expectativa sobre futuras presentaciones o colaboraciones entre ambos referentes del género urbano. SOBRE EL AUTOR La notas firmadas como “Redacción EC” son producidas por miembros de nuestra redacción bajo la supervisión del editor de la sección en las que son publicadas. Puede conocer a nuestro equipo editorial en https://elcomercio.pe/buenas-practicas/. Si usted tiene algún comentario sobre nuestro proceso editorial, escriba al correo indicado abajo Source link