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Si Diana Quijano pudiera retroceder el tiempo, no cambiaría su vida: la prepararía. Volvería unos pasos atrás, justo antes del día en que le dijeron que tenía cáncer de mama, para entrenarse a recibir esa noticia sin que el cuerpo la traduzca en enfermedad. “Fue muy traumático”, dice. Esa confesión íntima parece escrita para abrir la puerta de la obra que estrena en febrero: “El tiempo todo locura”. Dirigida por Renato Piaggio y escrita por Félix Estaire, tres hermanas descubren que una “pastillita” puede devolverlas al pasado, como si el dolor tuviera botón de reinicio. El plan nace del amor para evitar que su madre muera. Pero cada intento por corregir el destino termina multiplicando el desastre —y empuja a la familia a un laberinto donde el tiempo en lugar de curar, cobra demasiado caro. Los personajes se llaman Mayor, Mediana y Menor. “Yo soy la Mayor: son los roles que uno ocupa en la familia. Y cuando eso se tergiversa, se va todo al diablo”, detalla Diana. Esa fractura —el orden íntimo que se desacomoda— es el punto de partida de la puesta en escena que se ríe, sí, pero sin atajos. “Cuando leí la obra me encantó porque no es una obra fácil… es una locura, la cabeza se te vuelve un trompo. Y además es comedia; yo tenía muchas ganas de hacer comedia después de ‘La doctora’. No tiene risas fáciles. Es lo absurdo lo que se plantea”, explica. Pero lo que termina de tensar la obra —y de volverla incómodamente humana— es su mensaje: la trampa de querer salvar a quien amamos a cualquier precio, sin medir las consecuencias. “Ellas no quieren que la mamá se muera y hacen cosas para que eso no pase…. Pero por tratar de salvarla vuelven atrás en el tiempo y mueren más personas, a una hermana la meten a la cárcel… se complica todo buscando una mejor solución“, detalla Quijano. Y mientras el público se ríe de los agujeros del tiempo, la obra deja una pregunta clavada como astilla: si tuvieras la pastilla en la mano, ¿volverías para arreglarlo todo… o aprenderías, por fin, a soltar? Para Diana Quijano, al menos en escena, la respuesta no viene del futuro. Viene de la familia. De esos roles que nadie elige y todos terminan interpretando, hasta que el tiempo —o la vida— les cobra la verdad. “La obra está planteada para que la hagan hombres o mujeres, quien sea. En nuestro caso somos tres mujeres”, señala. Y añade que el texto le dejó una certeza: por más pleitos o distancias, el vínculo familiar no se rompe, solo cambia de forma. Y el 2026, para ella, no se queda en este estreno. Termina la temporada en marzo y el calendario ya le marca el siguiente salto: una película aún sin fecha, pero en camino. “Me desocupo de la obra en marzo e inmediatamente después vuelo a hacer una película. Haré teatro, cine y televisión. Comienzo el año bonito”, sentencia. Además… “El tiempo todo locura” se estrena el 5 de febrero del 2026 en el Teatro de Lucía (Miraflores), con un elenco que completan Lía Camilo y Luciana Giraldo. Las entradas están a la venta en Joinnus. Source link

Mickey Rourke fue el villano de “Iron Man 2” y el centro de atención en la cinta de Darren Aronofsky, “The Wrestler”. Nunca fue un galán clásico del cine o el actor dócil con el que los productores disminuían tensiones, pero tuvo muchas oportunidades para rehacer su carrera entre Hollywood y los ring de boxeo, deporte que practica desde niño. A sus 71 años, el peso de la edad se siente a través de deudas con su arrendatario y el padecimiento de enfermedades que, según reportó en un inicio The Hollywood Reporter, lo llevaron a pedir donaciones por financiación de crowdfunding. Las controversias alrededor de Rourke se acumulan a través de los años: conductas ofensivas con sus colegas y arrebatos, como ocurrió en su salida abrupta del programa “Celebrity Big Brother”, la última vez que lo vimos en televisión. Después de eso, su situación financiera se volvió precaria. En diciembre de 2025, recibió una notificación de desalojo por una deuda de alquiler de 59.100 dólares en su casa de Los Ángeles, lo que motivó que una conocida suya iniciara una campaña en GoFundMe para evitar que se quede sin vivienda. No obstante, a pesar de sus problemas financieros, Rourke se ha distanciado de esta campaña. “Ha surgido algo que me frustra mucho, me confunde y no entiendo. Alguien creó una especie de fundación o fondo para donarme dinero, como a una organización benéfica. Y ese no soy yo, ¿ok? Si necesitara dinero, no pediría ninguna maldita caridad. Prefiero meterme una pistola en el c*** y apretar el gatillo. Así que quienquiera que haya hecho esto… no sé por qué lo hizo. No lo entiendo”, dijo el actor en su cuenta Instagram y animó a los donantes a solicitar su dinero de vuelta. Como reporta el diario The Guardian, inició la campaña Liya-Joelle Jones, asistenta de la mánager de Rourke, Kimberly Hines. En un inicio se reportó que el petitorio tenía la aprobación del artista. Mickey Rourke interpreta al boxeador Randy «The Ram» Robinson en «The Wrestler». (Foto: Difusión) Los primeros años de Mickey Rourke Nacido como Philip Andre Rourke Jr. en Nueva York, empezó en el boxeo cuando la violencia de su padre lo empujó a canalizar lo negativo en el deporte, según declaró en una conversación con la autora Ingrid E. Newkirk. Nace en Hollywood después. Fue, más bien, una irrupción. Tras abandonar el boxeo amateur por recomendación médica, se formó como actor y empezó con personajes vulnerables, eróticos o al borde del colapso en películas como “Body Heat” (1981), “Diner” (1982) y “Rumble Fish”, esta última dirigida por Francis Ford Coppola. El público lo tenía como la figura del antihéroe urbano, pero siempre con ese toque de fragilidad. Pero el papel de corredor dominante de Wall Street, en “9½ Weeks” (1986), movió su carrera y lo posicionó por su química con Kim Basinger. Entonces, su reputación como símbolo sexual se fue alimentando. Todo iba bien en su carrera como actor, con las siguientes películas de “Angel Heart” y “Barfly” en 1987, las que también anticiparon una deriva autodestructiva fuera de la ficción. LEE MÁS: Brigitte Bardot (1934-2025): la actriz que ejerció su libertad Familia y polémicas El impulso no se sostuvo. Sus matrimonios, primero con la actriz Debra Feuer y con la modelo y actriz Carré Otis, estuvieron rodeados de controversias. La segunda llegó a acusar al actor de violencia doméstica, consecuencia del arresto de Rourke, y también una orden de alejamiento. Aunque algunos cargos fueron retirados, la relación se convirtió en un símbolo de la etapa más oscura de quien, alguna vez, fue admirado por su trabajo en el cine. Mickey Rourke en la conferencia de prensa del 15.º Festival de Cine de Sarajevo en 2009. El actor llegó para presentar la película «The Wrestler». (Foto: AFP PHOTO/ELVIS BARUKCIC) Mickey Rourke interpretó a Ivan Vanko en «Whiplash» en «Iron Man 2». (Foto: Disney) Conflictos en los rodajes, consumo de alcohol y drogas, y un temperamento explosivo empezaron a cerrarle puertas en Hollywood. A comienzos de los noventa, desencantado con la industria, Rourke abandonó proyectos y regresó al boxeo profesional, decisión que le dejó lesiones severas y un rostro transformado por cirugías reconstructivas. Después, vinieron las producciones de bajo presupuesto y estrenos que no pasaban por salas de cine. “Lo perdí todo. Mi casa, mi esposa, mi credibilidad, mi carrera”, dijo el actor a Los Angeles Times en 2008. “Tenía toda esa ira de la infancia, que en realidad era vergüenza, no ira, y la usaba como escudo y machismo para encubrir mis heridas. Desafortunadamente, mi forma de actuar asustó mucho a la gente, aunque en realidad era solo yo quien tenía miedo. Pero era como una persona que sufrió un cortocircuito y no sabía cómo recomponerme”. El gran retorno de Mickey Rourke llegó en 2005 con “Sin City”, donde trabajó directamente con Benicio del Toro, Bruce Willis y Jessica Alba. Redoble de tambores: pero fue de “The Wrestler” (2008), de Darren Aronofsky, donde interpretó a un boxeador decadente, que lo llevó al reconocimiento internacional. El papel le valió un Globo de Oro, un BAFTA y una nominación al Oscar. Ese renacer lo llevó a franquicias como “Iron Man 2” (2010), donde encarnó al villano Whiplash, y “Los Indestructibles” (2010), con el elenco de veteranos Sylvester Stallone y Terry Crews. Más adelante, el propio actor ha hablado de pensamientos suicidas y de haber tocado fondo cuando su carrera y su vida personal colapsaron. En artículos de medios internacionales publicados entre 2009 y 2012, Rourke admitió que su comportamiento lo volvió ingobernable para directores y productores, pero eso venía incluso desde décadas atrás. “Trabajar con Mickey es una pesadilla. Es muy peligroso en el set, porque nunca se sabe qué va a hacer”, dijo Alan Parker sobre su trabajo con el actor en 1987. Pero también explicó cómo la terapia psicológica, su fe católica y el cuidado de sus perros se convirtieron en anclas para no autodestruirse. Fiel a su política de seguimiento, Daily Mail publicó una fotografía

No sabe si volverá al humor, ni si ese adiós será definitivo o apenas una pausa larga, de esas que solo el destino —o Dios, como dice él— termina de escribir. Lo único que Carlos Álvarez tiene claro es que el 10 de enero baja del escenario con el mismo vértigo con el que, hace 42 años, se subió por primera vez sin planearlo. Esta vez no hay libreto ni remate final: hay país. “No sé qué me depara el destino o Dios, pero creo que el fin supremo es el Perú”, señala. El humorista que durante décadas desnudó a los políticos con la risa ahora camina hacia ellos sin máscara. Se despide de su carrera artística para iniciar otra más áspera, ingrata y peligrosa: la política. Ya no como observador mordaz, sino como candidato presidencial por País para Todos. LEE MÁS: Carlos Álvarez, esto es en serio. Crónica de Fernando Vivas sobre la precandidatura del comediante Lo entrevisté cuando aún era precandidato. Hoy, el tono ha cambiado. No la convicción, pero sí el peso. —¿Qué te hizo sentir que este era el momento para postular y no otro? “Siempre he hecho política con mi trabajo, con el humor político, y como ciudadano. Lo único que no había hecho era política partidaria”, responde. “La política es un camino tortuoso, un Gólgota. Es sucia. Lamentablemente se ha convertido en un lodazal donde se pierden los buenos deseos y las mejores intenciones de muchísima gente valiosa que decide no entrar porque lo que prima es la guerra sucia, el golpe bajo, las bajezas, las campañas de letrina. Todo eso desplaza a las propuestas, a los argumentos, a las buenas intenciones de quienes, con un buen equipo, podrían hacer grandes cosas”, asiente. Después de 42 años de trayectoria artística, Carlos Álvarez da un paso al costado para iniciar una feroz contienda electoral como candidato presidencial. (Foto: Joel Alonzo) / JOEL ALONZO A los 61 años, Álvarez no se presenta como un político tradicional. Insiste en definirse antes como ciudadano y artista. “El tiempo destruye el cuerpo, pero construye el alma”, reflexiona. Sabe que la contienda es desigual, que enfrente hay mafias, corrupción enquistada, golpes bajos. Pero también sabe —o quiere creer— que hay una mayoría silenciosa esperando algo distinto. “No me voy a disfrazar de político”, advierte. “Soy humorista. Así me gané la vida durante 42 años, de manera honesta, sin robarle un centavo a nadie”. Lo que más le preocupa no es perder una elección, sino decepcionar a la gente. LEE MÁS: JB y Carlos Álvarez: ¿Qué los llevó a separarse y qué los motiva ahora a volver a hacer reír juntos? Durante años imitó a presidentes, ministros, dictadores y caudillos. Ahora será él quien camine “del otro lado del espejo”. Se ríe de sí mismo. “Narizón, cejón, chato, De repente ahora me imitan a mí, y no hay problema: no hay que ser picón, menos en política”, enfatiza. Pero el humor, esta vez, queda en segundo plano. “Esto no es un sketch”, aclara. “Es el compromiso más serio de mi vida”. Cuando habla de lo que quiere para el Perú, no enumera consignas grandilocuentes. Empieza por lo elemental: no robar, rodearse de gente limpia, leal, capaz. “Si no amas a tu país, ¿para qué te metes en política?”, pregunta, casi como un reproche colectivo. Y recuerda a Aristóteles: la política como búsqueda del bien común, ese bien que —dice— ha sido secuestrado por décadas. Álvarez sabe que muchos no le perdonan ser artista. Que hay quienes reducen su candidatura a una excentricidad. Él devuelve la pregunta: “¿qué han hecho, entonces, los políticos con títulos y pergaminos? Están presos, investigados, perseguidos por la justicia. Es un pésimo mensaje para los jóvenes”. Su autoridad, insiste, no viene de una universidad, sino de haber recorrido como artista mercados, cárceles, hospitales y pueblos olvidados. “No voy a gobernar desde un escritorio, sino desde la realidad. No entiendo por qué se discrimina a un artista, por qué no podría conducir un país con un buen equipo. No tengo experiencia en gestión de gobierno, pero tampoco soy responsable del desastre que ha dejado la clase política durante décadas. La política debería ser ejemplo de honestidad y trabajo, pero está llena de corrupción. Eso tiene que cambiar en el Perú”. Mirada crítica Consultado por el momento político actual y la gestión del presidente Jerí, Álvarez reconoce el impacto del discurso, pero advierte que los eslóganes no bastan cuando la violencia y la corrupción siguen marcando la vida cotidiana del país. Para él, el verdadero termómetro no es la narrativa, sino los resultados. “Me parece bien el eslogan de El Perú a toda máquina, pero ojalá sea un Perú a toda máquina contra la corrupción y la delincuencia, peruana y extranjera; un Perú a toda máquina donde los niños no tengan anemia, donde haya escuelas decentes, hospitales abastecidos y donde se pacifique el país. Que no se quede a media máquina. La delincuencia sigue como un cáncer, haciendo metástasis, y un presidente no puede decir que no va a perder, pero tampoco va a ganar. Yo voy con todo: aquí se trata de la vida de los peruanos”. Risa en pausa El costo personal de dejar el humorismo tras más de cuatro décadas de trayectoria es alto. Álvarez, lo reconoce sin dramatismo. “Amo mi carrera, amo ser artista. Trabajamos con el alma”. Por eso su despedida del 10 de enero se llama “Un comercial y regreso”. Una frase heredada de Augusto Ferrando, su padre artístico. Una frase que también es una duda. Ferrando no regresó. Álvarez no lo sabe. “Despedirme de mi carrera artística para entrar en la arena política —que es un camino sucio y enlodado— no es fácil. Hacer a un lado mi carrera es penoso, pero el objetivo final es hermoso para mi país. Tengo sentimientos encontrados: no sé si esta despedida será momentánea o definitiva. Pero no lo llamo sacrificio; lo llamo deber”, enfatiza. Es un deber incómodo, sucio, lleno de ataques que —advierte—

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Becky G cierra un año clave en su carrera con el lanzamiento oficial de “Hablamos Mañana”, un tema largamente esperado por sus seguidores y estrenado bajo los sellos Kemosabe Records, Sony Music Latin y RCA Records. La canción funciona como un gesto de agradecimiento a sus fans y como el broche final de una etapa marcada por crecimiento artístico y personal. El tema fue presentado por primera vez durante la era Esquemas y posteriormente interpretado en vivo durante su gira, lo que generó una fuerte expectativa en redes sociales. Durante años, los seguidores de la artista pidieron su lanzamiento a través de comentarios y mensajes directos, convirtiéndolo en uno de los temas más solicitados de su repertorio. LEE: Una historia de superación: quiénes son los padres de Becky G “Hablamos Mañana” destaca por su tono alegre y desenfadado, y aborda la tensión entre postergar una conversación importante y priorizar el momento presente. La canción apuesta por una narrativa íntima y ligera, que conecta con la sensibilidad característica de Becky G en esta etapa de su carrera. Becky G anunció el estreno de su nuevo tema “Hablamos mañana”. (Foto: Instagram) El sencillo cuenta con producción de Di Genius y fue compuesto por SpreadLof, Nate Campany y Elena Rose, colaboradores reconocidos dentro de la música latina. Musicalmente, el tema refuerza el sello pop latino de la cantante y abre la puerta a una nueva fase creativa. El videoclip acompaña el espíritu de cierre y agradecimiento del lanzamiento. Construido a partir de imágenes reales detrás de cámaras, el video muestra momentos personales, logros profesionales y recuerdos captados a lo largo del año, ofreciendo una mirada cercana al día a día de la artista y su vínculo con los fans. MÁS INFORMACIÓN: ¿Se reconciliaron? El romántico momento que compartieron Becky G y Sebastián Lletget El estreno del tema llega poco después de la presentación de su documental REBBECA, que debutó en Los Ángeles y tuvo funciones especiales en cines. Con este proyecto audiovisual, Becky G volvió a explorar sus orígenes, su identidad y los desafíos que marcaron su camino en la industria musical. El 2025 ha sido un año determinante para Becky G. Fue incluida en la lista TIME100 Next, participó por segunda vez en el desfile de Willy Chavarria en la Semana de la Moda de París, ofreció una destacada presentación en los American Music Awards junto a Manuel Turizo y asistió a eventos de alto perfil como el Festival de Cine de Tribeca y Vogue World, consolidando su presencia en la música, el cine y la moda. Source link

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La actriz Brigitte Bardot, fallecida este domingo a los 91 años, tuvo una corta pero intensa carrera en el cine que la convirtió en figura ‘paradójica’ de la cultura francesa, al mismo tiempo símbolo de la emancipación sexual femenina y mujer objeto. Admirada por intelectuales como Marguerite Duras, Simone de Beauvoir, Jean-Luc Godard y François Truffaut por su autenticidad y su desafío al patriarcado a través de la libertad sexual, ‘BB’ protagonizó cerca de medio centenar de filmes. Estos son los seis que la propia Bardot escogió. LEE: Brigitte Bardot sale del hospital tras “cirugía leve” y se recupera en casa ‘Et Dieu… créa la femme’ (1956) Traducida en español como ‘Y Dios… creó a la mujer’, se trata de un drama romántico francés dirigido por Roger Vadim, con quien la propia Bardot estuvo casada. En el filme, encarna a Juliette Hardy, una huérfana de 18 años de arrolladora sensualidad que vive con unos tutores y que se convierte en objeto de deseo en Saint-Tropez (localidad litoral del sur de Francia). La actriz francesa Brigitte Bardot protagonizó el drama romántico «Y Dios… creó a la mujer». (Foto: Captura de video) La película, que también la protagonizan Jean-Louis Trintignant y Christian Marquand, quedó para la historia del cine por su baile en medio de un bar. Al son de un mambo, Bardot escandalizó a parte de la sociedad francesa de la época por sus movimientos pélvicos y giros sensuales. La escena elevó a la actriz de melena rubia a sex-symbol internacional. ‘En cas de malheur’ (1958) Titulada en español como ‘En caso de desgracia’ o ‘El amor es mi oficio’ y dirigida por Claude Autant-Lara, la película opone al entonces cinquentón Jean Gabin, que encarna un serio abogado, a la exuberante veinteañera Bardot, una joven delincuente sin recursos que busca un letrado prestigioso para sacarla de un lío judicial. El personaje que representa Gabin termina rendido a la belleza de Yvette, la joven que encarna Bardot, y acepta representarla legalmente, a pesar de las terribles consecuencias que ello conlleva. El filme cuenta con otra escena que cimenta la imagen de icono sexual de ‘BB’. En ella, la actriz insinúa, enseñando las piernas, cómo compensará a Gabin si este acepta el caso. La actriz dio vida a la joven Yvette en la película «En caso de desgracia». (Foto: Captura de video) MÁS INFORMACIÓN: Brigitte Bardot estuvo hospitalizada por “una grave enfermedad” ‘La Vérité’ (1960) ‘La Verdad’, como se tradujo en español, fue dirigida por Henri-Georges Clouzot -reputado especialista en intrigas psicológicas- y está considerada la obra en la que Bardot alcanza su cumbre interpretativa en la piel de Dominique Marceau. Juzgada por el asesinato de su examante (papel desempeñado por Sami Frey), la joven se encuentra en el centro dramático de los duelos dialécticos entre los abogados de la acusación y la defensa para dirimir si el personaje de Bardot actuó por pasión, venganza, desesperación o si fue un accidente. El filme es una crítica mordaz a la hipocresía y la doble moral de la sociedad francesa de la época. Durante su rodaje, Bardot y Frey iniciaron un tumultuoso romance. En «La verdad», Bardot alcanza su cumbre interpretativa en la piel de Dominique Marceau. (Foto: Captura de video) ‘Le mépris’ (1963) Obra de culto de la ‘Nouvelle Vague’ traducida en español como ‘El Desprecio’, Bardot se pone a las órdenes del cineasta Jean-Luc Godard para representar, mediante el personaje de Camille Javal, la desintegración de un matrimonio fruto de la falta de comunicación con su pareja (el actor Michel Piccoli). La película, una crítica también a la mercantilización del cine, incluye una memorable escena donde Bardot, desnuda en la cama, le pregunta a Piccoli qué partes de su cuerpo le atraen más. En ‘El Desprecio’, Bardot se pone a las órdenes del cineasta Jean-Luc Godard para representar al personaje de Camille Javal. (Foto: Captura de video) CONOCE MÁS: La doble B ‘Viva Maria’ (1965) Bajo la dirección de Louis Malle, otro referente de la ‘Nouvelle Vague’, y con guion coescrito por Jean-Claude Carrière (habitual colaborador de Luis Buñuel), ‘¡Viva María!’ une a Bardot con Jeanne Moreau, otra musa del cine francés de los años 60. Ambientada a inicios del siglo XX durante una revolución en América Latina (la imaginaria República de San Miguel), las dos carismáticas mujeres rompen clichés y terminan liderando el movimiento de lucha por la libertad. ‘¡Viva María!’ une a Bardot con Jeanne Moreau, otra musa del cine francés de los años 60. (Foto: IMBd) ‘L’ours et la poupée’ (1970) Traducido en España como ‘El oso y la muñeca’, el filme de Michel Deville fue uno de los últimos en el que Bardot trabajó, antes de retirarse en 1973. Considerada una comedia ligera, la película se trata de una ‘La Bella y la Bestia’ ‘sui géneris’. Bardot, una ‘muñeca’ parisina elegante, divorciada y sofisticada y rodeada de pretendientes, se obsesiona por Jean-Pierre Cassel, el hosco ‘oso’ violoncelista que ignora los encantos de ‘BB’. ‘El oso y la muñeca’, el filme de Michel Deville fue uno de los últimos en el que Bardot trabajó, antes de retirarse en 1973. (Foto: IMBd) Con información de EFE Source link

En las artes visuales, este año estuvo caracterizado por centenarios y celebradas retrospectivas. En el primer caso, se recordaron cien años del nacimiento de Fernando de Szyszlo (1925-2017) con exposiciones que no significaron grandes miradas sobre su trayectoria (una deuda pendiente), sino más bien focos de atención en determinados aspectos, como la exposición Szyszlo. 100 años desarrollada en el Museo de Arte Contemporáneo que reunió diez piezas de la colección del museo y buscó destacar el vínculo entre el artista y la institución; o la muestra bibliográfica en el Centro Cultural Garcilaso que exhibió documentos, fotografías, cartas, libros, videos y objetos, con los se trató de abarcar las múltiples dimensiones del personaje. MIRA: El manuscrito de una amistad Los otros centenarios que pasaron prácticamente desapercibidos fueron los de David Herskovitz (1925-2020) y Jorge Piqueras (1925-2020). En ambos casos han quedado pendientes exposiciones bien desarrolladas que permitan revisar y debatir la obra de estos grandes maestros de nuestra escena artística. Retrospectivas Una de las primeras retrospectivas del año fue “La piel de mi reino”, de Claudia Coca, realizada entre febrero y mayo, en la galería Germán Krüger Espantoso, del ICPNA, donde se reunieron desde sus primeros autorretratos hasta sus diversas intervenciones en el espacio público. En la misma sala se desarrolló, entre mayo y julio, la esperada exposición “Pinturas: dos décadas de color y memoria”, que reunió el trabajo pictórico de Enrique Polanco desarrollado entre 2004 y 2024. Se presentaron cerca de sesenta pinturas y una decena de serigrafías que nos permitieron ver en conjunto la obra de un artista que retrata una ciudad como Lima en todo su trágico esplendor. Enrique Polanco reunió en la sala del Icpna los veinte últimos años de producción pctórica. (Foto: César Campos/ GEC) / Cesar Campos Este mismo espacio fue el escenario, entre agosto y octubre, de “Miguel Aguirre: volumen I”. Exposición antológica, que posibilitó revisar el trabajo de uno de los artistas e investigadores más destacados del medio local, cuya obra —pinturas, instalaciones— explora en la representación y los significados de las imágenes en relación con la memoria familiar, la política, la historia y el arte mismo. En esta misma línea antológica, se presentó desde noviembre, en la galería miraflorina del ICPNA, la exposición “Los alambristas. Gilda Mantilla & Raimond Chaves” que sintetizó 24 años de diálogo creativo entre ambos artistas. Y en el Museo del Grabado del ICPNA destacó la exposición “Álex Ángeles: Conexiones internas” (1984-2005), desarrollada entre setiembre y diciembre, que permitió ver la producción de una figura clave para el desarrollo del arte gráfico peruano. El kené y otros sueños Uno de los acontecimientos del año sucedió entre marzo y agosto en el Museo de Arte de Lima, con la presentación de “Sara Flores. Non Nete. Un sueño para una nación indígena”. La exposición reivindicó a una de las pioneras del arte del kené, esos patrones geométricos surgidos del conocimiento y la cosmovisión del universo shipibo-konibo. Las creaciones de Flores no solo han llamado la atención de curadores y coleccionistas, sino también de marcas internacionales de la moda y el diseño y de museos como el MET y el Guggenheim de Nueva York. Su nombre cobró mayor relevancia cuando fue elegida para representar a nuestro país en el Pabellón Peruano de la próxima Bienal de Venecia que se inaugurará en mayo de 2026. En el MALI, «Sara Flores. Non Nete» fue una reivindicación de una pionera del arte del kené. Nos representará en la Bienal de Venecia en 2026. Otro artista indígena contemporáneo que destacó en el circuito internacional fue Rember Yahuarcani, con exitosas participaciones en renombradas ferias como la londinense Frieze, Tokio Gendai y Art Basel Miami, además de su muestra individual en la Josh Lilley Gallery de Londres, con importantes adquisiciones de sus obras. En el arte vinculado con la Amazonía también sobresalió Roberto Huarcaya, quien fue finalista del prestigioso premio Prix Pictet 2025 y recreó, entre octubre y diciembre, en la Galería Juan Pardo Heeren, del ICPNA, su instalación Huellas cósmicas, presentada en la Bienal de Venecia 2024. En Galería del Paseo, entre junio y julio, Nereida Apaza exhibió sus creaciones recientes bajo el título de “Luna nueva” y en el Centro Cultural Garcilaso, en setiembre y noviembre, el artista Brus Rubio presentó “Hijo del clan Siuekuduma, pinturas que recrean las mitologías de las naciones bora y murui”. También fue auspiciosa la inauguración, en octubre, de “Río Corrientes”, en Barranco, un nuevo taller galería dedicado al arte amazónico contemporáneo. Paisaje, fotografía y grandes proyectos Uno de los proyectos consolidados este año fue la publicación de “La mirada persistente”, un libro editado por Marisa Mujica que recupera la historia de la fotografía peruana desde el siglo XIX hasta la actualidad, y que dio origen a la didáctica muestra colectiva Retóricas del paisaje, en el Centro Cultural de la Universidad de Lima. Esta exposición formó parte del Festival MAC Foto, donde sobresalió también la antológica de Javier Silva “La luna del cóndor. Retrospectiva 1974-2024″, presentada en el MAC de Barranco, entre agosto y octubre. Otro interesante proyecto de largo aliento fue “Cartografías XXY”, una exposición colectiva de artistas y curadores chilenos y peruanos, realizada en Casa Fugaz-Monumental Callao, entre junio y agosto, la cual reflexionó sobre los significados sociales y políticos de la migración, el mestizaje, la memoria y las formas colaborativas en el arte, a través de pinturas, serigrafías, tejidos, videoarte e instalación. Sobre final de año, se materializó en el MALI y el MAC la imperdible exposición “El pensamiento es un jardín híbrido. Archivo Mariotti-Luy” (1964-2024), donde se exhiben centenares de objetos, documentos y obras que evidencian buena parte de la historia del arte vanguardista peruano y europeo. La diversidad de las individualidades y colectivas En un cruce entre arquitectura y pintura, este año también destacó la individual “Desde la vereda”, de Piero Quijano, desarrollada entre setiembre y noviembre en el Centro Cultural Garcilaso. La exposición reproduce algunos de los edificios más emblemáticos del movimiento moderno limeño (1940-1960). En este espacio, el artista Gonzalo García Callegari