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Hubo un momento, no hace mucho, en el que el bailarín peruano Patricio Quiñones creyó que su historia con el baile estaba llegando al final. Pensó que el tiempo —implacable— ya le estaba marcando la salida. Pensó en retirarse. En parar y buscar otra vida. Pero la música, esa que nunca lo soltó, volvió a llamarlo. Este 2025 lo encontró en la otra orilla: aviones en lugar de despedidas, giras en lugar de silencios. Dos de ellas junto a Daddy Yankee y Manuel Turizo, confirmando que el baile no se mide por la edad, sino por la persistencia y el talento. A los 27 años, cuando atravesaba una de las mejores etapas de su carrera en el Perú y estaba en el centro de la atención mediática tras su romance con Milett Figueroa, Patricio migró a Estados Unidos para buscar nuevas oportunidades y apostar por su camino como bailarín. LEE MÁS: Patricio Quiñones recibe elogios de sus fans tras llegar a Perú como parte del staff de Daddy Yankee “Yo quería bailar. En el Perú se puede vivir del baile, pero no siempre como bailarín; la industria no te sostiene tanto tiempo. La oportunidad llegó con los Juegos Panamericanos, cuando bailé en el show de Luis Fonsi. El coreógrafo me invitó luego a un show en Puerto Rico y fue ahí donde realmente se dio el salto: viajé a Estados Unidos por ese trabajo, ya con la idea clara de quedarme, porque llevaba tiempo yendo y viniendo, tomando clases y averiguando cómo poder ser legal allá”, cuenta Quiñones. En el país de Donald Trump, el camino estuvo lejos de ser sencillo para el artista peruano de 32 años. El reconocimiento que hoy alcanza llegó acompañado de lesiones, pausas forzadas, inestabilidad económica y momentos límites, especialmente durante la pandemia. “Creo mucho en la fe. Estuve a punto de decir ‘me regreso’, y justo apareció una oportunidad, y la tomé. Me pasó estar meses lesionado sin poder moverme, perdí mucho trabajo, tuve una operación y estuve un mes en cama, todo en el mismo año. En Miami no puedes parar: alquiler, seguro, carro… si no trabajas, se te va todo. En la pandemia lloraba con mi mamá por teléfono y ella me decía ‘ven, acá te apoyamos’, pero yo le decía ‘no me voy a regresar, mi sueño está acá’”, recuerda. El otro escenario Girar con grandes figuras de la música internacional no es sinónimo de comodidad ni de glamour. Ser bailarín en ese circuito — cuenta Patricio —, implica resistencia física y disciplina mental. “Las giras son maratones: noches que terminan pasada la medianoche, desmontajes interminables, viajes de ocho horas para volver a subir al escenario el mismo día. No se duerme bien, no comes bien, te lesionas, pero igual tienes que trabajar”, resume. LEE MÁS: Patricio Quiñones fue bailarín de Paulina Rubio durante su presentación en Premios Lo Nuestro La recompensa llega cuando se encienden las luces. “Puedes estar cansado o sin ganas, pero cuando empieza el show se va todo”, asegura. La adrenalina borra el agotamiento y convierte el cansancio en impulso. Esa energía, advierte, también puede desorientar: “Es muy adictiva. Por eso hay que tener una cabeza fuerte, saber que hay un personaje en el escenario y otro afuera. Si no, te puedes volver loco”. A ese desgaste se suman los prejuicios. Patricio tuvo que romper estigmas que todavía persiguen a los bailarines: la idea de que no es una carrera “seria”, que no da para vivir o que la orientación sexual define el oficio. “Como si ser bailarín fuera sinónimo de ser homosexual. Yo no lo soy, pero conozco muchos que sí, y además de la presión social, tienen que enfrentarse a gente que les dice que eso está mal”, señala. Y, aun así, hay momentos que justifican todo, como el que vivió en el 2022, en Lima, la noche en que Daddy Yankee se presentó en Perú y formó parte del staff de bailarines. “Fue la experiencia más grande de mi vida, tanto en lo profesional como en lo emocional. Cuando, por indicación de Daddy Yankee, saqué la bandera peruana en pleno concierto, el estadio quedó en silencio y luego empezaron a corear mi nombre. Mis padres estaban ahí, mirándome con orgullo. De niño soñaba con ser futbolista, con meter el gol de la victoria; ese día sentí algo muy parecido”, reconoce. Capítulo cerrado El romance con Milett Figueroa forma parte de su historia, pero no de sus cuentas pendientes. Patricio lo recuerda como una etapa de aprendizaje, sin rencor ni nostalgia. “Fue hace siete años y, de alguna manera, me preparó para todo lo que vino después. Estar al lado de una figura tan conocida me dio exposición. Fue una relación de jóvenes, de la que aprendí mucho y que no recuerdo con ningún rencor. Sé que para algunos seguiré siendo ‘el que estuvo con ella’, pero no me molesta, porque también sé que otros ya me reconocen por mi trabajo”, advierte. Hoy está solo. Hace pocos meses terminó una relación porque las agendas y los ritmos no coincidían. Y, sin embargo, no se siente en pausa. “Tengo ganas de ser una estrella”, dice sin rodeos. “Quiero brillar y ser reconocido por lo que hago arriba del escenario”, remarca. Source link

Es un lugar común empezar a hablar de un libro por su título. Pero esta vez, para entrevistar a uno de nuestros más agudos críticos sobre “De memorias y derivas: Sobre el cine peruano de ayer y de hoy”, el tópico se justifica. Porque hablamos de historiar los momentos estelares de nuestro cine y su posterior deriva, ese viaje azaroso que a menudo nos lleva a costas inciertas. En su más reciente volumen, Ricardo Bedoya nos recuerda que el pasado del cine peruano no empezó en los años de Velasco y la ley 19327, ni mucho menos, con “¡Asu mare!”, como creen muchos ‘influencers’. Nos habla de fracasos, pero también de renacimientos. Una tenaz intermitencia. MIRA: El manuscrito de una amistad En su historia el cine registra, advierte Bedoya, tres muertes claras. Una en el año 30, otra a fines de los cuarentas, y la última, en la Navidad de 1992. A saber: cuando el sistema propagandístico del presidente Leguía se vino abajo por el golpe de Estado y la crisis de 1929; con el estallido de la Segunda Guerra Mundia y la consiguiente escasez de película virgen que dio el golpe final a la frágil productora Amauta Films; y la reforma liberal del ministro fujimorista Carlos Boloña, que terminó con un régimen legal de veinte años que permitió la realización de más de sesenta largometrajes y 1.200 cortos. Una ley proteccionista, que suponía la exhibición obligatoria, y que resultaba incompatible con cualquier proyecto de libre mercado. “Fue terrible. El cineasta Nelson García calculó que fueron 300 las empresas cinematográficas locales cerradas en 1992. Todos los cortos desaparecieron de un día al otro. Ya ningún cine los pasaba. Dos años después, Fujimori da una ley, que purga cualquier posibilidad de subsidio. Promovió el cine no a través de subsidios ni exhibición obligatoria, sino a través de premios a la calidad. Ese es el concepto que rige hasta ahora”, señala el crítico. Portada del libro «De memorias y derivas: Sobre el cine peruano de ayer y de hoy». —Estas tres muertes generaron una distorsión en la memoria, una especie de “adanismo”, que hizo que desde los años 40, cualquier estreno se anunciara como “la primera película nacional”. ¿Por qué existe está idea de fundar el cine peruano con cada estreno? Porque nunca hubo la posibilidad de crear algo continuo. Todas esas intermitencias impiden la ligazón con el pasado y la memoria. Los cineastas de los años 70, con Federico García, Lombardi, Nora de Izcue, Tamayo, Huayhuaca o Chicho Durand por ejemplo, miraban hacia atrás y no encontraban nada. —No había una tradición previa, digamos… Ni siquiera había la posibilidad de saber qué cosa enganchaba con el público recordando éxitos previos. Las películas de Amauta Films no se podían ver, están perdidas para siempre. Nunca se construyó una filiación por culpa de esa negligencia oficial respecto no solo a lo audiovisual, sino a todo lo cultural. Así, todo lo que va apareciendo se presentan como lo primero, porque viene de etapas en que todo había desaparecido, nada se había conservado. Es por eso que muchas de las películas que en los años 70 y 80 tuvieron gran éxito popular, para los cineastas que empezaron en el 2000 no significan nada. O no las vieron o las vieron en copias infames. ¿Qué significa para un cineasta joven, o para un cineasta de regiones, una historia de películas peruanas que ni siquiera se estrenaban en sus ciudades porque no había cines? —¿Se puede entender la historia del cine peruano sin su contexto político? No se puede. Es un asunto complicado, porque si bien ha habido varias muertes, las resurrecciones siempre han estado ligadas a lo político. Uno no puede entender el cine de los años veinte sin la presencia de Leguía, quien lo construyó para su propia imagen. Y en 1940, cuando Amauta Films cierra, Prado da una norma que promueve los noticiarios nacionales, que se pueden ver en los archivos de la Biblioteca Nacional. El gobierno de Velasco buscó crear una industria basada en la sustitución de importaciones, algo absurdo si tienes en cuenta la pequeñez del mercado local. Y luego, el año 92, Fujimori da una ley que incumplió sistemáticamente. Luego aparece otra deriva, que no sé si generará una muerte, pero sin duda sí generará una transformación: el decreto de urgencia que dio el gobierno de Vizcarra y que este Congreso se bajó a la fuerza, transformándolo en otra cosa. —¿La deriva, que forma parte del hilo del relato histórico, también se ha convertido en metáfora en las historias que cuenta? Hablamos de deriva como relato histórico y como tendencia del cine internacional de autor. Pensemos en la deriva de los chicos de “Paraíso” de Héctor Gálvez, o del protagonista de “Días de Santiago”, de Josué Méndez o la deriva del muchacho de “Ciudad de M” de Felipe Degregori, o del soldado protagonista que corre al final de “La Boca del Lobo” de Lombardi. La deriva nos habla de la incertidumbre de los jóvenes, incluso de la sensación de que el mismo espectáculo del cine está en crisis, y que el cine que ellos hacen no podrá ser exhibido como antes. Por supuesto, está la deriva de no conseguir trabajo, de no conseguir casa, de no conseguir nada. Ricardo Bedoya repasa el pasado y presente del cine peruano. / LUIS CHOY —¿En tiempos en que la industria atraviesa una crisis general, cómo entra el cine peruano al segundo cuarto del siglo? Es bien complicado. Por un lado, hay un deseo de gente por dedicarse al cine. ¡Cada año se hacen centenares de cortos en el Perú! Pero el panorama es difícil. Las salas públicas están reservadas para Hollywood, que en determinadas épocas del año se abren a ciertas películas locales en determinadas salas y determinados horarios. Luego están los cines alternativos, que en el Perú son muy frágiles y que no garantizan ningún tipo de rentabilidad ni visibilidad. Por otro lado, la posibilidad de producir para las plataformas es cada

Desde siempre sintió curiosidad por la experimentación y por cosas que lo hicieran pensar. Hoy le interesa tanto la neurociencia como la música, la pintura y el arte, además del ajedrez. Mariano Sigman ha escrito un puñado de libros que buscan explicar nuestro tiempo, marcado por algoritmos, códigos y modelos de inteligencia artificial generativa, desde eso que él llama “el contorno de lo humano”. “Hay neurocientíficos que tienen un interés mucho más biológico en el cerebro, sus neuronas, su sinapsis, a mí me interesa más la emoción, entender la tristeza, la memoria, los recuerdos, la motivación, esa pulsión que nos hace hacer cada cosa”, dice, sentado en uno de los ambientes del hotel Westin, donde acaba de dar una charla sobre IA, en un evento organizado por Credicorp. MIRA: El manuscrito de una amistad – Resulta sugerente que un neurocientífico hable de inteligencia artificial, ¿cómo analiza este fenómeno que tiene fascinado al ser humano del siglo XXI? Hay fascinación, también hay miedo, hay todo lo que pasa cuando de repente llega algo nuevo sobre la mesa. Me cuentan que mi bisabuela ya era grande cuando vio al Apolo llegar a la Luna, entonces dijo: “Hasta acá llego, esto no puedo asimilarlo”, porque la volvía loca la idea de que una persona estuviera caminando en la Luna. De alguna manera con la inteligencia artificial pasa eso. Al principio es la sorpresa, la incredulidad, ¿cómo puede ser que una máquina tenga sentido el humor, que escriba más o menos bien, que haga música?, todo eso es sorprendente y frente a eso afloran todas las emociones humanas. Aparece el rechazo, el miedo genuino, pero también la adoración, un ejemplo de eso sería el típico artículo malísimo que dice: “La inteligencia artificial revela cuáles son las 10 mejores películas de la historia”, como si la IA fuera un dios que resuelve todo, cuando en realidad esa pregunta no tiene solución. No hay las 10 mejores películas de la historia. Hay las tuyas, las mías, las suyas, entonces la inteligencia artificial también ocupa ese lugar ilusorio que a veces buscamos de alguien que nos dé calma y certezas, entre tanta duda. – En “Artificial” pide entender el contorno humano, ¿qué significa esta idea? Eso tiene muchas acepciones. La primera es que las primeras personas que estudiaron la inteligencia artificial científicamente eran en su mayoría psicólogos o neurobiólogos que, justamente, para entender el pensamiento humano se preguntaban: “¿Es que acaso podemos emularlo?”. En su origen era una pregunta muy filosófica y poco práctica, pero cuando iban encontrando soluciones, se preguntaban: “¿Acaso puedo armar un programa que sea capaz de hacer eso?”… Ahora, por supuesto, han explotado tantas cosas prácticas que la inteligencia artificial no es un terreno de la ciencia ficción o de ciertos poetas del pensamiento, sino de ingenieros, de economistas, de gente del mundo corporativo, y aparece otra pregunta que es: ¿Cómo va a cambiar la IA nuestra propia inteligencia? ¿La va a atrofiar, la va a modificar? Ahí es cuando te das cuenta de que el pensamiento humano es mucho más volátil de lo que uno cree. (Foto: Eduardo Cavero/ GEC) / Eduardo Cavero Sibille – Entre esas adaptaciones que menciona, ¿cuánto está cambiando nuestra mente en más de una década de redes sociales? Cambia mucho y conviene recordar que no es la primera vez que pasa. Hace más de 2000 años, Sócrates se quejaba contra la escritura porque decía que era de perezosos que no podían recordar su propio pensamiento y tenían que ponerlo en un sustrato externo. Hoy eso pasa frecuentemente. Mucha gente dice: “es una película espectacular, pero no me acuerdo, la tengo que buscar”… Es decir, uno tiene un repertorio de ideas, pero las perdemos poco a poco cuando las depositamos en sitios. Originalmente era un papel escrito, luego fue Google y ahora uno no se acuerda nada. Y eso pasa, por ejemplo, con la capacidad de desplazarnos, una capacidad fundamental del ser humano y de todos los mamíferos y nos la hemos cargado. Piensa que antes los seres humanos cruzaban el Atlántico viendo las estrellas, triangulando con sextantes primitivísimos, y ahora no sabes ir de San Isidro al Rímac, que son los dos barrios que conozco en Lima, si no tienes un navegador. Hay estudios que muestran que la capacidad de sostener la atención está bajando peligrosísimamente y la atención es un recurso elemental del pensamiento humano porque es la capacidad de decidir a dónde quieres dirigir tu pensamiento. – Hoy nuestra capacidad de atención a las justas llega a 47 segundos… Es difícil saberlo, porque depende de cómo la mides, pero lo que es bastante claro es que disminuye y no por un pequeño margen. Hay estudios que muestran que también ya pasa eso con las inteligencias generativas. La gente que resuelve problemas utilizándolas pierde la facultad de resolver problemas por sí misma… El mundo del ajedrez es un lugar interesante para mirar. Hace mucho tiempo que las inteligencias artificiales juegan mejor que cualquier ajedrecista, pero eso no ha destruido el juego, al revés, lo ha mejorado. En el ajedrez hay una cosa como de amor por el pensamiento humano que no debemos perder. Algunos ajedrecistas juegan a un ritmo clásico y a lo mejor están 30 minutos pensando una jugada. ¿Hoy en qué otra parte conoces a una persona que se pasa 30 minutos tratando de encontrar una verdad sobre algo? La gente, en general, quiere resolver todo en 30 segundos… Para mí algo terrible en Perú es que tiene a uno de los ajedrecistas más legendarios de los últimos 50 años, se llama Julio Granda, y poquísimamente aquí gente lo conoce. Tienen a un héroe del pensamiento, a quien tendrían que reivindicar. – En ese sentido, cuánto puede ayudar también volver a la lectura. Lo que tiene la lectura es que requiere cierto esfuerzo y algo que hoy está muy en riesgo que es sostener ese esfuerzo durante un tiempo, lo que hablábamos del ajedrez. Es decir, la capacidad de persistir… Hay mucha gente

Durante años, Aldo Miyashiro y Jorge Carmona se repitieron la misma idea —“hay que volver a hacer ‘La gran sangre’”— como un mantra que siempre chocaba con agendas imposibles, proyectos cruzados y momentos que no terminaban de alinearse. Cuando por fin lograron coincidir, la pandemia volvió a postergarlo todo. Hasta que, casi sin buscarlo, uno de los personajes dio la señal. “Justo cuando empezamos a conversar otra vez sobre la posibilidad de volver, hice una publicidad y regresé a Tony Blades después de años. Y explotó en redes”, cuenta Miyashiro. La reacción del público fue inmediata y contundente. “Eso nos llevó a decidir hacerlo. ‘La gran sangre’ no se puede hacer si no está Jorge, si no estoy yo. La idea salió de los dos. Y había que sumar a Cachín, Pietro y Lucho. Y se dio”. El teaser fue escrito, producido y rodado en tiempo récord. “Fue ultra rápido”, recuerda Carmona. “Dos días después de escribir las escenas, las empezamos a producir, y rodamos prácticamente una semana después. En dos semanas hicimos todo. Se decidió y le dimos duro. Y fue loquísimo, era como si nunca hubiéramos dejado de grabar entre nosotros”. “Estábamos encapuchados para grabar la escena saliendo de la cárcel y veo a Cachín moviéndose sin parar”, recuerda Aldo. “Le digo: ‘¿qué te pasa?’ y me dice: ‘estoy muy emocionado, no puedo controlar la emoción’. Tuvimos que calmarnos para grabar. El humor, la camaradería, todo seguía ahí”. Detrás de cámaras del teaser de «La gran sangre». / Sebastian Rivera Han pasado casi veinte años desde que se estrenó la serie, pero el vínculo permanece. “Hemos hecho carreras distintas, a cada uno le ha ido bien, y ahora nos reencontramos siendo otros. Conservamos las mismas ganas y el mismo rollo, pero han pasado 20 años y cada uno ha vivido sus propios procesos. Volver a juntarnos en un proyecto que nos dio tanta felicidad fue brutal, y reencontrarnos con el cariño de la gente lo hizo todavía más especial”, reflexiona Miyashiro. Detrás de cámaras del teaser de «La gran sangre». / Sebastian Rivera Ese cariño no se evaporó con los años fuera de pantalla. Por el contrario, se volvió más fuerte y más nostálgico. La gente no solo los recordó, los extrañó. Y en ese vacío, “La gran sangre” fue creciendo como un recuerdo compartido que se transmitió de generación en generación. “Son antihéroes que puedes ver en la calle. Son del barrio, compran en el kiosco, en el mercado. Esa cercanía genera identificación. Son como tu alter ego, lo que tú también quisieras ser. Hay chibolos de 10 años que saben quiénes son Tony, Dragón y Mandril. Los padres les enseñan la serie y se genera una unión bien linda entre generaciones”, dice Carmona. Para Aldo, la clave está en que nunca fueron perfectos: “Son falibles. No son dechados de virtud. Tienen problemas y miedos”. La película, que retoma casi 20 años después la historia de Tony Blades, Mandril y El Dragón, se estrenará en el 2026 (Foto: Difusión) Más allá de la ficción Esa conexión con el público dejó momentos difíciles de borrar. Aldo recuerda una presentación en MegaPlaza, cuando anunciaban la segunda temporada. “A Jorge se le ocurrió que no fuéramos como Aldo, Pietro y Cachín, sino como Mandril, Tony Blades y Cobra. Yo no quería, pero me convencieron (ríe). Afuera, más de 15 mil personas nos esperaban con carteles. Parecíamos Servando y Florentino”, dice entre risas. Hubo también episodios insólitos relacionados a expresidentes peruanos que confirmaron hasta dónde había llegado el fenómeno. “Alejandro Toledo quería aparecer en la serie, saludándonos o de alguna otra forma. No aceptamos. Y en el gobierno de Alan García, nos invitaron formalmente a marchar en la Parada militar junto a las Fuerzas armadas. Pudo ser una foto histórica, pero también peligrosa. Preferimos decir que no porque ‘La gran sangre’ siempre fue independiente, justicieros del pueblo, no de un poder político”, asevera Aldo. La nueva película no esquiva el paso del tiempo: lo asume y lo convierte en una herramienta narrativa clave, permitiendo mostrar a los personajes en su versión más vulnerable, humana y real. “La gente nos dice que el Dragón ya no podrá levantar la pierna”, comenta el director. “Y claro, el tiempo pasa y estamos conscientes de ello. La historia se trata así, tal cual. No ocultamos nada. Somos más viejos, pero tenemos las mismas ganas, los mismos hue… e intenciones de solucionar las cosas que se solucionaban, pero adaptándolas a la realidad”. Después de la caída Esa realidad pesa sobre los personajes. Salen de prisión tras veinte años de condena injusta, cargando rabia y pérdidas. “Veinte años es toda una vida. Dejaron familia, amigos, no tienen nada. Y eso cambia la forma en la que resuelven los casos. El Dragón, que era sereno, probablemente ya no lo sea. Tony está amargado, molesto con la vida. Mandril dejó a un hijo afuera. Son otras emociones”, cuenta Miyashiro. Carmona lo resume como una búsqueda consciente: “Queremos personajes multidimensionales. Que cambien, que tengan otro propósito, otro móvil. Son seres humanos, como todos”. Vínculo intacto El pacto de sangre —ese símbolo que marcó a toda una generación— también vuelve resignificado. “Conmovió tanto que algunos chicos se hicieron cortes para decir que se habían hecho el pacto de sangre. Tuve que ir a varios colegios a decirles que no lo hagan. Pero más allá de eso, el pacto era unión, cercanía, respeto”, detalla Miyashiro. Este regreso al cine también dialoga con una historia pendiente. «La gran sangre» ya tuvo una primera película, estrenada el 2 de agosto del 2007, en pleno auge de la serie. Sin embargo, el resultado no fue el esperado. “Trece días después del estreno ocurrió el terremoto de Pisco”, recuerda el realizador. “La gente dejó de ir a lugares públicos por temor a las réplicas. Las salas de cine estaban vacías. El resultado no fue el que esperábamos”. Casi dos décadas después, esta nueva película aparece también como una revancha: una oportunidad de cerrar ese capítulo

Curioso viaje el de San Nicolás. Un santo que nace en Turquía, que originalmente se le rinde culto en Europa, y que termina siendo reinventado como ícono de las fiestas navideñas en la nevada ciudad de Nueva York. Para el escritor español Javier Peña, creador del podcast literario “Grandes Infelices”, más allá de su origen histórico, el bondadoso San Nicolás resulta un personaje tan literario como el avaro Ebenezer Scrooge, inventado por Charles Dickens en su “Un cuento de Navidad” (1843). MIRA: El manuscrito de una amistad Fue Washington Irving quien en 1809 escribió “La historia de Nueva York” (cuyo título completo es “Una historia de Nueva York desde el principio del mundo hasta el fin de la dinastía holandesa”), crónica exagerada que parodiaba el discurso académico, fusionaba leyendas con hechos históricos y celebraba con ironía el papel de las primeras autoridades holandesas en la que fuera la antigua Nueva Ámsterdam. Irving publicó el libro bajo el seudónimo de Diedrich Knickerbocker, un anciano y excéntrico historiador holandés que había desaparecido dejando el manuscrito en su hotel sin pagar la cuenta. Todo ello fue parte de una brillante campaña de márketing ideada por el mismo Irving, la cual tuvo tal repercusión que hoy a los neoyorquinos se les conoce como “knickerbockers” y, por lo mismo, a su equipo de baloncesto se le llama los New York Knicks. Washington Irving. (Foto: Wikimedia Commons) Al principio de la historia, Oloffe Van Kortlandt, un adinerado colono holandés, tiene un sueño en el que San Nicolás desciende de las copas de los árboles en una carreta voladora, enciende una pipa cuyo humo arremolinado toma la forma de una ciudad con torres y se frota el dedo junto a la nariz antes de ascender al cielo. El relato de Irving partía de la tradición holandesa de San Nicolás, donde cada 5 de diciembre los niños dejaban sus zapatos con la esperanza de que ‘Sinterklaas’ los juzgara con ternura y les dejara dulces en lugar de carbón. Al ser estadounidense, el escritor era mucho más cercano a la cultura popular de su país que al santo turco enterrado en Bari. Por ello, no lo retrató como el típico bienhechor que hoy conocemos; su figura se parece más bien a la que recoge Tim Burton en la adaptación de otra de sus historias, “La leyenda del jinete sin cabeza”: un personaje un tanto tétrico, a pesar del tono satírico. En el relato de Irving, el santo patrón holandés devino en Santa Claus. Más tarde, otros autores neoyorquinos como Clement Clarke Moore (con su poema “A Visit from St. Nicholas”) se basaron en el personaje de Irving para construir la imagen definitiva de Santa Claus, con su trineo tirado por renos, el traje rojo, la barba blanca y la nariz color cereza. Décadas más tarde llegarían Dickens y Hans Christian Andersen para terminar el paisaje navideño actual. Escritor español Javier Peña. (Foto: Hugo Pérez) / HUGO PEREZ “No creo que Washington Irving hubiera llegado a adivinar la influencia de su personaje”, advierte Javier Peña. “Lo cierto es que su San Nicolás tomó vida literaria, y luego el mercado empezó a sacarlo del libro hasta convertirlo en un ícono cultural independiente. Sucede lo mismo con Drácula o Frankenstein: la gente habla de Papá Noel sin haber leído sus libros de origen”, afirma. Al escritor español le resulta fascinante un dato poco conocido: Irving, Dickens y Andersen se conocían en persona. Algo difícil que suceda a mitad del siglo XIX, cuando no existían vuelos ‘low cost’. Bien leídas, las historias de estos tres autores tienen mucho de complementarias. ¿Cuánto influyó “Una historia de Nueva York” en “Un cuento de Navidad”, “La niña de los fósforos” o “El muñeco de nieve”? Es difícil precisarlo, pero como asegura el divulgador español, está claro que todos ellos tuvieron el propósito de reinventar la Navidad. Source link

Bad Bunny y J Balvin sorprendieron al público la noche del domingo 21 de diciembre al reconciliarse públicamente durante un concierto realizado en Ciudad de México. El reencuentro ocurrió en el Estadio GNP, donde el cantante puertorriqueño ofrecía uno de los últimos shows de su gira Debí tirar más fotos, cuando el artista colombiano apareció de manera inesperada sobre el escenario. LEE: “Avatar: Fuego y cenizas” debuta en los cines dominando la taquilla mundial La presencia de J Balvin provocó la ovación inmediata de más de 60 mil personas que asistieron al espectáculo. Vestido con una chaqueta con los colores de la bandera mexicana y la imagen de la Virgen de Guadalupe en la espalda, el colombiano tomó la palabra para dirigirse a Bad Bunny y al público. “Y ahora hermano, somos dos hombres que estamos dando la cara representando al latino a donde vayamos, y te deseo lo mejor, que Dios te bendiga”, expresó. Bad Bunny respondió agradeciendo el gesto y reafirmando el respeto entre ambos. “Sabes que el sentimiento es mutuo, que te respeto mucho, que te quiero mucho y que igual, si en algún momento falté en algo, yo ya me disculpé hace mucho tiempo”, señaló el intérprete de Mónaco y Tití me preguntó. Tras el intercambio de palabras, ambos artistas interpretaron en conjunto algunos de los temas más conocidos de su etapa de colaboración, entre ellos La canción, Qué pretendes, Si tu novio te deja sola e I Like It, esta última grabada junto a Cardi B. El momento fue uno de los más celebrados de la noche. Bad Bunny explicó que el reencuentro no fue improvisado y que ya existía una conversación previa entre ambos. “La gente no sabe, pero nosotros tuvimos una conversación hace varias semanas, pero estábamos esperando el momento perfecto para compartir tarima y qué bueno que fue aquí en México. ¡Colombia, México, Puerto Rico!”, comentó ante el público. Por su parte, J Balvin destacó el crecimiento artístico de su colega y el proceso personal que ambos atravesaron en los últimos años. “Siempre supimos que iba a ser una de las estrellas más grandes de la música. El pasado es pasado, hemos madurado, tanto tú como yo”, afirmó el cantante colombiano, de 40 años. Horas después del concierto, J Balvin utilizó su cuenta oficial de Instagram para compartir imágenes y videos del reencuentro, acompañados de un mensaje reflexivo. “Hermano. El tiempo acomoda lo que el ego desordena. Hoy no escribo desde el ruido, escribo desde la calma”, escribió. “Celebro que estemos bien, que la paz también se haga tendencia”, añadió. Este reencuentro marca la primera presentación conjunta de Bad Bunny y J Balvin desde su último concierto en el estadio Hiram Bithorn, en Puerto Rico, en 2021. Ambos artistas habían mantenido distancia tras el éxito del álbum Oasis (2019), que lideró por ocho semanas los rankings de Billboard en las categorías Top Latin Albums y Top Latin Rhythm Albums. MÁS: Nacimiento para imprimir en PDF: recorta y arma este diseño exclusivo de “El Dominical” Aunque nunca se confirmó un conflicto público, el distanciamiento estuvo relacionado con diferencias creativas y enfoques musicales distintos. Mientras Bad Bunny orientó su carrera hacia proyectos más personales y vinculados a Puerto Rico, J Balvin continuó desarrollando colaboraciones dentro del pop urbano internacional. La aparición conjunta en México reabre la expectativa sobre futuras presentaciones o colaboraciones entre ambos referentes del género urbano. SOBRE EL AUTOR La notas firmadas como “Redacción EC” son producidas por miembros de nuestra redacción bajo la supervisión del editor de la sección en las que son publicadas. Puede conocer a nuestro equipo editorial en https://elcomercio.pe/buenas-practicas/. Si usted tiene algún comentario sobre nuestro proceso editorial, escriba al correo indicado abajo Source link

El 13 de julio de 1926, una nota publicada en “El Comercio”, titulada lacónicamente: “Una película prohibida en Alemania”, da cuenta por primera vez del célebre filme soviético: “El censor federal ha prohibido en toda Alemania la representación de la película que reproduce la revolución a bordo del acorazado Knias Potemkin Tavriehevsky, de la flota del Mar Negro, la primera de una serie de películas rusas de propaganda”, informe el reporte publicado en portada. El enérgico decreto de las autoridades federales, después de haberse proyectado esta película por varios meses en Berlín, resultó de las demandas de los gobiernos de las regiones de Baviera, Wurtemberg, Thuringia y Hesse, cuyas autoridades consideraban insólito que un filme reprodujera la masacre de miles de personas bajo el fuego cosaco. “Aquello constituye un peligro para la seguridad pública” declaraban. MIRA: El manuscrito de una amistad Lo cierto es que sobre las escaleras de Odessa, en la actual Ucrania, nunca murió nadie. La verdadera represión se llevó a cabo de noche, durante varios días, en los suburbios de la ciudad, con un saldo de más de 2.000 víctimas. Pero en las escaleras no sonaron disparos cosacos, salvo en la imaginación del maestro del cine S. M. Eisenstein, que construiría en ella la secuencia más elogiada, imitada y admirada en la historia del cine. La acción se desarrolla a lo largo de esta escalinata monumental, de diseño italiano, como tantos otros monumentos del viejo tiempo de los zares, que remataba en la estatua de Richelieu, no el célebre cardenal francés, sino el primer gobernador de Odesa, emigrado francés al servicio de los emperadores rusos. Hace cien años, era el punto por donde la naciente Unión Soviética se asomaba al mar Negro. Sergei Mikhailovich Eisenstein, cineasta ruso, padre del montaje cinematográfico. / S. Ivanov-Alliluev Eisenstein y su equipo llegaron a la ciudad y se instalaron en el hotel de Londres, en cuyos salones se daba cita la pequeña burguesía de provincias a la tarde. Desde sus ventanas, veían las faenas de carga y descarga, el lento trajinar de los botes, la llegada de navíos de guerra y convoyes civiles. Y en el paseo marítimo, las prisas de empleados y burócratas, protagonistas de los cuentos de Chejov, muerto veinte años antes. Eisenstein, admirador de Joyce y estudioso de la lengua japonesa, venía a esta ciudad a filmar una reconstrucción de la Revolución del año 1905, que incluía entre sus diversos episodios unas cuantas líneas dedicadas al motín del Potemkin. Sin embargo, al descubrir el ambiente de la ciudad y su puerto, el cineasta decidió modificar su proyecto primitivo y convertir a sus habitantes en protagonistas de una historia partida en dos por una secuencia de masacre. Fue necesario inventar acorazados, recrear una flota completa sacada en realidad de los archivos fílmicos, mezclar la verdad con la ficción, el pueblo real con actores conocidos. Para su rodaje buscó a los supervivientes de la masacre y, gracias a una serie de experimentos técnicos (pantallas reflectantes, fotografía desenfocada y plataformas móviles entre otros), los resultados fueron realmente asombrosos. Cada fotograma es el resultado de un minucioso trabajo y transmite el deseo del director de causar un efecto revolucionario en el espectador. Cartel original de “El acorazado Potemkin», película silente que, basada en hechos reales acaecidos en 1905, narra cómo la tripulación del buque ruso se amotina frente al puerto de Odesa, marcando así el inicio del reguero revolucionario que sacudiría toda Rusia. / Buyenlarge A partir del riguroso guion escrito por la autora bolchevique Nina Agadzhánova, Eisenstein fue improvisando secuencias y reconstruyendo el hecho histórico al que luego añadiría detalles más allá de la realidad: la lona lanzada sobre los marineros rebeldes, el pelotón de ejecución, el coche de bebé que cae por la escalera famosa en medio de los disparos, escena que el director Brian de Palma replicará, con total admirador al director soviético, en “Los Intocables”, en la estación de tren de Chicago. Ante las monumentales escaleras de Odessa, Eisenstein comentaría que en su imaginación vio la huida atropellada de las víctimas y la caída de los cuerpos muertos. A Eisenstein no le bastaban las escenas estáticas y una selección de imágenes amables. Al innovador director soviético no le gustaba la cámara inmóvil de principios del siglo XX, entendía que era el movimiento de imágenes lo que transmitía la dinámica de la vida real. Así, “El acorazado Potemkin” cuenta con algunas de las secuencias más memorables de la historia del cine, como la de la escalera de Odesa, toda una clase magistral de montaje, que ocupa el penúltimo capítulo de la trama y que cuenta con 200 fotogramas, que la convirtieron en una poderosa metáfora del sufrimiento del pueblo. Su técnica y estilo, su modo de mostrar la realidad, alternando planos muy cortos con vistas casi generales han llenado y llenarán aún muchas páginas de los manuales de cine. Su forma de presentar personajes o acontecimientos, mostrándonos la parte o rostro más representativa de ellos, la utilización del montaje, según la moda, al uso o el interés por elevar a protagonista no al hombre como ser individual, sino a las masas en un arte a ellas dedicado, explican ese aire documental, auténtico del motín del acorazado Potemkin y, en especial, de su secuencia más importante. También explica su carrera triunfal por todo el mundo, a pesar de prohibiciones y censuras como la publicada en “El Comercio”, y el hecho de que desde cualquier prisma artístico o político se le reconociera como una obra, a la vez peligrosa y genial. Además… A saber El descarnado retrato que hizo Sergei Eisenstein de Iván el Terrible, mostrándolo como un tirano cruel y desquiciado, fue interpretado por las altas esferas del régimen soviético como una crítica a Stalin, lo que supuso la caída en desgracia del cineasta. Murió en 1948 a los 50 años, a causa de un infarto. Source link

Selton Mello tiene un buen recuerdo del Perú. Estuvo aquí hace 23 años para el Encuentro Latinoamericano de Cine, ahora conocido como el Festival de Lima. En ese entonces estuvo nominado a Mejor actor por “A la izquierda del padre” de Luiz Fernando Carvalho. El actor brasileño se llevó el premio de su categoría y lo recibió ante los aplausos de los presentes en el Teatro Municipal de Lima. “Sí, quiero volver [a Lima]”, contó el intérprete en entrevista con El Comercio, en español. Fue él mismo quien sacó a colación el premio. Ahora Mello, a quien el mundo conoció por la cinta “Aún estoy aquí”, ganadora del Óscar a Mejor película internacional, llega a pantallas de todo el mundo, sin excepción, por “Anaconda”, que marca el retorno de la franquicia protagonizada en su primera por Jennifer López con dirección del peruano Luis Llosa. Dirigida por Rom Gormican, la mente detrás de la aclamada “El peso del talento”, la nueva “Anaconda” sigue a Doug McCallister (Jack Black) y Ronald Griffen (Paul Rudd), amigos de infancia que en plena crisis de la mediana viajan al Amazonas para filmar un remake de bajo costo de su película favorita: “Anaconda”. Completan el elenco actores como Steve Zahn, Thandiwe Newton, Daniela Melchior y, por supuesto, Selton Mello, quien interpreta a un manipulador de serpientes, profesional que conoce todo lo que hay que saber de estos reptiles. “Fue una gran honor hacer ‘Anaconda’ y ese personaje es increíble. Santiago es un manipulador de serpientes, pero no vi ni una en el set, es totalmente CGI [generado por computadora], esa es una cosa loca”, dijo Mello. Al momento de esta entrevista el actor estuvo en Brasil, donde presentó la película en la “comic con” CCXP. “Es un tipo así, divertido, excéntrico y raro también. Y tiene a la serpiente como amiga, como hermana. Esa fue una cosa que Tom, el director, me pidió hacer así, de una manera seria, no hacer comedia”, dijo Mello. Se refiere a que su personaje se toma muy en serio su trabajo, y del contraste entre su conducta y la de los actores protagónicos surge el humor. Eventualmente el manipulador pasa por problemas, pues su serpiente muere en la filmación y el equipo de producción en pleno tiene que buscar una nueva en la selva. Allí es donde encuentran una anaconda gigante que los pondrá en peligro de muerte. A la izquierda, Selton Mello en Lima en el 2002, con el premio que recibió en el Encuentro Latinoamericano de Cine. A la derecha en diciembre del 2025, en el evento CCXP de Sao Paulo. / Archivo El Comercio/Sony Pictures -¿Cuál fue tu primera reacción al leer este guion? Mello: “Que estaba de viendo una cosa muy original, muy interesante, porque me encanta esta cosa de que es una película sobre alguien haciendo un película. Es una película dentro de la película”. Si bien se dio a conocer por “Aún estoy aquí”, ahora Mello estará por primera vez en su carrera en todas las salas de cine del mundo, como se esperaría de una película que aspira a ser un blockbuster. “Esta es una cosa totalmente nueva para mí. No tengo idea de qué es esto, es una cosa gigantesca”, dijo el actor, visiblemente emocionado. Él ha hecho su carrera principalmente en el mercado lusófono, de Brasil y Portugal, donde ha hecho cine y telenovelas, aunque también ha filmado en español. Además, tiene planes para seguir trabajando en Hollywood. “Me encanta la idea de hacer más cosas en inglés. Ahora hice ahora una película en español también en Chile y me encanta ese nuevo momento de mi vida, es muy inspirador”, sostuvo. Por lo pronto, está pendiente saber si esta nueva “Anaconda” triunfará en la taquilla o si, por lo menos, alcanzará el estatus de culto de la original. Source link