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El cantante reveló en su nuevo documental que el romance con Elizabeth Weber, entonces esposa de su amigo y baterista Jon Small, lo sumió en una profunda depresión que lo llevó a atentar contra su vida en dos ocasiones. El legendario músico Billy Joel abrió un capítulo oscuro de su vida en el nuevo documental Billy Joel: And So It Goes, estrenado esta semana en el Festival de Cine de Tribeca. En la cinta, el cantante narra dos intentos de suicidio ocurridos en su juventud, luego de mantener un romance con Elizabeth Weber, la esposa de su compañero de banda y baterista, Jon Small.  Los hechos se remontan a principios de los años 70, cuando Joel, entonces en sus veintitantos, formaba parte del dúo Attila junto a Small. Según relata el propio músico, se enamoró de Weber mientras ella aún estaba casada con su amigo y compañero, situación que le generó un profundo sentimiento de culpa. “Me sentía como un rompehogares”, expresó.  Tras confesarle a Small sus sentimientos, la banda se disolvió y Joel cayó en una profunda depresión. El artista reveló que vivía sin rumbo, consumido por el alcohol y sin hogar, lo que lo llevó a considerar el suicidio. En su primer intento, ingirió una alta dosis de pastillas para dormir que su hermana —entonces asistente médica— le había dado. Terminó en coma durante varios días. En el segundo intento, bebió una botella de limpiador líquido y fue el propio Jon Small quien lo llevó al hospital, salvándole la vida a pesar de la traición.  Posteriormente, Joel buscó ayuda psicológica y encontró en la música una vía para canalizar su dolor. A pesar del duro inicio, el tiempo permitió una reconciliación: Small lo perdonó y, eventualmente, Joel inició una relación formal con Weber, quien se convirtió en su representante y en la primera de sus cuatro esposas.  En paralelo al estreno del documental, se conoció que Billy Joel enfrenta actualmente problemas de salud. En mayo, anunció la cancelación de algunas fechas de su gira debido a un tratamiento por hidrocefalia normotensiva (HNT), una condición que afecta el funcionamiento del cerebro. El artista señaló que está enfocado en su recuperación. ¿Qué enfermedad tiene Billy Joel? Billy Joel canceló todas sus presentaciones tras recibir un diagnóstico de hidrocefalia de presión normal (HPN), una condición neurológica que afectó su salud en las últimas semanas. En un comunicado oficial, el artista explicó que la afección se agravó luego de realizar varias presentaciones en vivo, provocándole «problemas de audición, visión y equilibrio», por lo que los médicos le recomendaron suspender sus actividades para iniciar un tratamiento. La decisión afecta un total de 17 presentaciones previstas en estadios de América del Norte e Inglaterra. «Lamento sinceramente decepcionar a nuestro público. Gracias por su comprensión», indicó el cantante. Source link

Las tablas peruanas continúan renovando su programación y se acaba de anunciar una temporada de “Bodas de Sangre”, obra de Federico García Lorca, que se presentará en el teatro Ricardo Roca Rey, bajo la producción de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA). La obra estrenará el viernes 13 de junio en el teatro Ricardo Roca Rey, en el Centro de Lima, con precios en preventa a S/20. Las entradas están a la venta en la boletería del teatro o a través de WhatsApp al número 974450108. LEE: “Pólipos”: la argentina Vero Rova y Ebelin Ortiz, una dupla potente “Bodas de Sangre” es dirigida por Omar del Águila, quien busca exponer los temas que están relacionados con la poética Lorquiana, alterando el orden del texto y evidenciando que, pese a ello, la obra mantiene un sentido mismo: “Nadie escapa de su destino”. “Bodas de Sangre”, obra de Federico García Lorca, llega a las tablas peruanas. (Foto: Asociación de Artistas Aficionados) El elenco de la obra está conformado por Alondra Contreras, Angélica Torres, Beleny Gómez, Joshua Vásquez, Grecia Rojas, Sol Gonzales, Miguel Oliva y Newydi Pereyra. Sinopsis de la obra En medio de una boda, dos antiguos amantes reavivan su pasión, la novia, que hace unos momentos se casó, escapa con su primer amor, provocando así sucesos catastróficos que son el eco de un presentimiento materno. MÁS INFORMACIÓN: “El abuelo” y “La entrevista” de Cielo Abril: el vínculo de la figura paterna y su influencia en nuestras vidas “Bodas de Sangre” es una propuesta que juega con la temporalidad a través de lo simbólico, partiendo del concepto de la premonición, las pasiones y padecimientos de los personajes. Source link

En Lima, el simple acto de desplazarse puede convertirse en una odisea cuando el cuerpo no responde con facilidad. Cruzar una pista sin rampas, subir a un bus sin ayuda, encontrar un espacio en un restaurante: lo que para muchos es rutina, para otros es una carrera de obstáculos cotidiana. Desde esa realidad parte el regreso de “No puedo dejar este cuerpo sin contar esta historia”, obra que se presenta en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ampliando la reflexión sobre lo que significa vivir desde una movilidad reducida. Basada en la vida de la psicoanalista y dramaturga Valeria García, la obra se adentra en su propia experiencia con la discapacidad física, pero sin victimismo ni consigna. Lo hace desde una mirada íntima y emocional, en un unipersonal interpretado por Verónica Garrido Lecca. Sentada en una silla de ruedas, la protagonista entabla un diálogo con su cuerpo, con su mente, con el encierro, con la medicina que no llegó a tiempo por la pandemia. Este unipersonal está protagonizado por la actriz Verónica Garrido Lecca, quien interpreta a Valeria. (Foto: Difusión) La puesta en escena —fragmentada como la memoria, cargada de imágenes, fotografías y archivos— da forma a un lenguaje teatral que, lejos de seguir una línea temporal, se construye como collage de vivencias que no solo narran lo individual, sino que también denuncian lo estructural. “Es un diálogo con una voz que te recuerda a la mente que habita un cuerpo, no solo en sentido metafórico, sino físico. Es el intento de comunicarse, de encontrar una herramienta que permita no sentir el encierro”, señala Nadine Vallejo, directora de la obra, quien en esta nueva temporada acentúa la crudeza del entorno: la inaccesibilidad, la indiferencia, la burocracia y la forma en que se niega, o se evita, el dolor de los otros. El espectador vivirá también un montaje de collage de escenas que no siguen una temporalidad lineal ni cronológica. (Foto: Difusión) Un teatro para todos Durante los años en los que la directora Nadine Vallejo presentaba sus obras, desde un lugar específico del teatro reservado para personas en silla de ruedas, una mujer joven solía aplaudir desde esa misma zona antes de retirarse en silencio. Era Valeria García, psicoanalista y dramaturga. Así fue como ambas se conocieron, cuestionándose como la discapacidad puede limitarte a ver una obra desde una perspectiva fija, reducida. “Por eso sentimos necesario que esta nueva temporada muestre, sin perder su esencia, las dificultades de una persona con discapacidad en la sociedad, de cómo la dramaturga vivió su condición, pero evocando momentos importantes que la marcaron por su discapacidad”, explica la directora Vallejo. El Unipersonal busca concientizar sobre las reacciones que cada uno hubiésemos podido detener de ser nosotros quienes estuviéramos en la situación. (Foto: Difusión) Pero más allá de las rampas o los asientos reservados, hay obstáculos menos evidentes que afectan la autonomía y el día a día de quienes viven con discapacidad. “Muchas veces pensamos que podemos entenderlas porque aparentemente solo están limitadas en pocas cosas, pero no es así —enfatiza Vallejo—. Vivir sabiendo que todo lo que hagas tiene barreras es una lucha constante que se invisibiliza, y damos por sentado que todos podemos hacer lo mismo”. En esta reposición, el montaje profundiza con mayor claridad en esos límites cotidianos, sin perder el tono íntimo que lo define. La historia se reconstruye desde la experiencia directa, con escenas que entrelazan ensoñaciones y momentos de confrontación con la realidad. Desde la silla que observa, la dramaturga decidió hablar una vez más. Y el teatro, responde a ella. Source link

En el circuito teatral británico, Sam Steiner se ha convertido en una voz particular: joven, punzante y con un oído bien afinado para las ansiedades de su tiempo. Originario de Manchester, Steiner estudió Derecho en la Universidad de Warwick, pero fue allí, al margen del currículo formal, donde dio sus primeros pasos como dramaturgo. Su carrera despegó rápido. Junto al director Ed Madden y otros colegas, fundó la compañía teatral Walrus, con la que estrenó su primera obra en el Warwick Arts Centre. Desde entonces, Steiner ha explorado nuevas formas de escritura escénica, en las que lo político se desliza con naturalidad por lo cotidiano, sin necesidad de panfletos ni frases sentenciosas. A Steiner le interesa más lo que se omite que lo que se grita, y eso se nota en cada una de sus piezas, como A Table Tennis Play, Kanye the First o You Stupid Darkness!, donde el silencio y la palabra cargan con el mismo peso dramático. «Limones, limones, limones, limones, limones», nos embarca en un viaje casi antropológico del lenguaje y la importancia que recién le damos cuando nos vemos obligados a prescindir de las palabras, buscando crear nuestro propio dialecto. (Foto: Difusión) “No me interesa hacer teatro para complacer. Me interesa hacer teatro para incomodar; solo así podemos mostrar cosas que muchas veces no se dicen o no llegamos a reflexionar. Al ver las obras, nos damos la libertad de aprender sobre otros”, señala Sam Steiner en entrevista con El Comercio. “Lemons Lemons Lemons Lemons Lemons” fue escrita cuando Steiner a penas había terminado la universidad. La idea, cuenta, surgió tras una conversación casual sobre cuántas palabras usamos al día. “¿Y si nos limitaran?”, pensó. Esa hipótesis simple, casi un juego, fue tomando forma hasta convertirse en una obra que explora qué pasa cuando el Estado impone un límite diario de palabras a sus ciudadanos. No hay gritos ni persecuciones, pero la opresión es palpable. La obra se presenta en el Centro Cultural de la Universidad de Lima hasta el 28 de junio. (Foto: Difusión) Contando las palabras La obra, que ha sido traducida y montada en decenas de países, llegó recientemente a Lima con una puesta en escena en el Teatro del Centro Cultural de la Universidad de Lima. Bajo la dirección de Mikhail Page y con las actuaciones de Carolina Cano y César Ritter, el montaje mostró el tono íntimo y el ritmo pausado del texto original, enfocándose en las tensiones emocionales que surgen entre una pareja que debe adaptarse a la nueva ley de las 140 palabras diarias. “Limones…» no es una distopía al uso. No hay escenarios apocalípticos ni rebeldes armados. Lo que hay es una pareja común —Bernadette y Oliver— intentando hablarse, decirse cosas importantes, sin malgastar sílabas. Es una historia de amor, pero también una reflexión sobre los mecanismos del control, la autocensura y las formas sutiles del poder. El lenguaje, que en teoría nos libera, en este mundo se convierte en un campo de batalla. “Limones, limones, limones, limones, limones” es una coproducción entre La Ira Producciones y el Centro Cultural de la Universidad de Lima. (Foto: Difusión) “La censura puede llamar a la creatividad, pero eso no significa que debamos aceptarla, hacerlo implicaría ir contra aquello que hace funcional obras como esta. La libertad tiene un costo, pero nuestra propia independencia creativa no debe ser esa moneda de cambio”, menciona Steiner. En tiempos donde el exceso de palabras —en redes, en discursos, en debates vacíos— amenaza con vaciar de sentido todo lo que decimos, «Limones…» recuerda que, a veces, lo que no se dice pesa más. Steiner escribió su obra desde la intuición juvenil, pero lo que dejó fue un manifiesto sobre el valor de las palabras. Source link

El cine está compuesto de diálogos e imágenes, pero también de silencios. Aun así por alguna razón abundan las películas que se sostienen más en lo primero. No ocurre así en “Cuadrilátero” de Daniel Rodríguez Risco, una cinta con identidad visual propia, algo escaso hasta en las producciones con mayor presupuesto; aquí la imagen comunica por sí misma, la mayoría de veces sin que haya una palabra de por medio. Para esta historia sobre una familia draconiana, las acciones hablan más fuerte que cualquier parlamento. La película presenta a una familia de cuatro miembros, el padre Alfredo (Gonzalo Molina), la madre Adriana (Lizeth Chávez), el hijo escolar Felipe (Fausto Molina) y la hija universitaria Lucía (Valentina Saba). Todos llevan una vida milimétrica, cada quien conoce su lugar en la casa durante la cena, frente al televisor para ver una película, o en el automóvil; una vida sin problemas. Pero hay un quinto miembro, el hijo menor Tomás (Amil Mikati), a quien tienen encerrado en el armario para que no altere este cuadrilátero perfecto, un equilibrio construido sobre el sufrimiento. En entrevista con El Comercio, el director dijo que basó esta historia un poco en su experiencia personal. Su familia fue un tanto diplomática, “no había tanta intimidad como la que normalmente ocurre en la en las familias peruanas y latinoamericanas”; sí era una familia con “mucho cariño y afecto entre todos nosotros, pero al mismo tiempo había un trato donde el individualismo era muy fomentado”, añadió Rodríguez Risco, quien los meses anteriores ha paseado su cinta por diversos festivales, recolectando galardones; la cinta se llevó el Premio de la Crítica a Mejor película del Festival de Punta del Este y el Premio Huella de América para Lizeth Chávez del Festival de Cine de las Américas de Madrid. Habla el padre Rodríguez Risco se define a sí mismo como un director formalista, que busca control absoluto de lo que se va a filmar, y eso se evidencia en la meticulosidad de los planos y acciones. Los orígenes de esta película podrían incluso rastrearse al cortometraje “El colchón” (1998) que dirigió y que precisamente fue protagonizado por Gonzalo Molina. “Cuando [Daniel] me dijo para ser parte de la historia, me sentí encantado porque me gusta contar historias con él”, dijo el actor. Como si un cuadrilátero de box se tratara, en la película cada quien defiende su esquina, atento a que el otro baje la guardia antes de asestar el golpe que lo saque del juego. Una violencia intrafamiliar que tiene más en común con la fauna que con la especie humana; de hecho, al filmar cada uno de los actores tenía en la cabeza un “avatar” animal con el cual identificarse. El animal de Molina para esta cinta fue el gorila. Para él trabajar con la imagen mental del animal ayudó mucho, “porque a partir de ahí, de esta fisicalidad, uno construye el vínculo, la relación, la mirada”; en resumen, el animal le dio un norte a su trabajo. El actor además contó estar seguro de que hay familias con reglas más estrictas que las presentes en la película. “Siempre creo que la realidad supera la ficción, no tengo ninguna duda. Recuerdo las cosas que hacía mi abuelo. Él no dejaba que se prenda ninguna luz en la casa; solamente podías prender la luz del lugar donde estabas y ponía una luz de 25 watts [baja intensidad]. Y solo se podía cocinar en la cocina eléctrica con una hornilla porque si no se gastaba demasiada electricidad”, dijo el actor entre risas. Películas como estas tienen tantas interpretaciones como espectadores; una lectura es que la paz y el orden tienen un precio. Molina apunta por otro lado. “Cuando las cosas se tramitan en una comunidad, en este caso una familia, exclusivamente desde la razón, desde el orden y lo racional, fracasan. Duele, quiebras partes, y la película es así, por eso que es tan divertida e hiriente a la vez. Es bien peruana”. Source link

La plataforma HBO Max estrenó este jueves, 5 de junio, el primer episodio de Chespirito: Sin querer queriendo, la serie biográfica del recordado comediante mexicano, Roberto Gómez Bolaños, y escrita por su hijo, Roberto Gómez Fernández. Todo marchaba bien cuando se anunció que el elenco estaría formado por Pablo Cruz Guerrero como Chespirito, Paola Montes de Oca como María Antonieta de las Nieves, Juan Lecanda como Carlos Villagrán, Eugenio Bartilotti como Édgar Vivar, Miguel Islas como Ramón Valdés, Arturo Barba como Rubén Aguirre y Andrea Noli como Angelines Fernández. Sin embargo, llamó la atención el papel de la actriz Bárbara López, quien interpreta a Margarita Ruíz, un personaje completamente ajeno al entorno de ‘Chespirito’, pero que, por sus características, bien puede representar a Florinda Meza. La viuda de Chespirito no autorizó legalmente el uso de su nombre en la serie, por lo que este tuvo que ser modificado. De hecho, el estreno de la producción no fue bien recibido por ella. «No estoy contenta, pero tampoco puedo decir que no me interese. No puedo opinar mucho porque un avance no dice mucho», declaró en una entrevista reciente a los medios mexicanos. Sin buenos ni villanos: «Las buenas historias tienen seres humanos» Meza insistió en que las producciones biográficas de este tipo deben ser auténticas y evitar encasillar a los personajes como héroes o villanos. «Si es una historia X, no tienes malos, tienes seres humanos con sus cualidades y defectos. Si yo hago una telenovela, nunca presento malos de nacimiento ni buenos de nacimiento. Las buenas historias tienen seres humanos. Y si esto lo han anunciado como biografía, porque así lo han presentado, pues deben tener personajes reales», afirmó. Florinda Meza: «Sé de muy buena fuente que no se me trata con respeto» En un video publicado en su cuenta de Instagram en 2023, Florinda Meza aseguró que no se opuso a la realización de la bioserie de su difunto esposo; sin embargo, su principal preocupación radicaba en que la producción no la trataría a ella con «con respeto». «Se dice que yo me opongo a que se haga la biografía de Roberto Gómez Bolaños… ¡total mentira! Por principio de cuentas, sé de muy buena fuente que en esa biografía no se me trata con respeto y mucho menos con verdad, cosa que causaría un gran dolor a mi Robert si aún viviera, pero ¿a quién le importa la autorización o la opinión de un muerto?», sostuvo. La actriz, de 76 años, subrayó que no fue consultada con relación al proyecto biográfico y cuestionó la falta de contacto por parte de los responsables del mismo.  «A mí nadie me ha informado nada, nadie me ha hecho tan siquiera una llamada telefónica, o sea, ¿tampoco importa la opinión y la autorización de la viuda que aún vive?», expresó. Florinda Meza hizo hincapié en que su vida, su nombre, su trayectoria y su poder de convocatoria son de su propiedad; y que no pueden ser utilizados a placer por cualquier persona.  «Mi vida es mi vida y no quiero que la usen, mucho menos para lucrar», agregó. Source link