21 de agosto de 2025

Durante años fueron parte del imaginario colectivo peruano: uno, el cura ingenuo de nariz roja que vivía en un mundo absurdo llamado Patacláun; el otro, joven ingenuo, torpe y enamoradizo en “Mil Oficios”. Gonzalo Torres y César Ritter no solo interpretaron personajes memorables —Gonzalete y Lalo—, sino que se volvieron referentes de una generación. Hoy, después de transitar caminos distintos, ambos actores se reencuentran en “Los dioses del teatro”, una comedia que, entre risas y verdades incómodas, los obliga a mirarse al espejo y preguntarse qué queda cuando el personaje se baja del escenario. “Por mucho tiempo tuve un gran conflicto con Lalo, del encasillamiento. No quería saber nada de él porque el personaje se queda contigo más allá del set, y a veces te lo recuerdan en la calle, en momentos donde uno solo quiere ser persona, no personaje”, menciona Ritter. “Tuve miedo de ser encasillado como Gonzalete. Sentí rechazo por el personaje, entonces empecé a hacer otro tipo de cosas, yendo por un camino más dramático o fuera del teatro”, agrega Torres. Empezó su carrera televisiva en la serie cómica Patacláun donde interpretó a Gonzalo «Gonzalete» González de la Gonzalera. (Foto: Difusión) El tiempo hizo su parte. Con los años, ambos actores buscaron nuevos espacios. Ritter se entregó al teatro en el 2004 con “Un misterio, una pasión”, así como una búsqueda introspectiva sobre su profesión. Torres se reinventó en el documental, en la conducción cultural y en las páginas de libros. Pero con el paso del tiempo también llegó el entendimiento: un momento en sus vidas no puede definirla por completo. “Gracias a Lalo conseguí amigos queridos, momentos inolvidables y el regalo de haber conocido ahí a mi esposa. Hay mucho cariño en ese recuerdo. ¡Palayentis!”, dice Ritter. “Yo no puedo odiar a Gonzalete. Entendí que tuvo un impacto en la vida de otros, los hice felices por un momento, eso no tiene precio. También comprendí que interpretar a un buen personaje no significa que no puedas hacer otro buen personaje”, acompaña Torres. Ritter se integraría al elenco de la serie de televisión Mil oficios en 2001, producida por Efraín Aguilar, con el personaje de Eduardo «Lalo» Chávez, siendo uno de los más cómicos y queridos. (Foto: Panamericana TV) Segundas oportunidades “Los dioses del teatro” pone sobre escena una historia que bien podría ser su biografía no autorizada: dos actores en crisis, enfrentados con su pasado, intentan montar una obra que los reivindique. La comedia sirve aquí como trampolín para hablar de temas más íntimos: el ego, la frustración, la fama como castigo y la eterna búsqueda de sentido en la profesión actoral. “Esta es mi terapia, mi manera de conocerme, de entender al otro, de ser empático, de salir de mi burbuja y también de entender lo que viví”, reflexiona Ritter. “Y también parece una terapia como pareja dispareja. Siempre tenemos desencuentros en temas de cómo actuar, cómo llevar una escena, y finalmente decidimos hacer algo juntos”, completa Torres. César Ritter y Gonzalo Torres protagonizan una comedia sobre la fama y la amistad desde el 4 de setiembre en San Borja. La obra, dirigida por Gonzalo Ladines (“Como en el cine”, “Muerto de risa”), apuesta por una mezcla entre sátira, ternura, autorreferencia y una dosis de desesperación existencial. Porque más allá del sketch o del guiño nostálgico, Los dioses del teatro es un retrato del oficio actoral en el Perú, y de la difícil tarea de volver a creer en uno mismo cuando la fama desgasta más de lo que impulsa. Y entonces surge la pregunta inevitable: ¿existen las segundas oportunidades? “La mía fue volverme a enamorar de mi profesión. Dejar de lado la aprobación o medir el éxito y el fracaso. Lo que quiero en la vida es ser feliz contando historias, eso me mantiene vivo”, afirma Ritter. “Ser padre te cambia la vida de forma definitiva, al igual que entender que las segundas oportunidades no son solo cuestión de azar o de haber interpretado un personaje exitoso, sino el resultado de un esfuerzo que se construye”, concluye Torres. Sobre la obra Los Dioses del Teatro La obra se estrena el jueves 4 de setiembre en el Teatro Mario Vargas Llosa de San Borja. Las entradas ya están disponibles en Teleticket. Source link

Los escenarios se alcanzan con talento o se conquistan con resistencia. Madeleine Gutiérrez, hija de Tongo, aprendió que la vida no entrega medallas sin lucha y que cada meta cumplida lleva la huella del esfuerzo. Tras dos años en Europa, donde culminó dos maestrías —una en ópera y otra en interpretación lírica y contemporánea—, regresa al Perú para presentarse por primera vez en el Gran Teatro Nacional. No es su primer escenario ilustre. Madeleine ha cantado en el Liceu de Barcelona, en la imponente Sagrada Familia —donde compartió escenario con David Bisbal y Pasión Vega—, en el Carnegie Hall de Nueva York y en otros templos de la música en España y Canadá. Pero esta vez, asegura, será distinto. “Mezzo en Lima será un concierto gratuito, divertido y didáctico, donde uniré mi esencia lírica con mis raíces. Me acompañarán la Orquesta Sinfónica de los 200 años y el coro Voces de Lima… y sí, también estará ‘La Pituca ‘en versión sinfónica”, adelanta con una sonrisa. Con tesón Nada de lo que ha logrado —cantar en escenarios de prestigio, enseñar canto, forjar una carrera prometedora— se lo regalaron. Cada paso que da está respaldado por años de estudio, sacrificio y constancia. “Nunca ingresé a la primera, siempre me costó muchísimo. Estoy en el grupo que ha tenido que luchar un montón para tener lo que tiene”, asegura. Madeleine Gutiérrez después de dos años de estudiar en Europa regresó al Perú para ofrecer un concierto gratuito en el Gran Teatro Nacional. (Foto: Mario Zapata) / Mario Zapata N. Madeleine reconoce que llevar el apellido de su padre le abrió puertas al espectáculo, pero también la obligó a demostrar que su voz podía sostenerse sola. “Algunos pensaban que por ser la hija de Tongo haría fusiones o música académica improvisada. Mi intención siempre fue clara: hacer ópera de manera rigurosa y profesional. No te aceptan en un conservatorio extranjero por quién es tu papá; te aceptan porque pasas la audición y eres competente para ellos”. Esa disciplina la acompañó incluso en momentos difíciles, como cuando se fue a estudiar a Barcelona apenas seis meses después de la partida del querido cantante de “La pituca”. “Allá viví emociones muy fuertes. Un día, estaba muy mal, triste, llorando en una cafetería, y un hombre me miró directamente y comenzó a cantarme ‘Hotel California’, la canción favorita de mi papá. Sentí que fue él, enviándome una señal… y si no fue, no importa, porque igual me ayudó y me reconfortó. Siempre hablamos, siempre le pido que me muestre el camino”. Su esencia, asegura, es la ópera. Pero sus raíces también tienen el pulso de la cumbia y la chicha que escuchó en casa. No las fusiona en su trabajo lírico, aunque para su presentación en el Gran Teatro Nacional, ‘La pituca’, la canción más emblemática de Tongo, sonará acompañada por orquesta sinfónica. “Siempre he escuchado cumbia. No voy a renunciar a ello. Lo que verán este 27 de agosto será la unión de mis dos mundos”, resume. Lo que viene La artista lírica no se detiene. Está por audicionar para un nuevo programa concurso de canto lírico en Antena 3 (España) y sueña con protagonizar la ópera “Carmen”, pisar el Metropolitan, estudiar dirección orquestal y seguir llevando la ópera a más públicos. “Intento llegar cada vez más lejos. Estoy en una etapa de madurez musical y emocional. Voy a mostrar lo que he aprendido y los nuevos brillos que tiene mi voz”, remarca. Madeleine Gutiérrez regresa a escenarios peruanos con la certeza de que su voz es puente entre mundos: el de la ópera y el de la cumbia, el de la disciplina académica y la herencia popular, el de la ausencia y la presencia eterna de su padre. Y cuando se enciendan las luces del Gran Teatro Nacional, no será solo ella quien cante: también sonará, en algún rincón invisible, la voz de Tongo alentándola a nunca rendirse. Además… El espectáculo “Mezzo en Lima” se realizará el 27 de agosto en el Gran Teatro Nacional. El ingreso es libre previa inscripción en Teleticket. Source link

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Paul Vega descubrió que, después de tantos años sobre los escenarios y frente a las cámaras, las palabras y los gestos ya no bastaban para expresar lo que llevaba dentro. Necesitaba un lenguaje distinto, y lo encontró detrás del monitor, en la intimidad de un rodaje. “Astronauta”, su ópera prima como director, no es solo una película: es un reencuentro con la escritura, con el cine, con colegas entrañables como Salvador del Solar y, sobre todo, consigo mismo. “Es como pasar de ser un mortal a ser Dios de repente: tienes que estar en todas partes, con los ojos puestos en cada detalle. Es exigente, demandante hasta el límite, pero también profundamente enriquecedor ocupar ese lugar”, recuerda el artista sobre la experiencia de dirigir. Camino persistente El proyecto nació hace casi diez años, a partir de sensaciones dispersas, imágenes sueltas e ideas que parecían no tener respuesta. En el 2017, durante un taller de la Fundación Carolina en Madrid, el guion comenzó a tomar forma. Luego vinieron los rechazos, las correcciones, un premio del DAFO y una pandemia que obligó a Paul Vega postergar el sueño. Finalmente, en el 2023, “Astronauta” pudo ver la luz. Ese camino paciente, lleno de pausas y persistencia, es también parte del espíritu del filme: un relato sobre la insatisfacción, el redescubrimiento y la búsqueda. La historia sigue a Nicolás, un exitoso conductor de un programa de preguntas y respuestas que, pese a su aparente vida perfecta, carga con un profundo vacío. Insatisfecho con su rutina y con la sensación de haber dejado dormida su verdadera vocación, retoma la escritura después de muchos años. En esas páginas, que llevan por título “Astronauta”, un viajero interestelar se interroga sobre el sentido de la existencia, metáfora del propio viaje interior del protagonista. Pero la trama también se despliega en su vínculo con Claudia (interpretada por Angie Cepeda), su pareja, y en el encuentro con una enigmática presencia que lo confronta con sus certezas. Elenco estelar Para acompañarlo en esta travesía, Vega reunió un reparto importante: Angie Cepeda, Daniel Hendler, Gustavo Bueno y Salvador del Solar. Con este último, el reencuentro fue particularmente significativo. Ambos empezaron juntos en los talleres de actuación en Lima, y ahora, años después, se cruzan en este nuevo punto de la órbita artística. “Que Salvador esté en mi primera película era muy especial. Su experiencia y su mirada lúcida fueron un aporte invaluable”, dice. Paul Vega debuta como director en «Astronauta», un filme bastante personal. (Foto: Tondero) / DANIELA TALAVERA Los ensayos previos y la apertura a propuestas del elenco transformaron la película. El guion se reescribió en escena, se pulió con cada mirada y gesto. Vega reconoce que el resultado es fruto de un trabajo colectivo. “El aporte de ellos fue increíble. Al final, el resultado es muy bueno porque fue un viaje compartido”, destaca. Pero no todo fue sencillo. Dieciocho días de grabación, fue una carrera contra el reloj. Había que cumplir con cada plan de rodaje sin margen para retrasos. Pero entre la presión y el vértigo, Vega descubrió que el lugar de director, también le pertenecía. “Descubrí que dirigir me apasiona, me siento cómodo en ese rol. Creo que se debe a que me rodeé de un equipo increíble, todos empujando en la misma dirección, y así la película fluyó. Ahora quiero explorar otros caminos narrativos, no tan ligados a mis sensaciones personales, sino a historias externas, con otros lenguajes y miradas. Estoy en ese proceso: dándole vueltas a nuevas ideas, esperando a que alguna me atrape con la fuerza suficiente para volver a sentarme a escribir”, asiente. Hoy, al mirar hacia atrás, Paul Vega entiende que “Astronauta” no es un punto de llegada, sino el inicio de un camino. No se siente con derecho aún a llamarse director, pero sí reconoce que en este proceso ha encontrado una voz propia que quiere seguir explorando. “Lo que me deja esta película es la certeza de que quiero seguir dirigiendo. Es apasionante. No sé si sea un cambio de etapa necesariamente, porque la actuación es mi oficio de toda la vida y seguramente lo seguiré haciendo muchos años más. Pero sí estoy en un momento de complementar eso que hago con nuevas búsquedas, con otras formas de contar”, sentencia. Además… Actualmente, “Astronauta” se exhibe en la cartelera de Cineplanet. Source link

La derrota en la Guerra de las Malvinas había precipitado el final de la última dictadura militar en Argentina, que durante siete años impuso censura y represión sobre cada expresión cultural. Las calles comenzaban a recuperar el bullicio democrático, aunque el peso de aquellos años seguía presente. En ese clima de transición, el rock encontró un terreno fértil para florecer y, de ese impulso, surgió Miguel Mateos/ZAS, banda que se consolidó como parte de ese rock postdictadura con su álbum “Rocas Vivas”. “Las canciones reflejan lo contestatario de tocar en un sótano clandestino un rock and roll furioso, a bajo volumen, para que no te escuche la policía y no te lleven de los pelos. Pasar de eso a la alegría de recuperar las instituciones fue un contraste enorme, algo que se siente hasta hoy”, recuerda Mateos en entrevista con El Comercio. En octubre de 2007 la revista Rolling Stone lo posicionó como el mejor álbum en vivo del rock argentino a «Rockas Vivas». (Foto: Alejandro Palacios) Grabado en vivo durante dos noches en el Teatro Coliseo de Buenos Aires y lanzado en 1985, el disco reunió nueve canciones que condensaban la energía de la banda en su punto más alto. Temas como “Tirá para arriba” o “Perdiendo el control” se convirtieron en himnos, y su crudeza sonora lo posicionó como un clásico. “En varias canciones se hace referencia a lo que vivimos, incluyendo etapas dolorosas de nuestra historia nacional, recordando siempre que las Malvinas son argentinas y que los músicos de Argentina siempre debemos pasar por Perú porque nos apoyaron durante ese momento histórico”, enfatiza. Años de rock Antes de la consagración masiva, Miguel Mateos y ZAS habían transitado un camino lleno de desafíos y pequeñas victorias. Formada a fines de los setenta, la banda irrumpió en la escena porteña en un momento en que el rock en español todavía buscaba afirmarse frente al dominio de la música anglosajona. El gran punto de quiebre llegó en 1981, cuando fueron convocados como teloneros de Queen en el estadio de Vélez Sarsfield. Aquella noche, frente a más de 50 mil personas, la banda pasó de la semiclandestinidad a ganar popularidad. Con la llegada de la democracia, ZAS supo capitalizar la apertura cultural que vivía el país. Su propuesta combinaba el pulso rítmico del pop-rock internacional con letras directas y cargadas de ironía. “Fue una etapa absolutamente intensa. Hay mucha leyenda en esos discos, y ni yo sé con certeza cuántos shows se grabaron ni en qué condiciones. Imagínate grabar un álbum en vivo hace 40 años, con la tecnología de entonces: fue toda una epopeya”, comenta el artista. El éxito no se limitó a la venta de discos. Las giras posteriores llevaron a Mateos y su banda por gran parte de América Latina. “Recuerdo perfectamente tocar con bandas como Café Tacuba y también con una entonces desconocida Shakira. En esos años estaba convencido de que lo nuestro podía encajar con esos pueblos hermanos”, cuenta Mateos. Hoy, cuatro décadas después, Rocas Vivas mantiene su vigencia y sigue encontrando nuevos oyentes. Sus canciones, nacidas en un contexto de cambios y libertad recién recuperada, conservan la fuerza de aquellos años. Para Miguel Mateos, interpretarlas hoy significa volver a un momento clave de su carrera y de la historia del rock en español, así como seguir apoyando el fenómeno nostálgico presente en fiestas, conciertos y bares. Sobre el concierto 40 años «Rockas Vivas» Lugar: Coliseo Dibós Fecha: 26 de septiembre Horario: 8:00 p.m. Entradas disponibles en Teleticket, con descuentos del 20% del 11 de agosto al 7 de septiembre y del 15% del 8 al 26 de septiembre para suscriptores del Club El Comercio.  Source link

“Hoy me gusta la vida mucho menos, pero siempre me gusta vivir”, decía César Vallejo en sus inconfundibles versos. Aunque “Mistura” alude a la gastronomía peruana en su portada, su creador, Ricardo de Montreuil, dota al filme con poesía y un desamor. A través de los dulces ojos verdes de Bárbara Mori, el personaje de Norma Piet —una mujer conservadora, como la Lima de 1965— levanta la bandera del Perú desde la cocina, aunque su primera nacionalidad sea francesa. Así demuestra a una sociedad, clasista y desvergonzada, que su valor está en su fórmula personal de superar las adversidades de la vida. Pasaron ocho años desde su último largometraje (“Lowriders”), pero Ricardo de Montreuil necesitaba los ingredientes perfectos para escribir su ‘carta de amor al Perú’, “Mistura”. Sumó al proyecto al productor peruano Iván Orlic, elogiado por la película biográfica de “Pelé” en 2016, y llamó a los protagonistas de su opera prima, “La mujer de mi hermano”, Christian Meier y Bárbara Mori, para llevar a cabo sus planes. En varios sentidos, ha sido su proyecto más logrado desde su último tránsito por festivales de cine. Newsletter Saltar Intro Alfonso Rivadeneyra analiza las series y películas que no puedes perderte, todos los jueves. Recíbelo Bárbara Mori, actriz uruguayo-mexicana, es la protagonista de «Mistura». Esta es una foto en su papel de Norma Piet. “Mistura” nos traslada a los años sesenta, donde Norma Piet (Bárbara Mori), una socialité, hija de un diplomático francés, solloza sin consuelo frente al Country Club de Lima. Su esposo Roberto Tapia (Christian Meier) acaba de abandonarla por otra mujer, dejando una casa hipotecada y su matrimonio en ruinas sin mayor explicación. Al inicio, las acciones ocurren en su mansión y alrededores de la capital. Después, el relato se sostiene en un restaurante que se convertirá en refugio, empresa y símbolo de resistencia para ella. Aunque el guion no siempre consigue cohesionar los distintos dramas individuales, el desenlace unifica a todos los personajes en torno a la pasión culinaria. MIRA: Hasta 57% de dscto. en lo mejor del entretenimiento. Conoce todas las promociones aquí El guion es un melodrama clásico, género amado por Latinoamérica, en el que los personajes parecen moverse entre tensiones de clase, amor y duelo. Al inicio, apenas sabemos que Norma creció bajo la influencia francesa de su padre embajador, pero lo fundamental ocurre dentro de su casa. Ella, una mujer blanca, aristocrática y aparentemente quebrada, se rodea de un mayordomo afroperuano (César “Pudy” Ballumbrosio), su cocinera (Hermelinda Luján) y un cocinero nikkei (Tomás ‘Toshi’ Matsufuji). Ese crisol funciona como metáfora de la diversidad peruana. Pero la película se fortalece en sus imágenes, a cargo del director de fotografía Nicolás Wong, pues ofrece la textura de la Lima reconstruida con lentes Panavision antiguos. En el plano visual, la película brinda un despliegue notable. La reconstrucción de Lima de 1965 evita el cartón piedra y se siente natural gracias al uso de la tecnología Unreal Engine y a la asesoría histórica que recurrió, incluso a archivos de Diario El Comercio. Algunos pensarán que los periódicos de este medio son mero acompañamiento, pero los creadores de “Mistura” provocaron la sensación de historicidad en escenas clave; esto para subrayar cómo las críticas gastronómicas y anuncios en prensa definían la suerte de un restaurante en la época, como en esa página ficticia donde se informa que David Rockefeller comió anticuchos en el Rímac durante una visita diplomática. César ‘Pudy’ Ballumbrosio es el coprotagonista en «Mistura». En la cocina de Norma Piet, hay expectativa por las reseñas publicadas sobre su restaurante, que tanto trabajo y llanto le costó engendrar. Qué tal contraste con el peso de las opiniones actuales, donde las voces del TikTok se convierten en falsos críticos gastronómicos, a quienes los usuarios les creen, pero luego llegan al restaurante y le sabe a media sucia. En “Mistura”, todo siempre es elegante y tan relevante como un buen texto de un experto o experta que critica la sazón de un restaurante. MIRA: Conciertos, obras de teatro, circos, cine y más con hasta 50% de dscto. Descubre tus promos Por otro lado, está la musa. Bárbara Mori es el eje de “Mistura” y, por lo menos, el 60% de su éxito. En vez de recurrir al histrionismo fácil de “Rubí” o “Treintona, soltera y fantástica”, la actriz encuentra fuerza en la contención de Norma, una mujer que resiste el dolor de la traición, con ciertos quiebres. Mori domina un acento limeño convincente, resultado del trabajo con su coach actoral Óscar Beltrán, y construye un arco de transformación que va de su actitud fría y controladora a la vulnerabilidad. Cuando su personaje descubre que su pasión por la comida era clave en su destino, se quita la máscara de aristócrata, y pues, siempre es hermoso ver a una mujer en ese proceso. «Mistura» se estrena el 21 de agosto en los cines a nivel nacional. A su lado, César “Pudy” Ballumbrosio sorprende en su debut en el cine. Su actuación encuentra un ritmo propio en la relación con Mori. Los actores son capaces de sostener el corazón de la historia con gestos y silencios más que con parlamentos. Piet encuentra su corazón en su mayordomo negro, amante de las noches de festejo con cajón y pescado en el almuerzo. Como coprotagonista, ‘Pudy’ se convierte en la voz de un Perú afrodescendiente que merece reconocimiento, y una época tradicional como aquella, no se lo daba. Hay un momento en que su personaje recita un poema sobre romper las normas, un gesto que resume el sentido de la película. Christian Meier, en cambio, asume el rol del esposo infiel con una carga negativa y repugnante, inusual en su carrera. El peruano tiene pocas apariciones, pero esas demuestran que no hay galán de telenovela que no pueda convertirse en tal villano. Su hijo Stefano Meier funciona como contrapunto generacional en “Mistura”. Es un joven rebelde, sin problemas para tener sexo por la mañana, para usar jeans y tener el cabello despeinado, o