16 de julio de 2025

Cali aprendió a bailar antes que a caminar. En los años 60, mientras la salsa apenas se insinuaba en otros rincones de la región, en Cali ya era parte del día a día. Bocinas reproducían bugalús en cada esquina, los niños imitaban con el cuerpo lo que escuchaban, y las calles se transformaban en pistas de baile. Al caer la noche, tarimas improvisadas surgían en la vía pública, mesas y sillas ocupaban la vereda como parte del mobiliario urbano, y más de 300 locales abrían hasta que el cuerpo dijera basta. “Ir a Cali es encontrarse con un ecosistema que está interconectado y vive por la salsa desde diferentes ópticas. La radio se enciende mientras los niños juegan, las señoras cocinan y los hombres trabajan, y sin saberlo todos entrenan el oído para luego bailar”, comenta Juan Carvajal, director de la cinta que retrata la salsa caleña, “La salsa vive”. El instrumento más importante para la salsa caleña es la campana, la cual marca el ritmo del bailador. (Foto: Difusión) Eso es lo que reconstruye este documental que, entre imágenes de archivo de una Nueva York ya desaparecida y entrevistas con leyendas como Rubén Blades, retrata cómo una ciudad entera fue tomada por el ritmo que llegaba en vinilos escondidos bajo vestidos para animar los días de una población colombiana. “Cali es un lugar donde todo músico de salsa quiere tocar. Parece estancado en el tiempo, donde los clásicos nunca se van, y donde se aprendió que la salsa puede salvar vidas quitándoles hijos a la violencia”, afirma el director. Pero nada de eso habría sido posible sin un personaje que llegó desde lejos. La película es un recorrido cinematográfico por las raíces de la salsa en Nueva York, su cuna, y su transformación en Cali, Colombia, donde este género musical se vive como una pasión colectiva que define la identidad de la ciudad. (Foto: Difusión) Perú es clave Cuando Alfredo Linares (Lima, 1944) llegó a Cali, lo hizo para una presentación, pero terminó quedándose. Ya lo habían escuchado en Bogotá, pero fue en la capital del Valle donde su piano encontró resonancia. Su sonido, mezcla temprana de lo que se consolidaría como salsa, marcó diferencia en las orquestas locales. Pronto pasó de ser un invitado a convertirse en arreglista, productor y compositor. Grababa en Lima y regresaba con másters que luego se convertían en himnos. Tiahuanaco, uno de sus temas más celebrados, marcó un antes y un después en el sonido caleño. Alfredo Linares nació el 27 de enero de 1944 en Barrios Altos. Su padre fue Ángel Mariano Linares Salas, arequipeño que arreglaba pianos y su madre fue Aurora Saucedo Murrugarra, trujillana amante de las artes. (Foto: Difusión) “En Cali existían locales sin límite de rumba, abiertos 24 horas, con cantantes que entraban y salían, y salseros dispuestos a bailar sin descanso. Eso ya no existe como antes, pero la salsa sigue como forma de vida, una manera de entender su cultura”, añade el artista. Mientras los barcos descargaban discos caribeños en el puerto de Buenaventura, que abastecía a Cali, en el Callao ocurría algo similar. Pero la diferencia estaba en el entorno. En Lima, la salsa convivía con géneros criollos y tropicales, y encontraba espacio en locales como El Bertoloto. En Cali, en cambio, se instaló como una identidad viva en los barrios, sin competencia ni reservas: lo afrocaribeño era la norma. ¿Qué diferencia al salsero limeño del colombiano? “Todo está en el oído del salsero. Mientras el limeño baila escuchando la clave, el caleño interpreta la campana. Además, el caleño empieza desde la cintura para abajo, con pasos rápidos, y sus rumbas arrancan desde la tarde, no solo en la noche”, explica Linares. De ese ambiente nacieron o se afincaron agrupaciones como Grupo Niche, La Misma Gente, Grupo Bemtú y Son de Cali. Aunque la ciudad sigue respirando salsa, nuevos sonidos llegan a las calles caleñas —y a los salsódromos peruanos— para darle un nuevo florecimiento a la música afrocaribeña: la timba. Source link

La primera serie documental oficial de Emilia Mernes, la estrella del pop argentina que conquista el mundo con su exitosa gira .MP3 Tour, se estrenará por DirecTV y la plataforma de streaming DGO. “Emilia. Lo que no se ve”, es una producción especial que incluye el testimonio en primera persona de la reconocida artista, quien revela toda la intimidad de su ascendente carrera. La serie documental se estrenará el sábado 19 de julio, a las 7 p.m., por DSHOW, en los canales 127 y 1127 HD de la grilla de programación del servicio de DirecTV, y en la plataforma de streaming y TV en vivo DGO. Estará disponible en Argentina, Chile, Colombia, Ecuador, Perú y Uruguay. El especial revela imágenes nunca vistas de Emilia en su esfera más personal: desde sus inicios en la música, los intensos ensayos, momentos de su vida privada fuera del escenario, hasta su vida en giras por diversos países y la interacción con el amor incondicional de sus seguidores. Para ello, cuenta con material de archivo totalmente inédito y entrevistas exclusivas con Emilia y su círculo más cercano, entre los que figuran integrantes de su familia, de su equipo de trabajo y aquellas personas que la vieron crecer en su pueblo natal, Nogoyá, en Entre Ríos. “EMILIA. Lo que no se ve” está compuesto por cuatro episodios que profundizan en diferentes facetas de su camino, ofreciendo una perspectiva completa de su ascenso y los desafíos a los que se enfrentó. El primer episodio, “El deseo”, se centra en el año más trascendental de su carrera, mostrando cómo Emilia alcanza la cima con nuevos hits y el fervor del público, al tiempo que revela la fragilidad detrás del brillo, la presión constante y el costo personal de no frenar, incluyendo la suspensión de un show. El segundo, “El origen”, lleva a los espectadores a las raíces de la artista en un pequeño pueblo de Argentina, explorando su crecimiento entre música y sueños, y los desafíos propios de su entorno, destacando su decisión de no permitir que las circunstancias limitaran su camino. Posteriormente, “El sacrificio” aborda cómo la música la llevó a cruzar fronteras para actuar en escenarios icónicos de España y México, pero también la enfrentó a la distancia, el desarraigo y una soledad a menudo oculta, evidenciando que el crecimiento profesional conlleva un gran costo emocional. Finalmente,” La recompensa”, culmina con el estadio Vélez, que simboliza la materialización de años de esfuerzo, renuncias y fe. Este último episodio detalla la magnitud del evento y los tiempos al límite que pusieron a prueba su meticulosidad, mostrando a Emilia celebrar un logro épico en el escenario más grande de su vida, mientras sostiene con pasión el sueño que la llevó hasta ese punto. Source link

El personaje, un hombre con gorrito de lana, se la pasa de un lado a otro del escenario. Inquieto, se come un chocolate. Pero eso no basta; necesita uno más y luego otro. Es la clase de personaje cuya aparente neurosis podría causar empatía con el espectador. Al poco rato aparece su hermana, quien opera como su opuesto en todo sentido. Pero ellos tienen en común más de lo que les gustaría reconocer. Así empieza “Hielo en la sangre”, puesta en escena de la dramaturga Claudia Sacha que va por el Teatro Racional de Barranco; es la obra que marca la reapertura del espacio fundado por Eduardo Adrianzén en 2008. Ambos hermanos están en un hospital, donde su madre está en coma. Él, interpretado por David Carrillo, necesita que la hermana firme un documento de consentimiento; ella, rol de Celine Aguirre, quiere mantenerse positiva y no pensar en lo que probablemente va a pasar. La obra parte del conflicto entre estas dos personas, quienes dan pistas de cómo el pasado los ha hecho quienes son ahora. Sacha había trabajado microteatro con Carrillo y Aguirre en 2022, experiencia que a todos ellos le interesaba repetir, pero con algo de mayor formato. Así, se reunieron a conversar de sus inquietudes, siendo estos temas la salud mental y las dinámicas intrafamiliares. La guionista aterrizó las discusiones en lo que ahora es “Hielo en la sangre”, que se desarrolla en una sala de espera; unos asientos, una planta un bidón de agua, escenario mínimo donde lo que pesan son las actuaciones. “Es un personaje al que entiendo y abrazo. Y también me desespera, a veces también siento que, por momentos, es desesperante, es un idiota. Pero no lo juzgo”, contó Carrillo a El Comercio sobre su personaje. Él, que también es el director de la obra, a la que describe como un proceso de “maceración lenta”, cuenta que esta no es una historia de buenos y malos, pero que sí lo es sobre la polarización, de gente ubicada en extremos ideológicos cuando no físicos. “Hacer una obra así es de una gran responsabilidad”, sostuvo en referencia a cómo enfoca el tema de la enfermedad mental. Por el lado de Celine Aguirre, podría decirse que ella tiene al rol más demandante, pues de arranque tiene una conducta antagónica; sin la hermana no hay drama ni conflicto. No obstante, su performance añade suficientes matices a un texto que se atreve a tomar riesgos. El guion da un giro en cuando al enfoque de este personaje, lo cual cambia la perspectiva que el espectador puede desarrollar. Decir más sería hacer spoilers. “Escribir giros así requiere de un cuidado muy grande y escribir obras de dos personajes también. Escribir personajes que dan vueltas, que parecen una cosa y luego deben parecer otra, y luego otra, es complicado de hacer y resolver”, dijo Sacha, quien formó parte de los inicios del teatro Racional y que ahora contribuye en su retorno. Su trabajo es reescribir con obsesión, ella no es de las se conforman con la primera versión. Carrillo busca que el retorno de este teatro contribuya al panorama escénico de la ciudad, a que de algún modo las obras permanezcan más tiempo en escena y ya no solo pocas semanas. Y claro, a poner los reflectores sobre el autor nacional. “Si algo de falta tiene todavía el teatro peruano, es que el autor peruano sigue sin ser protagónico. Esta obra creo que es un granito de arena para eso”, agregó Sacha. En los extremos David Carrillo y Celine Aguirre. Al centro, la dramaturga Claudia Sacha. / GESAC > BRITANIE ARROYO DATO “Hielo en la sangre” Desde el 17 de julio en el Teatro Racional (Avenida Balta 170, Barranco). Entradas a la venta en Joinnus. Source link

Es un disco de jazz, sí, pero es tan diferente al concepto clásico del mismo que los puristas podrían tener sus reservas con lo que propone. Un sonido que se ha desarrollado por 20 años es lo que tiene “El Muki”, el nuevo álbum de estudio del Sexteto Afroperuano de Gabriel Alegría, músico peruano que ha vivido gran parte de su vida en el extranjero y que ahora, afincado definitivamente en el Perú, presenta este trabajo con un próximo concierto en el Teatro Segura del Centro de Lima el domingo 27 de julio. Conformado por Gabriel Alegría (trompeta), Laura Andrea Leguía (saxo tenor), Hugo Alcázar (batería), Mario Cuba (bajo), Freddy “Huevito” Lobatón (percusión), Jocho Velásquez (guitarra) y JF Maza (saxo); el grupo nació en Nueva York, Estados Unidos, país en el que Alegría radicó. Allí hizo el colegio y también la universidad, aunque pasó por el Conservatorio Nacional de Música (ahora Universidad Nacional de Música) en los años de la violencia. Fue cuando hacía su doctorado en que se le ocurrió fundar una agrupación. “Mi papá trabajaba en el Instituto Nacional de Cultura y me llevaba a ver espectáculos: de música afroperuana, música clásica, veía todo tipo de teatro cuando yo era chiquito”, contó Alegría en entrevista con El Comercio, a manera de relatar su vínculo con las artes. El músico cuenta que la música afroperuana siempre estuvo en su entorno, además de que en el conservatorio tuvo la oportunidad de aproximarse al jazz. Ambas corrientes terminaron por unirse en su estilo. Para el músico, los ritmos afroperuanos son únicos por el cómo se han desarrollado; apuntó además que existe un vínculo con el jazz: tanto Lima como Nueva Orleans (cuna del jazz) son ciudades criollas, que mezclan culturas. “El jazz nació así, a partir de la cultura latinoamericana, de la cultura europea, de la cultura afrodescendiente, toda mezclada en esta ciudad que era muy particular. Y en Lima, el criollismo, la música afroperuana. Y cuando empiezan a conversar estas dos músicas, nos hemos dado cuenta que hay un sinfín de similitudes y afinidades, tanto en lo técnico como en lo vivencial”, dijo el músico, quien es además nieto del escritor Ciro Alegría. ¿Por qué el álbum se llama “El Muki”? La idea vino en primer lugar por la noticia de unos mineros atrapados en un socavón; era una forma de conmemorar el rescate, pues el muqui es un personaje de la mitología andina de estatura baja, travieso, habitante de las minas, que están bajo su protección. En el sentido del disco tiene otro significado; ha sido convertido en un protector del arte sonoro, que en palabras del líder del sexteto corre peligro por el uso irresponsable de la inteligencia artificial. “No estamos en contra del uso de la IA como una herramienta, pero a lo que sí nos oponemos rotundamente es que se esté obligando, y logrando, que la gente la consuma sin saberlo, sin darse cuenta, y que empiece a reemplazar, en el caso nuestro de la música, y del arte hecho por seres humanos con instrumentos de verdad, con espíritu verdadero”, sostuvo Alegría. “Me da absolutamente igual lo que piense la crítica”, dijo Alegría sobre las cómo podría ser recibido este álbum donde hicieron “lo que les dio la gana”. “Hay cosas que son superdisruptivas y, en el mundo el jazz, seguro nos van a mandar a volar. O sea, los neoyorquinos conservadores del jazz y esa gente que son fans de lo que hacemos, pero yo creo que en alguna de estas piezas le van a parecer que ‘quemamos’”, subrayó. El concierto en el Segura será el lugar para salir de dudas. DATOS “El Muki” en vivo, 27 de julio a las 6:00 p.m. en el Teatro Segura (Jr. Huancavelica 265, Lima). Entradas a la venta en https://jazzperu.org/ El álbum llegará a plataformas digitales el 15 de agosto. También han participado en el álbum como invitados los músicos Antonio Vílchez, (baile y zapateo) y Carlos Espinoza (saxo). La portada, que presenta a un muqui de tres ojos, es autoría del artista huancavelicano Jesús Ruiz Durand. Source link