3 de julio de 2025

Con un lleno total, Tito Nieves celebró sus 50 años de trayectoria artística en el Gran Teatro Nacional de Lima, ofreciendo un concierto el pasado 29 de junio. La velada contó con la participación especial de Gianmarco, Daniela Darcourt y Christian Alicea, quienes se unieron al salsero en distintos momentos de la noche. El show comenzó alrededor de las 5:00 p. m. con el tema “Señora Ley”, dando paso a un repertorio cargado de clásicos de la salsa romántica. Durante el concierto, Tito hizo una pausa para recordar a Héctor Lavoe, en un nuevo aniversario de su fallecimiento, y también invitó a su esposa Janette al escenario para agradecerle su apoyo a lo largo de su carrera. Tito Nieves durante su concierto en el Gran Teatro Nacional de Lima, el pasado 29 de junio. | Foto: @pierocolomer CONOCE MÁS: Lalo Schifrin (1932–2025): fallece el creador del mítico tema de “Misión: Imposible” Grandes éxitos y momentos memorables El repertorio incluyó temas como “El amor más bonito”, “Fabricando fantasías”, “De mí enamórate”, “I’ll Always Love You”, “Almohada”, “Tuyo”, “Más que tu amigo” y “Lo que son las cosas”, entre otros. Uno de los momentos más destacados fue la sorpresiva aparición de Gianmarco, quien interpretó junto a Nieves el tema “Si me tenías”, protagonizando un emotivo abrazo al final de la canción. Tito Nieves y Gianmarco en el Gran Teatro Nacional | Foto: @pierocolomer MÁS INFORMACIÓN: Lenin Tamayo finaliza etapa como artista independiente con recital en el Circuito Mágico del Agua Daniela Darcourt y Christian Alicea: sus invitados Daniela Darcourt también tuvo una participación especial al interpretar “Si tú te atreves” junto a su mentor Tito Nieves, en una de las presentaciones más emotivas de la noche. Tito Nieves y Daniela Darcourt | Foto: @pierocolomer Posteriormente, se unió a Christian Alicea para cantar “Qué más da”, tema incluido en el nuevo álbum de la peruana, ‘Soy’. Daniela Darcourt y Christian Alicea en el Gran Teatro Nacional | Foto: @pierocolomer Por su parte, Alicea interpretó “La salsa vive” y mostró su destreza en las congas, aportando energía y ritmo al escenario. Daniela Darcourt, Christian Alicea y Tito Nieves en concierto | Foto: @pierocolomer El concierto culminó con “I Like It Like That”, interpretado por Tito junto a Daniela y Christian, desatando una fiesta en el Gran Teatro Nacional. VIDEO RECOMENDADO: Source link

Basada en el cómic de Greg Rucka y Leandro Fernández del 2017, “La vieja guardia” (“The Old Guard”) es una película sobre unos héroes inmortales que, pese a esa condición, no llevan trajes de látex, capas ni muestran superpoderes demasiado especiales (salvo la regeneración física que los hace vivir eternamente). Predomina en ellos la rudeza al momento de la acción, y la discreción en su día a día, para evitar que el mundo se entere que llevan siglos de vida. Si la primera cinta del 2020 tuvo como protagonista a Charlize Theron (en el papel de Andy, la líder del grupo de inmortales), la secuela que se estrena este miércoles 2 de julio agrega a otra actriz notable como antagonista: Uma Thurman. “El corazón roto y crispado de esta inmortal me pareció bastante único”, dice Thurman sobre Discord, su personaje, en conversación con El Comercio. Y enfatiza la motivación para aceptar el papel: “Ha sido emocionante y divertido volver al género de acción después de tanto tiempo alejada. Y ocurrió sin haberlo buscado, sentí simplemente que era el momento perfecto”, cuenta la recordada Beatrix Kiddo de “Kill Bill”. Sobre el desafío de interpretar a una villana, Thurman resalta que el personaje de Discord parece “atrapado en la frustración y la falta de esperanza”. “Posee una crispación particular –asegura– y creo que funciona como un balance frente al personaje de Charlize, que sí mantiene una esperanza. Al estar en orillas opuestas, verlas colisionar hace que la película tenga un desenlace tan interesante”. Uma Thurman y Charlize Theron en una escena de «La vieja guardia 2». (Foto: Netflix) CARA A CARA Quien también destaca ese encuentro entre Thurman y Theron es la cineasta Victoria Mahoney, encargada de dirigir esta secuela y confesa privilegiada de tener a dos actrices de calibre a sus órdenes. “Las dos son formidables –nos responde cuando le consultamos por ellas–. Tienen una habilidad para darle la vuelta a un diálogo, o para mover sus cuerpos en una escena de acción, que es simplemente electrizante. Cuando se paran frente a frente algo mágico y maravilloso ocurre. Es el tipo de personas con las que sueñas trabajar”. Respecto a la tarea de tomar las riendas de “La vieja guardia 2” (la primera entrega la dirigió Gina Prince-Bythewood), Mahoney admite que intentó darle un mayor sentido de intimidad y de interpersonalidad a la historia, que en esta ocasión gana claramente en peso dramático. “Hemos tratado de llegar a lo más profundo de cada personaje, descubrir sus facetas menos conocidas”, señala. La directora de «La vieja guardia 2», Victoria Mahoney (al centro), junto a integrantes del elenco. (Foto: Eli Ade/Netflix) La película, además, se mueve por locaciones de todo el mundo, con personajes desplazándose entre continentes minuto a minuto. “La escala global de esta historia es vital. Muchas películas estadounidenses terminan por desarrollarse solo entre Chicago y Nueva York, pero en este caso es importante que estos héroes luchen por la justicia en todo el mundo”, explica. Y en ese sentido, la cineasta destaca la relevancia que tiene esta trama sobre inmortales que buscan salvar a un mundo caótico y explosivo, tan parecido al que habitamos en la realidad. “Cuando una película se estrena, me interesa saber qué está ocurriendo en el mundo real en ese momento –asegura Mahoney–. Y que el tema resuene en la audiencia a gran escala, pero también a un nivel individual. Que la gente sea lo suficientemente inquisitiva para hacerse preguntas”. Source link

Las comedias de enredos siempre tienen un mercado en Lima, y allí es donde entra “Un robo hasta las patas”. Escrita por Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields del grupo Mischief Theatre, se estrenó originalmente en Londres en 2016 y desde el último fin de semana tiene funciones en el Teatro Peruano Japonés. Dirige Juan Carlos Fisher, que desde hace unos años divide su vida entre Lima y Madrid, donde maneja con soltura el humor (“Escape Room”), el suspenso (“2:22”) y el drama (“Personas, lugares y cosas”). “[La obra] me ha hecho bien al alma porque venía de hacer bastantes obras bien dramáticas y a mí me gusta ir balanceando un poco, como en la vida. No todo el día podemos ver a Tarkovski”, contó Fisher a El Comercio. El dramaturgo ya estaba familiarizado con el trabajo del Mischief Theatre, del cual ya había adaptado una comedia anteriormente. “‘Un robo hasta las patas’ me cautivó. No solamente por este manejo del humor que tienen los autores, sino por cómo juegan con el género y todos los riesgos, las dificultades que te proponen y que necesita el montaje”. Este Diario fue testigo de su proceso de trabajo en los ensayos, donde dice claramente lo que necesita no solo de sus actores, sino de todo el equipo técnico. Performance, posición de los actores y disposición de la escenografía; todo eso forma un conjunto que da cuerpo a la obra. Y en el interín también hay tiempo para para reírse un rato con el elenco. El robo que sale mal La obra sigue a Mitch (Andrés Wiese) y Neil (Óscar Meza), criminal y guardia de prisión que unen esfuerzos para robar el banco donde será resguardado un diamante. Pero todo lo que podría salir mal, sale mal en una treta donde también se involucran Betty (Patricia Barreto), hija del gerente del banco, y Sam (Emanuel Soriano), estafador experto. El director hace parecer fácil lo que en realidad es un trabajo complejo. Eso se cumple particularmente en esta obra, que en varias escenas requiere de sincronización, donde dos situaciones pueden estar ocurriendo al mismo tiempo y el humor surge del contraste entre ambas. Si una se adelanta a la otra, no funciona. ¿Cómo consigue Fisher este nivel de precisión? “Para eso es importante tener un elenco con ganas de volverse loco, con ganas de probar, de arriesgarse en términos escénicos, de jugar y ver hasta dónde podemos estirar la situación”, dijo. Y si hay una escena que representa mejor esta propuesta, esa es la del dormitorio, donde todo parece a punto de desmoronarse para los personajes. Últimamente Fisher ha estado trabajando con escenarios minimalistas, hechos para que el espectador los complete en su cabeza. No es así en “Un robo hasta las patas”, donde incluso escenas que solo duran pocos minutos tienen escenografía elaborada que sumerge al espectador en la historia. Por eso mismo ha dispuesto que al acabar la función el equipo técnico también salga a escena a recibir los aplausos del público. Y volviendo con los actores, en su mayoría se trata de personas con las que ha trabajado anteriormente o que son sus amigos. En cambio alguien con el que no había trabajado es Claret Quea, quien interpreta al practicante del banco; el actor da vida a un pusilánime que se roba las escenas. Lo mismo ocurre con Sebastian Ramos, quien da vida a otro trabajador del banco. Para Fisher ambos son el futuro del teatro peruano. Sepa más “Un robo hasta las patas” (“The Comedy About a Bank Robbery”) Fechas: Desde el 29 de junio al 21 de julio Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María) Horarios: Lunes, jueves, viernes y sábados a las 8:30 p.m. Domingos a las 7:00 p.m. Entradas: A la venta en Joinnus. Source link

Todo empieza con un temblor casi imperceptible. Un crujido en la madera. Una sombra que se estira. En la infancia, basta una lámpara encendida a medias para que el mundo se convierta en territorio hostil. Ahí, en la penumbra del cuarto, se gestan los primeros miedos: criaturas sin forma, monstruos debajo de la cama, ojos flotantes que parpadean desde las paredes. Con el tiempo, los adultos y la lógica se encargan de explicarlo todo. Pero lo cierto es que los monstruos no se van. Solo aprenden a disfrazarse mejor. La premisa de “La ópera de los monstruos« es clara: durante una pijamada, Manu y sus amigos se adentran en un universo onírico donde los sentidos se intensifican y las emociones toman cuerpo en monstruos extraños y fascinantes. Esta ópera poco convencional —que cruza títeres gigantes, danza, instalaciones visuales y música en vivo— propone un viaje escénico en el que el humor, el canto y la sorpresa invitan a mirar de frente lo que no entendemos. A reconocer en lo extraño una forma distinta de crecer. “Lo que queremos es acercar la ópera a todas las edades, sin solemnidad ni prejuicios. No es una obra solo infantil: está pensada para niños, adolescentes y adultos —explica Natalia Chami, cocreadora junto a Azul Borenstein y Yuriria Fanjul—. Los monstruos no vienen a asustar, sino a mostrarse, a decirnos algo. A veces, lo que no entendemos simplemente necesita ser visto con otra luz”. La composición musical está a cargo de Rodrigo Cadet y la dirección musical de Gonzalo Sánchez Villanueva. Aquellos nuevos monstruos A medida que crecemos, los monstruos se mudan de lugar. Salen del clóset o de debajo de la cama para instalarse en zonas más borrosas: el miedo al fracaso, al rechazo, a no encajar. La ópera de los monstruos también trata sobre eso. “Iniciamos este proyecto queriendo enseñar a los niños a reconciliarse con sus miedos, pero en el camino ellos nos enseñaron a reconciliarnos con los nuestros —menciona Yuriria Fanjul—. Los niños no tienen las barreras que sí cargamos como adultos. Juegan sin miedo, cantan sin vergüenza, se permiten sentir asco o risa sin juicio. Nosotros les tememos a muchas cosas que ellos todavía enfrentan con naturalidad”. El elenco está conformado por el soprano Alejandra Llenque, el barítono Andrés Asencio, la pianista Ana Osnayo y los actores César Chirinos, Marco Flozu y Lucila Shmidt. Y es que hay algo profundamente liberador en ver a un monstruo que canta en idioma monstruo, que se tropieza con una baba y provoca carcajadas. La puesta encuentra ahí una de sus claves: el humor y la abstracción no solo entretienen, también desarman lo temido, lo vuelven próximo. El lenguaje escénico se cruza y se desborda, sin perder claridad ni perder de vista al espectador: invitarlo a jugar, a sentir, a imaginar. Ese respeto por la complejidad infantil enfrenta hoy un desafío mayor: captar la atención de una generación moldeada por el scroll y la inmediatez. “No podemos competir con los reels ni con el celular —reconoce Azul Borenstein—, pero sí podemos seguir ofreciendo otras formas de estar presentes. Propuestas sensoriales, visuales, que activen el cuerpo y las emociones. No se trata de prohibir las pantallas, sino de abrir otras puertas”. «La Ópera de los Monstruos» una colaboración entre la Compañía Flotante (teatro para niños, Perú–Argentina) y STAGE of the ARTS (compañía de ópera y teatro, México). “La ópera de los monstruos” apuesta por eso: recuperar el asombro desde lo tangible, lo teatral, lo imperfecto. No propone una historia cerrada ni una moraleja masticada. Propone una experiencia que termina como empezó —con un crujido, una sombra, una risa— porque el miedo nunca se va, solo aprendemos a nombrarla. Sobre «La ópera de los monstruos» Temporada: Del 28 de junio al 13 de julio de 2025 Funciones: sábados y domingos, 4:00 p. m. Lugar: Teatro del Centro Cultural de la Universidad del Pacífico. Entradas disponibles en Joinnus. La Compañía Flotante: @flotanteinstalacion y STAGE of the ARTS: @stageartsmx Source link