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La película comienza solo con David Byrne, el líder y vocalista de la emblemática banda Talking Heads, interpretando en solitario su clásica “Psycho Killer”. Para la siguiente canción se suma la bajista Tina Weymouth; y luego entra el baterista, después más guitarras, se unen los coros, los timbales, el sintetizador. Todo sobre un escenario con pinta de ‘backstage’. “Stop Making Sense” es como un guante volteado, que exhibe sus costuras, pero que hay que regresar lentamente a su forma original para apreciarlo en todo su esplendor. LEE TAMBIÉN: “Kinra”, película cusqueña ganadora del Festival de Mar del Plata, anuncia su estreno en Perú Se suele decir que este es el mejor concierto jamás filmado. Y, en efecto, es difícil rebatir tal afirmación. Por obra y gracia del gran Jonathan Demme (1944-2017), se trata de una puesta en escena magnífica, que permite poner en primer plano la dimensión musical del show, pero a la vez observar sus valores cinematográficos desde la sutileza y la sobriedad: los vestuarios grises de la banda, para evitar estridencias; el tan bien calculado juego de cámaras, que nunca abusa de piruetas; el sentido del ritmo, que va escalando conforme avanza el metraje. Hay que recordar que Demme no fue solo el director de verdaderos clásicos del cine como “El silencio de los inocentes” (1991) y “Philadelphia” (1993), sino que también realizó más de un documental musical: desde una serie de trabajos junto a Neil Young, colaborador frecuente, hasta uno con la estrella pop Justin Timberlake, estrenado poco antes del fallecimiento del cineasta. Imposible no destacar el papel de David Byrne en la película, desde luego. No solo porque su genio musical ya mostraba por entonces su gran curiosidad melómana, explorando desde el new wave otros sonidos provenientes del funk, el R&B, la electrónica y el world music; sino también por su fascinante carisma y cualidad de performer: observarlo bailar con una lámpara o entrar al escenario con el icónico terno gigante se cuentan entre los momentos más memorables del documental. “Stop Making Sense” se filmó durante cuatro noches a fines de 1983 y se estrenó en 1984. Para conmemorar su aniversario 40, la película fue restaurada en 4K y reestrenada en el ámbito mundial, con la suerte de que esté llegando en unas pocas funciones al Perú. Un acontecimiento imperdible porque la pantalla grande es su lugar. Mucho se ha hablado de que, salvo en la última canción, la película nunca muestra al público, sumergido en las sombras del teatro que alberga el espectáculo. Una decisión artística tomada por Demme que acerca e iguala al espectador del concierto con el espectador del cine: ritual a oscuras que se puede disfrutar sentado o bailando de pie, pero que al fin y al cabo reúne la magia de la música y de los fotogramas en una sinergia formidable. Calificación: 5/5. Sepa más Cuándo y dónde verla “Stop Making Sense” se proyectará solo el jueves 17 y sábado 19 de octubre en Cineplanet San Miguel y Cineplanet Mall del Sur. Entradas a la venta en la página web del cine. Source link

MIRA TAMBIÉN: La nueva apuesta de Virgilio Martínez: el chef peruano más premiado alista plataforma de experiencias en gastronomía En esos intermedios, Kravitz encontró una voz propia que lo llevó a escalar rápidamente en las listas musicales y en los medios, donde empezaba a hacerse eco de los contrastes en sus composiciones y en su historia personal. De madre negra, originaria de las Bahamas y actriz, y de padre blanco, judío y autoritario, su infancia la pasó entre el barrio más rico de Nueva York, el Upper East Side, donde lo llamaban Lennie, y uno de los más conflictivos, el Brooklyn de los setenta, donde lo apodaban Eddie. En 2019, Lenny Kravitz ofreció un electrizante concierto en Lima como parte de su gira «Raise Vibration», donde interpretó solo grandes éxitos como “Are You Gonna Go My Way”, “It Ain’t Over ‘Til It’s Over”, “Fly Away”, “Again” y “I Belong to You”. (Fotos: Giancarlo Ávila) “Tuve que rebelarme cuando pude. Me fui de casa para aprender a hacer música. Salí a las calles, me eduqué a mí mismo y aprendí de este mundo y su gente. Elegí encontrar mi camino fuera de la comodidad de mis cuatro paredes porque eso era el espíritu del rock de aquel momento”, explica Kravitz en entrevista con El Comercio. La pasión musical, de la que hoy se siente orgulloso de aún mantener, apareció a los cinco años, reforzada por un ambiente familiar inclinado al jazz y las artes, por el lado materno. Años más tarde, cuando aún se hacía llamar Romeo Blue —inspirado en su ídolo, el cantante Prince— porque su verdadero nombre le parecía el de un “médico judío” y no el de un rockstar, emprendió una búsqueda por alcanzar la fama mundial. “Ahora puede que ya no llegues a la cima del mundo con el rock, pero el espíritu del rock and roll siempre está aquí. Aunque ya no tengamos bandas como antes y todo esté orientado a generar solistas y artistas fabricados, debe haber un gran rockero a punto de ser descubierto”, menciona Kravitz, quien es uno de los pocos cantantes de rock que mantienen su vigencia con temas que cuentan con millones de reproducciones y nominaciones a diversos premios. Rompiendo esquemas Luego de atravesar rupturas y polémicas que lo convirtieron en un rompecorazones mediático, el cantante abandonó a finales de los 90 su estética influenciada por Prince y buscó inspiración en figuras como Robert Plant de Led Zeppelin, Freddie Mercury de Queen y Jimi Hendrix. Adoptó así una prenda clásica para cualquier rockero: sus inseparables jeans negros ajustados, que, ya sea en el gimnasio o en el sofá de su sala, siempre los lleva puestos. “Fuera de los escenarios no pienso mucho en el estilo. Siempre uso lo que me gusta y con lo que me siento cómodo. La ropa y la moda me hacen sentir así, entonces me visto de esa manera porque me hace sentir bien”, detalla el cantautor. A lo largo de su carrera, Lenny Kravitz ha trabajado con grandes figuras de la música, incluyendo al icónico líder de los Rolling Stones, Mick Jagger. Juntos, lanzaron la canción «Use Me» en 1993. Y es que hablar de Lenny Kravitz es hablar de moda, especialmente de la vestimenta de un auténtico rockstar: chaquetas de cuero con detalles en metal o dorado, anillos, collares y gafas de sol, incluso en interiores. Pero también es hablar de una actitud frente al mundo y una filosofía de vida asociada a los excesos de todo tipo. Aunque, según nos cuenta, su vida ya ha cambiado de forma drástica durante las últimas décadas. Si en el pasado ser un rockstar significaba excesos al estilo de Mick Jagger o Axl Rose, hoy la tendencia se inclina hacia un estilo de vida que rompe con el paradigma convencional. Bandas como Royal Blood o Måneskin promueven un enfoque saludable, sin alcohol ni sustancias, y se pronuncian abiertamente contra su uso en redes sociales. “Ahora ser rebelde es estar saludable. Mantener cuerpo, mente y espíritu sanos es la nueva forma de ir contra la corriente. Conectarte con Dios y con el amor es algo que no mucha gente hace, porque la corriente principal del rock te dice que no vayas en esa dirección. Esa es mi manera de rebelarme contra todo”, afirma Kravitz. “Mis nuevos excesos son la salud, el bienestar y el entrenamiento. De lo contrario, no podría continuar haciendo lo que hago con la misma energía”, agrega el cantante, que cada mañana toma semillas de chía con aloe vera y limón para, según él, mantenerse joven. La vitalidad sigue acompañando a Lenny Kravitz, así como nuevos proyectos que incluyen películas, diseño, fotografía, pintura y dos discos que están casi completos. Por ahora, su nuevo álbum “Blue Electric Light”, cuyas canciones interpretará junto a sus éxitos, es el plato fuerte que traerá a Lima, ciudad de la que recuerda su última presentación en el Jockey Club el 2019 como una noche inolvidable que piensa repetir, no sin antes darse una vuelta por la gastronomía peruana, algo que ni siquiera un rockstar puede resistir. Sobre el concierto de Lenny Kravitz ·        Lugar: Arena 1 ·        Hora: 9:00 p.m. ·        Fecha: 8 de diciembre ·        Entradas disponibles en Ticketmaster Source link

Dos años después del éxito de Las Muchachas ―ya bajo el nombre de Las Chicas del Can― en República Dominicana, el empresario textil Jorge Villanueva emprendió una cruzada musical para replicar esa exitosa experiencia, agregándole un toque peruano. Así fue como recorrió las calles de Huancayo, seleccionando una por una a las nueve jóvenes de distintas edades que formarían parte de la primera agrupación femenina de cumbia en el Perú, La Gota Dulce. La banda debutó en 1984 bajo la dirección musical de la fallecida guitarrista Zulma Nieto, con Villanueva como su representante. Además, contaron con el apoyo del productor musical Miguel Ángel “Chombo” Rosales, con quien entrenaban y ensayaban en el tercer piso de un edificio ubicado entre la calle Real y el jirón Cajamarca en la ciudad de Huancayo. Lucy Carbajal, Doris Oré, Zulma Nieto, Moris Aliaga, Mariluz Mashan, La Bamba y Mirta Clemente eran parte de la agrupación La Gota Dulce (Foto: Archivo Guepaje) “Éramos muy jóvenes y la idea de formar un grupo de chicas nos llamó la atención a todas. No solo debíamos cantar y tocar nuestros instrumentos, también bailábamos y fuimos creando nuestra propia identidad como banda, en un proceso donde no intervenía ningún hombre”, recuerda la vocalista Doris Oré, actual solista folklórica conocida como Doly del Perú, quien en aquel entonces tenía 14 años. Juntas compusieron temas como “Tristeza de amor” y “Un día más”, éxitos que surgieron casi como un juego, dedicando sus canciones a amores ficticios o imaginando el despecho que, a su corta edad, casi ninguna había experimentado. “Cada una agregaba una partecita a la historia que contábamos, era como armar un cuento”, nos explica Oré, quien en aquel entonces era la segunda voz de la agrupación que recién comenzaba su aventura por los escenarios huancaínos. Una banda muy joven Aunque en ese entonces la libertad musical les permitió ensayar con la normalidad de cualquier agrupación de cumbia, la vida de muchas de las adolescentes de La Gota Dulce se dividía entre sus días en los pupitres de la escuela de monjas Nuestra Señora del Rosario y una carrera artística en pleno despegue. “Fue muy difícil para las más jóvenes porque muchas madres se oponían a que nos expusiéramos a un ambiente musical donde el público era adulto. Nuestras madres nos acompañaban a los conciertos, incluso si eran en provincias, y nuestros papás se reían, pues era motivo de orgullo. Cuando no nos dejaban ir, lo solucionábamos rogando y limpiando la casa”, menciona Oré, también llamada La Gotita. Asimismo, Jorge Villanueva siempre estaba pendiente de brindar seguridad adicional a las chicas, aunque muchas veces no fue necesario, dado el impacto que causaba en el público ver a un grupo de chicas tocando en vivo con ritmos que los hacían bailar. “Una vez fuimos a dar un show en Huancavelica, lleno de hombres, no había ni una sola mujer. Mi madre quería sacarnos, pero teníamos que dar el concierto. Nos miraban expectantes, era la novedad de ver qué iba a pasar. Zulma empezó con un solo de guitarra eléctrica y la gente comenzó a bailar. Esa noche terminó en una gran ovación, aunque con el reclamo de nuestras madres y el descontento de nuestros papás”, recuerda Oré. La Gota Dulce fue protagonista de diversas entrevistas en los años 80, donde compartían su experiencia como la primera agrupación femenina de chicha en el Perú. Muchos de estos archivos, aunque difíciles de encontrar, son un testimonio del impacto que tuvieron en la escena musical de la época, y algunos han sido rescatados por investigadores en eventos como Güepajé. (Foto: Archivo Doris Oré) Al son de los éxitos Por aquel entonces, vestían zapatos rojos, pantalones y polos blancos, con un saquito rojo, además de llevar un peinado corto y crespo para mantener la uniformidad. Así debutaron en el Costa Azul del Tambo, en Huancayo, donde tocaron junto a la recordada banda Los Shapis, con quienes compartieron escenario en diferentes oportunidades. “Sentíamos que éramos famosas al codearnos con los grandes de la cumbia, mientras el público nos aplaudía y nos miraba no con desprecio, sino con alegría por lo nuevo. Nunca nos sentimos extrañas en los escenarios, y el público tampoco lo hizo”, comenta Oré. “En nuestro repertorio también cantábamos covers, pero adaptábamos las canciones para cantarlas desde el punto de vista de la mujer lo que les gustaba a las mujeres del público, se sentían identificadas”, agrega. Doris Oré y Zulma Nieto, integrantes de La Gota Dulce, compartieron escenarios con Los Shapis en múltiples oportunidades durante la efervescencia de la cumbia andina en los años 80, siendo su principal apoyo. (Foto: Archivo Los Shapis) Después de un tiempo, emprendieron su camino a Lima para tocar junto a Jaime Moreira y Chapulín El Dulce, lugar donde aprovecharon en grabaron algunos de sus temas en un disco de vinilo, para luego regresar a dar conciertos en distintos eventos al rededor del Perú, donde el público las pedía por ser el peculiar grupo de chicas que podía animar cualquier ocasión. “Durante nuestros casi cinco años de vigencia, viajamos a diferentes provincias, dábamos entrevistas y la gente nos perseguía para conversar con alguna de nosotras. Las personas hacían cola para ingresar a nuestros conciertos, donde se armaban grandes fiestas”, recuerda Oré. El fin de la adolescencia y la agrupación Con el paso de los años, las diferencias en sus vidas profesionales afectaron a la agrupación, y finalmente se separaron, cada una tomando su propio rumbo en el ámbito artístico o académico. “Siempre estaba la frase: ‘recuerda que tienes que ser profesional’. Nuestros padres no consideraban que la música era una carrera, así que muchas lo veíamos como algo pasajero”, confiesa Oré. Sin embargo, siempre existió la esperanza de reagruparse para revivir aquellos momentos de éxito musical. “Intentamos traer de regreso a La Gota Dulce, pero el manager se fue del país, dos integrantes fallecieron jóvenes y no pudimos continuar con ese sueño”, explica Oré, quien tiene una licenciatura en Educación. Aunque ya casi no mantiene contacto con

Han Kang forma parte de una generación de autoras cuya infancia transcurrió en la última década de una dictadura, su adolescencia en el tránsito hacia la democracia y su vida adulta en un período de entresiglos en el que la mujer coreana busca reconstituir sus roles, sometida por siglos por la herencia confuciana. Nació en 1970 en Gwanju, cuya población, tras una gran manifestación en 1980, sufrió una masacre que aún resulta una herida abierta. Si bien Han Kang se había mudado a Seúl con su familia antes de la masacre, este hecho la marcó profundamente, como a toda la sociedad coreana. En su juventud, abrazó los estudios budistas, lo cual, de alguna manera, se mantiene presente en su escritura, sobre todo en la problematización del cuerpo, la mente y su armonía. Han Kang no es una autora desconocida. Desde sus primeras publicaciones, obtuvo varios premios literarios de gran importancia en Corea, entre ellos el prestigioso Premio Yi Sang en el 2005. Su internacionalización, hay que decirlo, se dio primero en español: en el 2012 la publicó una editorial independiente de Buenos Aires, gracias a la traducción de Sunme Yoon, infatigable difusora de la literatura coreana. Se trataba de “La vegetariana”, novela con la que obtendría, cuatro años después, el Booker Prize. En estos últimos ocho años, su prestigio no ha hecho más que crecer. Lo íntimo y lo colectivo Su obra narrativa busca integrar lo íntimo y lo colectivo. Anhela su armonía. Para lograrlo, pone en tensión la intimidad y su expresión sensible, es decir, el cuerpo. Cuerpos vivos, cuerpos muertos. Basta leer sus novelas “Actos humanos” (2014) o “Blanco” (2016), o la reciente en español, “La clase de griego” (2011), o la tan celebrada “La vegetariana” (2007), para entender el proceso de exploración narrativa de Han Kang. En “La vegetariana”, la protagonista decide no comer carne, a propósito de una pesadilla recurrente, y esta decisión supuso una alteración en los roles femeninos en una sociedad coreana competitiva y patriarcal. La decisión sobre su propio cuerpo afecta su relación conyugal, altera a sus padres, a su hermana, a todo a quien la rodee. Esta novela atrajo la atención de la lectoría internacional y propició la traducción de otras autoras, como Cho Nam-joo y su novela “Kim Ji-young”, nacida en 1982; “Conejo maldito” y “Semilla”, de Bora Chung; “El buen hijo”, de la escritora You-Jeong Jeong; y la joven autora Kim Cho-yeop y su fabuloso libro de cuentos “Si no podemos viajar a la velocidad de la luz”. Hemos podido acercarnos a nuevas traducciones de su obra: “Actos humanos”, una novela coral ambientada en los días de la masacre de Gwangju, nos replantea la muerte, el miedo, la angustia, la solidaridad, todo aquello a lo que se enfrenta el ser humano ante terribles y absurdas amenazas bajo el totalitarismo. O a sus cuentos, como el celebrado “Los frutos de mi mujer”, que forma parte de un género llamado “historias de apartamentos”, en el que una mujer se va transformando en planta, sembrada en una maceta del balcón de su estrecho apartamento, ante la extraña impasividad de su marido. Sin duda, hay mucho por leer de ella y de sus congéneres coreanos, porque el presente otorgamiento del Nobel a Han Kang, a mi parecer, es un premio a la autora, pero también a toda una literatura. Source link

Después de cinco años, Paul McCartney regresó a Argentina donde ofreció dos conciertos en el Estadio Monumental de River Plate. El exintegrante de The Beatles desató la euforia de los fanáticos, quienes esperaron con ansias volver a verlo, sin embargo, hubo un fan en especial que también se robó la mirada de todos: Charly García.  La leyenda del rock, acompañado de su pareja Mercedes Iñigo, asistió a primer show del intérprete de Let It Be. Antes de ingresar al recinto, se tomó fotos con varios seguidores quienes se emocionaron por verlo esa noche.  El último fin de semana, Paul McCartney vibró en el escenario recibiendo la ovación de sus fans argentinos y de Charly García, que disfrutó de todo el concierto desde una buena ubicación en el estadio. La gira Got Back del cantante llegó a Latinoamérica este mes y ya recorrió Uruguay y Argentina. Le falta Chile y Brasil antes de pisar Perú. Al igual que en otras giras del músico, el repertorio incluirá canciones de sus legendarias bandas The Beatles y Wings, así como temas de su carrera en solitario. Te recomendamos Paul McCartney hizo sold out para su concierto en Perú Tras el inicio de la venta de entradas para el concierto de Paul McCartney en Lima, estas se agotaron por completo. El legendario músico británico, que regresa de la mano de Radio Oxígeno, se presentará el 27 de octubre en el Estadio Nacional. Masterlive Perú, la productora a cargo del evento, compartió la emocionante noticia en sus redes sociales: «La leyenda viva de la música ha logrado un increíble sold out justo el día de su cumpleaños y no hay mejor obsequio de parte de los fans que un estadio lleno para su ídolo». «Gracias a todos los que han hecho posible este momento histórico. Nos vemos el 27 de octubre para disfrutar con los mejores éxitos musicales que han marcado la vida de muchas generaciones», agregaron. El anuncio provocó una gran respuesta de los fanáticos, quienes solicitaron abrir una segunda fecha. ¿Cuántas veces ha venido Paul McCartney a Perú? Esta será la tercera vez que el exintegrante de The Beatles se presentará en Lima y la segunda que sube al escenario del Nacional. El 9 de mayo de 2011, McCartney ofreció un repertorio variado en el Estadio Monumental, una noche que sirvió para rendir homenaje a The Beatles con temas como Hello, Goodbye, All My Loving, Blackbird y Eleanor Rigby. También recordó a George Harrison con su éxito Something y a John Lennon, interpretando la emotiva Here Today. Tres años después, regresó al Perú para promocionar New, su último disco en ese momento. En esa ocasión el concierto tuvo lugar en el Estadio Nacional, donde comenzó con una poderosa mezcla de canciones de la primera etapa de The Beatles. Tras casi tres horas de concierto, McCartney cerró con The End, el mítico tema del álbum Abbey Road del cuarteto de Liverpool. Source link

Si por azares del destino el Melgar FBC de Arequipa y Millonarios FC de Bogotá se enfrentaran, encontrarían en su contrincante dos cosas en común: la pasión por el fútbol y el himno “Los valientes no mueren, ellos siempre viven aquí”, un extracto de la canción “El último huayno” de la banda de rock arequipeña X Dinero. Esta banda, que en sus inicios fue un grupo de fútbol, rápidamente colgó los botines para dedicarse a hacer música que conquistaría a sus coterráneos en las faldas del Misti y al público de tierras extranjeras. Al principio, se llamaban Baretto (1986), mucho antes de la aparición de la banda de música tropical que lleva el mismo nombre, pero con una sola “t”. Y aunque aún no hacían bailar a nadie, su sonido de rock progresivo, que emulaba a grupos como Serú Girán, tomó gran relevancia en varios espacios del rock nacional. Roni Carbajal se comprometió a dedicarle una canción al equipo rojinegro, del cual es hincha, durante una entrevista. Cumplió su promesa tras las victorias del club en la Copa Sudamericana del 2022 Uno de sus grandes momentos fue su participación en el concurso de rock en 1986 organizado por la desaparecida emisora local de Arequipa, Aeroestéreo, donde consiguieron ganar con su tema “Olga”, que fue elogiado por su composición vanguardista, interpretada con una guitarra improvisada que tenía una sola cuerda. Aunque, en realidad, se tocó así porque no había dinero para comprar las demás cuerdas. Esta etapa concluyó tras el viaje de los principales compositores de la banda, el fallecido Renato Gálvez y Roni Carbajal, fuera del país. Sin embargo, tras su regreso a inicios de 1997, la necesidad de continuar haciendo música volvió a juntar a Roni “Perico” Carbajal (voz), Mauricio “El Oso” Gonzáles (guitarra), Alonso “Bart” Málaga (bajo) y Renato “Huevito” Gálvez (batería) en una nueva aventura marcada por la irreverencia, la rebeldía y letras que desafiaban los límites de lo políticamente correcto. El estadio Nemesio Camacho El Campín de Bogotá (Colombia) exhibiendo la letra del tema de X Dinero, «El último huayno». (Foto: Archivo X Dinero) “La necesidad te hace pensar, en nuestro caso fue hacer música comercial. ¿Qué tan difícil podría ser? Era colocar letras y ritmos para que la gente bailara y disfrutara. Yo no quería cantar, mi voz es horrible, parecía vendedor de catre pidiendo botellas. Nunca pensé que cambiaríamos de estilo, pero me convencieron y estoy feliz de que así pasara”, menciona el vocalista y compositor de X Dinero, Roni Carbajal, en entrevista con El Comercio. Fue así que cambiaron su inspiración en Spinetta por la de Pedro Suárez-Vértiz, y la de Charly García por la de Miki González. Para coronar esta nueva propuesta, que se consolidó a mediados 1997, adoptaron el nombre X Dinero —una burla hacia sus propias intenciones—, marcando así el inicio de una etapa guiada por la pasión musical y la filosofía de los excesos del rock. De Arequipa a Lima Aún bajo el nombre de Baretto, su camino musical los llevó a viajar por primera vez a Lima con la meta de grabar su primer disco homónimo, titulado Baretto, el cual se encuentra perdido. “Llegamos a Lima en verano, sin plata, vendiendo chupetines, comiendo chifas de cinco soles, con rumbo a la casa de Tavo Castillo de Frágil. Un perro, como en la canción ‘Pilón’, fue nuestro guía y nos llevó por casualidad a la casa de Tavo para luego desaparecer —nos cuenta Carbajal—. Finalmente, él nos mostró el estudio Amigos, en La Victoria, donde grabamos ese álbum”. Luego de regresar a Arequipa, donde vendieron algunas cosas para financiar ese álbum —motos y pertenencias personales—, pasarían muchos años antes de regresar una vez más a Lima. Esta vez bajo el nombre X Dinero y con la idea de grabar un disco de forma rápida, tal y como Carbajal compuso las letras de las canciones en una semana, debido a los altos costos de los estudios. “Llegamos a las 5 de la mañana a Pueblo Libre, a un estudio llamado El Techo. Fuimos corriendo a grabar sin desayunar y terminamos tan rápido, por el miedo de que nos quedáramos sin plata, que nos sobraron tres horas —recuerda Carbajal—. Aprovechamos para almorzar pan de molde con gaseosa y nos pusimos a pensar qué hacer. Entonces, Renato me dijo que debíamos grabar un tema que hice en una tarde, el tema era ‘Ella besa así’”. El nombre de la banda, X Dinero, refleja su sinceridad: se reunieron porque tenían necesidades económicas y lo mejor que sabían hacer era música. Así, empezaron a tocar literalmente «por dinero». Aquel primer álbum titulado “Triste Realidad” (1997) fue un éxito musical que resonó en diversas radios a nivel nacional y se expandió gracias al boca a boca de muchos amantes del rock nacional. Esto impulsó a la banda a continuar su aventura, una que casi concluye rápidamente con una llamada inesperada a Roni Carbajal. “Mis padres habían fallecido antes de fundar X Dinero. Yo estaba solo en Arequipa, animado por mis amigos de la banda. Entonces, mi tía me mandó el dinero para que comprara mi pasaje de avión y regresara a Canadá. Ya habíamos grabado y teníamos nuestro primer concierto en la discoteca Noa Noa de Moquegua. Prometí que me iría luego del concierto, pero me fui un sábado a tocar y nunca más me quise largar del país”, comenta Carbajal. Otra ocasión en la que la banda estuvo a punto de desintegrarse fue en 2015, cuando se dirigían a dar una serie de conciertos al aire libre en la Huacachina y otras localidades. Un accidente en la Bajada del Toro, rumbo a Camaná, casi resulta fatal. “Estábamos en la parte posterior del bus, tomando tragos y bromeando, hasta que vimos a nuestro bailarín levitar y a golpearse contra los asientos del bus en el aire, parecía una película de terror. Luego todos comenzamos a levitar y, cuando nos dimos cuenta, el bus se había salido de la carretera y estábamos en caída libre”,

El tiempo de espera terminó para los fanáticos de Shakira, ya que la superestrella colombiana ha confirmado una segunda fecha en Lima con su gira “Las mujeres ya no lloran World Tour”. Este segundo concierto se llevará a cabo el 17 de febrero en el Estadio Nacional, luego de que el primer evento, programado para el 16 de febrero, se agotara en tiempo récord. “Queremos que nadie se quede sin ser parte de este tour”, expresó Masterlive, empresa productora del concierto en Perú. De ese modo, la venta de entradas para esta segunda fecha comenzó este miércoles a las 5:00 p.m., y estarán disponibles a través de la plataforma Teleticket. “¡No te quedes fuera de este momento histórico!”, invitan los organizadores. Los boletos pueden adquirirse en el siguiente enlace: Teleticket. CONOCE MÁS: Shakira y Amazon se unen para promover la educación en ciencias de la computación entre los jóvenes hispanos Shakira en Lima: ¿Cómo comprar entradas para la segunda fecha? Para adquirir entradas del segundo concierto de Shakira en Lima, programada para el 17 de febrero en el Estadio Nacional, los fanáticos deben acceder a la plataforma Teleticket, donde la venta comenzará hoy a las 5:00 p.m. Los interesados pueden encontrar los boletos disponibles en el siguiente enlace: Teleticket. MÁS INFORMACIÓN: Estos son los pedidos especiales que hizo Shakira para su concierto en Perú: la puesta en escena será A1 ¿Qué precios tienen las entradas? El precio de boletos para el esperado concierto varían según la ubicación en el Estadio Nacional. Las zonas más exclusivas, como Campo A Izquierdo/Derecho, tienen un costo de S/795.00 a precio full. Campo B está disponible por S/568.00 a precio regular. Las zonas numeradas, como Occidente 1 y Oriente 1, tienen precios de S/694.00, mientras que Occidente 2 y Oriente 2 se ofrecen a S/568.00, respectivamente. La Tribuna Norte, una de las opciones más accesibles, tiene un valor de S/194.00 a precio completo. Finalmente, la zona de Conadis (occidente) está valorizada en S/ 555. Precio regular de las entradas para el concierto de Shakira en Lima | Foto: Teleticket (captura) Source link

Christina Rosenvinge se siente completamente agradecida con la música. La cantautora española considera que el disco “Que me parta un rayo”, que publicó en 1992 con su banda Christina y Los Subterráneos, se ha convertido en un clásico. Recuerda que cuando compuso las canciones de esa producción, no tenía realmente la certeza de que tendría la oportunidad de grabarlas. Tampoco imaginó que esas composiciones harían que cruce el océano Atlántico con su guitarra eléctrica para dar conciertos. “Mis primeros viajes a América fueron a Perú y a Chile. Cuando vine a América descubrí un continente entero lleno de pasión, belleza y de gente acogedora”, señala Christina Rosenvinge en esta entrevista exclusiva para El Comercio. Christina y Los Subterráneos darán un concierto este viernes 11 de octubre en el Centro de Convenciones Barranco para conmemorar el disco “Que me parta un rayo”. “Me da mucha alegría hacer este concierto en el que vamos a tocar el disco entero”, comenta. ¿Qué prefieres: componer, grabar en el estudio o cantar en el escenario? Bueno, son tres maneras diferentes de disfrutar la música. Componer es un momento muy mágico y muy bonito. Cuando encuentras la canción sientes como si fuera una conexión muy fuerte con fuerzas sobrenaturales. Da la sensación de que las canciones son una especie de fuerza divina en sí misma. Cuando te sale una buena canción parece que no se te ha ocurrido a ti. Crees que eres el mensajero de algo que se tenía que decir. Da una sensación muy bonita porque parece como si hubieras encontrado un diamante. Es una gran satisfacción. El estudio es un trabajo mucho más metódico. Digamos que se busca determinar cómo debe sonar la canción. Luego viene el momento de tocarlas frente al público. Es un momento de catarsis. Es el momento más bonito en el sentido de que es cuando ves que esa canción que has hecho en la intimidad llega al público. Es una energía muy especial. Varias canciones de Christina y Los Subterráneos siguen sonando en Perú desde la década de los noventa. ¿Cuando las compusiste, imaginaste que algo así podría pasar? Para nada. De hecho, cuando yo hice esas canciones ni siquiera sabía si iba a llegar a grabarlas. Fue una sorpresa total para mí encontrar tanto un público tan receptivo y tan empático al otro lado del Atlántico. Mis primeros viajes a América fueron a Perú y a Chile. Cuando vine a América descubrí un continente entero lleno de pasión, belleza y de gente acogedora. Los países americanos tienen una raíz cultural muy potente de la que he ido aprendiendo. La relación con el público peruano fue muy emocional desde el primer concierto en El Salonazo en la década del noventa. “Que me parta un rayo” se ha convertido en un clásico que va pasando de generación en generación. Fue un disco que cayó en un momento muy afortunado. Por eso yo creo que se convirtió en un éxito multitudinario. Christina Rosenvinge. Foto: ALESSANDRO CURRARINO / ARCHIVO EL COMERCIO / ALESSANDRO CURRARINO ¿Andrés Calamaro participó en algún disco de Christina y Los Subterráneos? Sí, participó en el disco “Mi pequeño animal”. En esa época Calamaro acababa de llegar a España y estaba armando la banda Los Rodríguez. En esa época la gente no sabía quién era Calamaro. Era amigo mío, entonces le invité para que haga coros en ese disco que se grabó en París. Hace coros en “Pálido” y “Días grandes de Teresa”. ¿La canción “Tú por mí” está inspirada en la realidad? Sí. La chica de quien hablo en la canción murió hace poco. Se llamaba Sara y era mi compañera de departamento. Vivíamos en un departamento compartido entre 5 personas. Nos hicimos muy amigas y empezamos a salir juntas por la noche. Íbamos al billar, a bailar, a conciertos. Hubo una época en la que yo tuve un novio y ella empezó a salir por su cuenta. Se relacionó con un chico malísimo que la metió en cosas muy malas. Ella desapareció una temporada en el submundo y luego volvió a aparecer. La canción la escribí durante esa época en que estuvo desaparecida. ¿Cuál es el tema de fondo que abordas en la canción “Voy en un coche”? “Voy en un coche” es un canto a la libertad y la independencia. Es una forma de decirle a la sociedad que no sigues el papel que te ha adjudicado y que debes encontrar tu propio camino. Esta canción hay que entenderla como una metáfora de libertad. La letra está llena de imágenes que dicen cosas. Algo curioso es que hace muchos años que no voy tanto en coche. Me gusta mucho más ir en bicicleta. ¿El personaje de la canción “Pálido” toma como referencia a alguien? Todos los personajes de ese disco son reales. Vivían alrededor mío. “Pálido” habla en concreto de un amigo. En esa época era un chico frágil y muy sensible. Él andaba en la angustia de vivir por la noche, de ir demasiado lejos y de probar los límites. Me preocupaba muchísimo, entonces escribí esa canción. La canción tenía un par de claves que él entendía y sabía que la canción era dedicada para él. Christina Rosenvinge y Los Subterráneos darán concierto en Barranco el 11 de Octubre. Imagen: joinnus.com ¿Tu concepto de la música ha cambiado con el paso del tiempo? No ha cambiado. Fue una maravilla lo que ocurrió con el disco “Que me parta un rato”. Por eso me da mucha alegría hacer este concierto en el que vamos a tocar el disco entero. De alguna forma es una conmemoración por su publicación hace 30 años. Ese disco me regaló un futuro en la música. He tenido la suerte de dedicarme a lo que me gusta y a lo que me entusiasma. Hacer canciones es mi forma de estar en el mundo. La música es mi manera de entender el mundo, de explicármelo a mí misma y a los demás en forma de creaciones. La música le ha dado

Lenin Tamayo, creador del Q-Pop (Quechua Pop), cautivó a la audiencia durante su primera presentación en la India, celebrada en el prestigioso Kamani Auditorium. Este evento, que forma parte del Asia Tour 2024, marca un hito en su carrera al buscar no solo mostrar su música, sino también fortalecer lazos culturales entre Perú y Asia. El concierto se caracterizó por una fusión de sonidos ancestrales y modernos, con una propuesta innovadora que combina instrumentos tradicionales andinos con beats electrónicos y coreografías inspiradas en el K-pop, así como letras musicales en quechua y español, en temas como “Intiraymi” e “Imaynata” resonaron entre el público indio. Lenin Tamayo en la India | Foto: Difusión CONOCE MÁS: Lenin Tamayo, creador del Q-Pop, ofrecerá show en la Expo Embajadas y alista su gira por Asia La elección del Kamani Auditorium reflejó la multiculturalidad del proyecto de Tamayo, donde la música se convierte en un vehículo para la conexión emocional y cultural. A través de su arte, Lenin Tamayo se presenta como embajador de la música y cultura peruana, llevando su propuesta más allá de América Latina. Su actuación en Nueva Delhi representa un paso significativo en su misión de unir culturas a través de la música. La gira de Lenin continuará con presentaciones en Tailandia y Vietnam, donde seguirá compartiendo su propuesta musical que ha dejado una huella profunda en el público asiático. Lenin Tamayo en la India | Foto: Difusión Presentación de Lenin Tamayo en Corea del Sur, en el programa “Simply K-Pop” de Arirang TV El pasado 30 de setiembre, Lenin Tamayo, creador del Q-Pop, marcó un importante hito en su carrera al presentarse en el programa “Simply K-Pop” de Arirang TV, uno de los medios más influyentes en la industria del K-pop en Corea del Sur. Este canal ha sido clave para artistas reconocidos a nivel global del mismo género. De ese modo, el artista peruano e hijo de la famosa Yolanda Pinares del Perú, interpretó su éxito “Intiraymi”, una pieza que fusiona sonidos tradicionales quechuas con melodías modernas del pop. La energía y carisma que exhibió en el escenario reflejan su habilidad para conectar culturas a través de la música. Arirang TV es un canal de televisión por suscripción coreano que opera en inglés desde Seúl, gestionado por la Korea International Broadcasting Foundation. Se ha establecido como un referente en la difusión de la cultura coreana y asiática a nivel internacional, ofreciendo documentales, programas educativos sobre la lengua coreana y segmentos entretenidos. Su nombre proviene de una famosa canción folclórica que simboliza la rica tradición cultural de Corea. Entre sus contenidos destacados se encuentra “Simply K-Pop”, donde el 30 de septiembre presentó al peruano Lenin Tamayo, creador del Q-Pop. Source link

Daddy Yankee y su esposa Mireddys González contrajeron matrimonio en 1995 y se han caracterizado por ser una de las parejas más sólidas en la industria musical. Sin embargo, de acuerdo con medios internacionales, la pareja ha decidido tomar caminos por separado.  Desde octubre de 2023 habían rumores de que tenían problemas en su relación ya que González no frecuentaba a las presentaciones del intérprete de Gasolina. Además, de acuerdo con el programa puertorriqueño Lo sé todo, se han dejado de seguir en Instagram y el cantante eliminó las fotos que tenía con su esposa.  Por otro lado, Daddy Yankee reveló que su matrimonio con Mireddys González estaba atravesando una crisis: «Cuando yo estaba en un hotel a oscuras, solo, supuestamente teniéndolo todo, había perdido lo más importante: una comunión con Jesús. Tenía problemas de familia, el matrimonio en caos. Y tras de eso quería salir a vivir una vida normal», expresó en agosto de este año. Ahora, el mencionado medio señaló que están separados. «Él está viviendo en Luquillo y Mireddys en la casa que tienen en Carolina», dijo el conductor del programa de espectáculos Fernan Vélez. Asimismo, People en Español mencionó que han tratado de comunicarse con la pareja, pero no han tenido respuestas. Daddy Yankee y su pareja Mireddys llevan más de 25 años de casados.Fuente: @daddyyankee Te recomendamos ¿Daddy Yankee se separó de Mireddys González por reconciliación con su hijo Jeremy? Si bien ni Daddy Yankee ni Mireddys González se pronunciaron sobre su supuesta separación, el programa especuló que la razón por la que el reguetonero se distanció de la madre de sus hijos sería porque Yankee se reconcilió con su hijo Jeremy Ayala. Mencionaron que ambos se distaciaron por una pelea entre él y González.  La pelea se habría dado en redes sociales cuando Mireddys contó en vivo su situación familiar y mencionó a todos menos a Jeremy, sin embargo, no se conoce el trasfondo de la riña entre madre e hijo. Tiempo después, Yankee subió una foto con su hijo en Instagram donde agradece a Dios por permitirle limar aperezas con su hijo. «El Espíritu Santo tiene el poder de restaurar la familia, las amistades rotas y, lo más importante, a uno mismo. Él recoge cada pedazo del suelo y vuelve a reconstruir todo nuevo. Solo tienes que tomar la decisión de rendirte ante él y verás grandes cambios en tu vida», escribió. Daddy Yankee se reconcilió con su hijo Jeremy Alaya.Fuente: @daddyyankee ¿Cómo inició el romance de Daddy Yankee y Mireddys González? Ramón Luis Ayala Rodríguez, más conocido como Daddy Yankee, y Mireddys González tienen una de las relaciones más sólidas y discretas en el mundo del entretenimiento. Se conocieron cuando eran adolescentes y han estado juntos desde entonces. Su historia de amor comenzó mucho antes de que Yankee alcanzara la fama mundial como pionero del reguetón. En 1994, cuando él tenía solo 17 años, se casaron, mucho antes de que él lograra la fama mundial. Juntos tienen tres hijos: Yamilet, Jesaaelys y Jeremy. A lo largo de los años, ha sido una figura clave en la administración de su carrera, trabajando tras bastidores en su equipo de producción y como gerente de El Cartel Records, la empresa discográfica del cantante. Aunque rara vez hablan públicamente sobre su relación, en ocasiones especiales han compartido pequeños homenajes. Daddy Yankee ha mencionado en varias entrevistas que Mireddys ha sido su “mejor amiga” y su “sistema de apoyo”. En 2018, ambos celebraron su 23º aniversario de matrimonio, y Daddy Yankee le dedicó un emotivo mensaje en redes sociales. Source link