6 de junio de 2025

El juicio por tráfico sexual contra Sean Combs, conocido como Diddy, continúa en Nueva York. El último jueves fue el turno de otra exnovia del rapero, que describió los maratones sexuales o ‘freak offs‘ en los que le obligaba a participar y detalló escenas muy similares a las relatadas por otra de las víctimas, la cantante Cassie Ventura. La víctima, que testifica bajo el pseudónimo genérico de Jane, contó a la Fiscalía federal que mantuvo una relación sentimental abierta con Combs entre 2021 y 2024, hasta que el artista fue detenido. Jane relata cómo fue presionada a participar en encuentros sexuales organizados por Diddy Entre lágrimas, Jane afirmó que la primera vez que participó en un freak off -encuentros en los que ella mantenía relaciones con trabajadores sexuales mientras él se masturbaba- fue en mayo de 2021, un hecho que abrió «una caja de Pandora» y «marcó el tono de la relación». Jane, que es madre soltera, aseguró que en múltiples ocasiones le dijo al rapero que no quería mantener relaciones con otros hombres, pero que al final accedía «porque quería que estuviera feliz, quería excitarle y satisfacerle». Además, incidió en que también se veía presionada para aceptar a participar en estos encuentros porque Combs pagaba su alquiler. La mujer describió cómo diversos trabajadores de Combs preparaban las habitaciones para estos encuentros, en los que siempre había una gran cantidad de drogas y decenas de botellas de aceite para bebés. Combs podría enfrentar cadena perpetua Estos detalles coinciden con el testimonio que Cassie Ventura, que mantuvo una relación de once años de idas y venidas con el cantante, dio hace dos semanas en el tribunal. Así, relató que estos ‘freak offs‘, a los que Combs también llamaba «noches de hotel«, podían durar entre 24 y 30 horas en las que tenía que mantenerse despierta, y además estaban guiados por el propio rapero, que daba instrucciones de cómo tenían que ser las sesiones sexuales. Estos encuentros con Jane ocurrieron en diversas ciudades, como las Islas Turcas y Caicos, Miami, Los Ángeles y Nueva York, entre mayo de 2021 y octubre de 2023. Combs, que ha asegurado ser inocente, podría enfrentar una pena máxima de cadena perpetua si es declarado culpable de todos los cargos. Source link

El cantante reveló en su nuevo documental que el romance con Elizabeth Weber, entonces esposa de su amigo y baterista Jon Small, lo sumió en una profunda depresión que lo llevó a atentar contra su vida en dos ocasiones. El legendario músico Billy Joel abrió un capítulo oscuro de su vida en el nuevo documental Billy Joel: And So It Goes, estrenado esta semana en el Festival de Cine de Tribeca. En la cinta, el cantante narra dos intentos de suicidio ocurridos en su juventud, luego de mantener un romance con Elizabeth Weber, la esposa de su compañero de banda y baterista, Jon Small.  Los hechos se remontan a principios de los años 70, cuando Joel, entonces en sus veintitantos, formaba parte del dúo Attila junto a Small. Según relata el propio músico, se enamoró de Weber mientras ella aún estaba casada con su amigo y compañero, situación que le generó un profundo sentimiento de culpa. “Me sentía como un rompehogares”, expresó.  Tras confesarle a Small sus sentimientos, la banda se disolvió y Joel cayó en una profunda depresión. El artista reveló que vivía sin rumbo, consumido por el alcohol y sin hogar, lo que lo llevó a considerar el suicidio. En su primer intento, ingirió una alta dosis de pastillas para dormir que su hermana —entonces asistente médica— le había dado. Terminó en coma durante varios días. En el segundo intento, bebió una botella de limpiador líquido y fue el propio Jon Small quien lo llevó al hospital, salvándole la vida a pesar de la traición.  Posteriormente, Joel buscó ayuda psicológica y encontró en la música una vía para canalizar su dolor. A pesar del duro inicio, el tiempo permitió una reconciliación: Small lo perdonó y, eventualmente, Joel inició una relación formal con Weber, quien se convirtió en su representante y en la primera de sus cuatro esposas.  En paralelo al estreno del documental, se conoció que Billy Joel enfrenta actualmente problemas de salud. En mayo, anunció la cancelación de algunas fechas de su gira debido a un tratamiento por hidrocefalia normotensiva (HNT), una condición que afecta el funcionamiento del cerebro. El artista señaló que está enfocado en su recuperación. ¿Qué enfermedad tiene Billy Joel? Billy Joel canceló todas sus presentaciones tras recibir un diagnóstico de hidrocefalia de presión normal (HPN), una condición neurológica que afectó su salud en las últimas semanas. En un comunicado oficial, el artista explicó que la afección se agravó luego de realizar varias presentaciones en vivo, provocándole «problemas de audición, visión y equilibrio», por lo que los médicos le recomendaron suspender sus actividades para iniciar un tratamiento. La decisión afecta un total de 17 presentaciones previstas en estadios de América del Norte e Inglaterra. «Lamento sinceramente decepcionar a nuestro público. Gracias por su comprensión», indicó el cantante. Source link

Las tablas peruanas continúan renovando su programación y se acaba de anunciar una temporada de “Bodas de Sangre”, obra de Federico García Lorca, que se presentará en el teatro Ricardo Roca Rey, bajo la producción de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA). La obra estrenará el viernes 13 de junio en el teatro Ricardo Roca Rey, en el Centro de Lima, con precios en preventa a S/20. Las entradas están a la venta en la boletería del teatro o a través de WhatsApp al número 974450108. LEE: “Pólipos”: la argentina Vero Rova y Ebelin Ortiz, una dupla potente “Bodas de Sangre” es dirigida por Omar del Águila, quien busca exponer los temas que están relacionados con la poética Lorquiana, alterando el orden del texto y evidenciando que, pese a ello, la obra mantiene un sentido mismo: “Nadie escapa de su destino”. “Bodas de Sangre”, obra de Federico García Lorca, llega a las tablas peruanas. (Foto: Asociación de Artistas Aficionados) El elenco de la obra está conformado por Alondra Contreras, Angélica Torres, Beleny Gómez, Joshua Vásquez, Grecia Rojas, Sol Gonzales, Miguel Oliva y Newydi Pereyra. Sinopsis de la obra En medio de una boda, dos antiguos amantes reavivan su pasión, la novia, que hace unos momentos se casó, escapa con su primer amor, provocando así sucesos catastróficos que son el eco de un presentimiento materno. MÁS INFORMACIÓN: “El abuelo” y “La entrevista” de Cielo Abril: el vínculo de la figura paterna y su influencia en nuestras vidas “Bodas de Sangre” es una propuesta que juega con la temporalidad a través de lo simbólico, partiendo del concepto de la premonición, las pasiones y padecimientos de los personajes. Source link

En Lima, el simple acto de desplazarse puede convertirse en una odisea cuando el cuerpo no responde con facilidad. Cruzar una pista sin rampas, subir a un bus sin ayuda, encontrar un espacio en un restaurante: lo que para muchos es rutina, para otros es una carrera de obstáculos cotidiana. Desde esa realidad parte el regreso de “No puedo dejar este cuerpo sin contar esta historia”, obra que se presenta en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ampliando la reflexión sobre lo que significa vivir desde una movilidad reducida. Basada en la vida de la psicoanalista y dramaturga Valeria García, la obra se adentra en su propia experiencia con la discapacidad física, pero sin victimismo ni consigna. Lo hace desde una mirada íntima y emocional, en un unipersonal interpretado por Verónica Garrido Lecca. Sentada en una silla de ruedas, la protagonista entabla un diálogo con su cuerpo, con su mente, con el encierro, con la medicina que no llegó a tiempo por la pandemia. Este unipersonal está protagonizado por la actriz Verónica Garrido Lecca, quien interpreta a Valeria. (Foto: Difusión) La puesta en escena —fragmentada como la memoria, cargada de imágenes, fotografías y archivos— da forma a un lenguaje teatral que, lejos de seguir una línea temporal, se construye como collage de vivencias que no solo narran lo individual, sino que también denuncian lo estructural. “Es un diálogo con una voz que te recuerda a la mente que habita un cuerpo, no solo en sentido metafórico, sino físico. Es el intento de comunicarse, de encontrar una herramienta que permita no sentir el encierro”, señala Nadine Vallejo, directora de la obra, quien en esta nueva temporada acentúa la crudeza del entorno: la inaccesibilidad, la indiferencia, la burocracia y la forma en que se niega, o se evita, el dolor de los otros. El espectador vivirá también un montaje de collage de escenas que no siguen una temporalidad lineal ni cronológica. (Foto: Difusión) Un teatro para todos Durante los años en los que la directora Nadine Vallejo presentaba sus obras, desde un lugar específico del teatro reservado para personas en silla de ruedas, una mujer joven solía aplaudir desde esa misma zona antes de retirarse en silencio. Era Valeria García, psicoanalista y dramaturga. Así fue como ambas se conocieron, cuestionándose como la discapacidad puede limitarte a ver una obra desde una perspectiva fija, reducida. “Por eso sentimos necesario que esta nueva temporada muestre, sin perder su esencia, las dificultades de una persona con discapacidad en la sociedad, de cómo la dramaturga vivió su condición, pero evocando momentos importantes que la marcaron por su discapacidad”, explica la directora Vallejo. El Unipersonal busca concientizar sobre las reacciones que cada uno hubiésemos podido detener de ser nosotros quienes estuviéramos en la situación. (Foto: Difusión) Pero más allá de las rampas o los asientos reservados, hay obstáculos menos evidentes que afectan la autonomía y el día a día de quienes viven con discapacidad. “Muchas veces pensamos que podemos entenderlas porque aparentemente solo están limitadas en pocas cosas, pero no es así —enfatiza Vallejo—. Vivir sabiendo que todo lo que hagas tiene barreras es una lucha constante que se invisibiliza, y damos por sentado que todos podemos hacer lo mismo”. En esta reposición, el montaje profundiza con mayor claridad en esos límites cotidianos, sin perder el tono íntimo que lo define. La historia se reconstruye desde la experiencia directa, con escenas que entrelazan ensoñaciones y momentos de confrontación con la realidad. Desde la silla que observa, la dramaturga decidió hablar una vez más. Y el teatro, responde a ella. Source link

En el circuito teatral británico, Sam Steiner se ha convertido en una voz particular: joven, punzante y con un oído bien afinado para las ansiedades de su tiempo. Originario de Manchester, Steiner estudió Derecho en la Universidad de Warwick, pero fue allí, al margen del currículo formal, donde dio sus primeros pasos como dramaturgo. Su carrera despegó rápido. Junto al director Ed Madden y otros colegas, fundó la compañía teatral Walrus, con la que estrenó su primera obra en el Warwick Arts Centre. Desde entonces, Steiner ha explorado nuevas formas de escritura escénica, en las que lo político se desliza con naturalidad por lo cotidiano, sin necesidad de panfletos ni frases sentenciosas. A Steiner le interesa más lo que se omite que lo que se grita, y eso se nota en cada una de sus piezas, como A Table Tennis Play, Kanye the First o You Stupid Darkness!, donde el silencio y la palabra cargan con el mismo peso dramático. «Limones, limones, limones, limones, limones», nos embarca en un viaje casi antropológico del lenguaje y la importancia que recién le damos cuando nos vemos obligados a prescindir de las palabras, buscando crear nuestro propio dialecto. (Foto: Difusión) “No me interesa hacer teatro para complacer. Me interesa hacer teatro para incomodar; solo así podemos mostrar cosas que muchas veces no se dicen o no llegamos a reflexionar. Al ver las obras, nos damos la libertad de aprender sobre otros”, señala Sam Steiner en entrevista con El Comercio. “Lemons Lemons Lemons Lemons Lemons” fue escrita cuando Steiner a penas había terminado la universidad. La idea, cuenta, surgió tras una conversación casual sobre cuántas palabras usamos al día. “¿Y si nos limitaran?”, pensó. Esa hipótesis simple, casi un juego, fue tomando forma hasta convertirse en una obra que explora qué pasa cuando el Estado impone un límite diario de palabras a sus ciudadanos. No hay gritos ni persecuciones, pero la opresión es palpable. La obra se presenta en el Centro Cultural de la Universidad de Lima hasta el 28 de junio. (Foto: Difusión) Contando las palabras La obra, que ha sido traducida y montada en decenas de países, llegó recientemente a Lima con una puesta en escena en el Teatro del Centro Cultural de la Universidad de Lima. Bajo la dirección de Mikhail Page y con las actuaciones de Carolina Cano y César Ritter, el montaje mostró el tono íntimo y el ritmo pausado del texto original, enfocándose en las tensiones emocionales que surgen entre una pareja que debe adaptarse a la nueva ley de las 140 palabras diarias. “Limones…» no es una distopía al uso. No hay escenarios apocalípticos ni rebeldes armados. Lo que hay es una pareja común —Bernadette y Oliver— intentando hablarse, decirse cosas importantes, sin malgastar sílabas. Es una historia de amor, pero también una reflexión sobre los mecanismos del control, la autocensura y las formas sutiles del poder. El lenguaje, que en teoría nos libera, en este mundo se convierte en un campo de batalla. “Limones, limones, limones, limones, limones” es una coproducción entre La Ira Producciones y el Centro Cultural de la Universidad de Lima. (Foto: Difusión) “La censura puede llamar a la creatividad, pero eso no significa que debamos aceptarla, hacerlo implicaría ir contra aquello que hace funcional obras como esta. La libertad tiene un costo, pero nuestra propia independencia creativa no debe ser esa moneda de cambio”, menciona Steiner. En tiempos donde el exceso de palabras —en redes, en discursos, en debates vacíos— amenaza con vaciar de sentido todo lo que decimos, «Limones…» recuerda que, a veces, lo que no se dice pesa más. Steiner escribió su obra desde la intuición juvenil, pero lo que dejó fue un manifiesto sobre el valor de las palabras. Source link